Antonio Rossellino (Settignano 1427 - Firenze 1479) - Busto di ragazzo

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Antonio Rossellino (Settignano 1427 - Firenze 1479) - Busto di ragazzo

Informazioni sull’articolo

Attribuito ad Antonio Rossellino (Settignano, 1427 - Firenze, 1479) Busto di un ragazzo 1470-1475 Stucco policromo 35 x 31 x 15,5 cm - Pubblicato sul catalogo della mostra: A. Del Priori, in Rinascimento Segreto, a cura di Vittorio Sgarbi, 2015, pagg. 170-171. La piccola scultura rappresenta il busto di un ragazzo vestito con una camicia bianca, con il colletto visibile, e una giacca rossa aperta a V sul petto. Tagliata appena sotto le spalle, la scultura rappresenta un bambino molto piccolo, probabilmente di circa tre anni. Il viso è caratterizzato da un naso leggermente all'insù, guance rosee e paffute e una bocca piccola e inespressiva. Il busto poggia su una base esagonale contemporanea parzialmente dorata. Si tratta di un affascinante stucco policromo che un restauro (2014) ha liberato dall'eccesso di pittura e dallo sporco, rivelando la sua notevole qualità. L'intaglio plastico degli occhi, disegnati come con un bisturi, e l'arco sopraccigliare più ampio, come se fosse stato modellato con le dita, suggeriscono un artista dalla tecnica eccezionale. Lo stucco è abilmente scolpito in modo da evocare la pelle liscia delle guance e la carne paffuta del collo. La padronanza dei contorni, le sottili gradazioni della superficie e la sensibilità dell'espressione sono caratteristiche dello stile dello scultore Desiderio da Settignano, che ha portato un livello di osservazione insuperabile nella rappresentazione dei bambini. Il tema dei bambini piccoli permette a Desiderio di giocare su un'ampia gamma di emozioni. Probabilmente non è un caso che questo tema sia uno di quelli più frequentemente esplorati dall'artista in vari generi: all'interno dei gruppi delle Vergini e del Bambino, nei busti di bambini indipendenti, forse laici o più probabilmente religiosi, come Gesù Bambino o Saint John, in angeli con stemmi o angeli con candelabri intorno a monumenti funerari o sacri. I busti di un ragazzo a Washington incarnano questa capacità di catturare la natura transitoria di un sorriso in via di formazione. Quest'arte delle sfumature è completata dalla capacità di catturare la morbidezza della modellazione delle labbra, delle fossette e delle curve di un viso ancora tenero. Questi sentimenti si ritrovano nel busto di terracotta del Museo Jacquemart-André. Il Getty Young Boy presenta alcune somiglianze con la nostra scultura. Tuttavia, la differenza nell'intaglio dell'acconciatura, con ciocche elegantemente intrecciate che riflette fortemente la grazia di Desiderio da Settignano, e che in questo stucco è semplicemente dipinta in marrone sulla superficie, porta a concludere che non è di mano di Nativo di Settignano. Le pronunciate caratteristiche toscane di questo busto, insieme alle somiglianze stilistiche con alcuni busti rinascimentali di giovani ragazzi di Desiderio da Settignano, hanno portato all'attribuzione ad Antonio Rossellino. La scultura è stata presentata in una mostra curata da Vittorio Sgarbi nel 2015 ed è stata successivamente pubblicata nel catalogo della mostra. Si possono fare confronti ravvicinati con alcuni Child & Child di Antonio Rossellino, come quello stupefacente della Madonna in terracotta del Victoria and Albert Museum (che ha anche una controversa attribuzione spesso condivisa con il fratello Bernardo) o quello a tutto tondo con la Madonna del monumento al cardinale portoghese a San Miniato al Monte a Firenze. Tuttavia, il parallelo più efficace sembra essere quello con il piccolo e straordinario busto di Cristo giovane conservato a Palazzo Davanzati a Firenze. Il teologo fiorentino, il cardinale Giovanni Dominici, raccomandò ai genitori, intorno al 1410, di esporre nelle loro case le immagini del Bambino Gesù e del giovane Johns insieme, come esempio religioso e morale per i loro figli. Quando fu realizzato, questo busto potrebbe essere servito proprio a questo scopo in una casa di Florentine. Come Desiderio, Antonio Rossellino era probabilmente originario di Settignano. Era lo scultore più abile tra i cinque fratelli, tutti formatisi nell'importante bottega guidata dal fratello maggiore Bernardo. L'ammirazione diffusa per l'abilità di Antonio può spiegare perché il suo soprannome Rossellino, "piccolo rosso", venne affibbiato a tutti i suoi fratelli, sostituendo il nome di famiglia Gambarelli. Il busto di fanciullo era un genere scultoreo rinascimentale, molto probabilmente inventato da Desiderio, che ebbe origine nella Firenze della metà del Quattrocento e la cui produzione terminò intorno al 1510, con la caduta della Repubblica. Eseguiti in marmo, terracotta o stucco, busti simili furono prodotti in gran numero nelle botteghe di artisti come i fratelli Rossellino, Bernardo e suo fratello minore Antonio, nonché Desiderio da Settignano. Non esistono controparti dipinte paragonabili e il genere ha una produzione di circa cinquant'anni. Queste immagini devozionali venivano utilizzate sia in ambienti privati, per la devozione domestica, sia come elementi decorativi negli edifici religiosi. Questi busti-ritratto sono unici nel Rinascimento. Esistono busti antichi di bambini, ma sono di natura opposta a quelli creati nella Firenze del Quattrocento. I busti romani di bambini normalmente non mostrano la vivacità che rende gli esempi rinascimentali così caratteristici e affascinanti. I busti antichi sono solitamente pieni di sobria dignità, senza la spontaneità e la vivacità dell'infanzia stessa. Infatti, le rappresentazioni scultoree di bambini più comuni nell'arte classica appaiono in contesti funerari o come parte del culto degli antenati, il che spiega in parte la loro sobrietà. Nella scultura rinascimentale, i bambini erano spesso raffigurati come simboli di purezza, vulnerabilità e grazia divina. Gli artisti traevano ispirazione dagli ideali classici e infondevano i valori cristiani nelle loro creazioni. L'innocenza associata all'infanzia è diventata una potente metafora che rappresenta il viaggio dell'anima umana verso l'illuminazione spirituale. Questi busti appartengono a un contesto del XV secolo in cui l'infanzia fu riconosciuta per la prima volta come una fase distinta della vita e il loro scopo potrebbe essere stato quello di gettare le basi della nobiltà, in una coscienza civica di mecenati che vedevano nei bambini la futura guida della repubblica. Riflettono la consapevolezza degli antichi busti-ritratto romani, ma sono infusi di una vivacità estranea ai loro precursori romani. Durante il Rinascimento i bambini avevano un nuovo status di individui e il loro sviluppo morale era sempre più importante, non solo per i genitori ma anche per lo Stato, che aveva bisogno di loro come buoni cittadini. L'educazione morale e religiosa, considerata essenziale per una corretta educazione cristiana dei bambini, era di fondamentale importanza e utilizzava diversi dispositivi mimetici. I teologi suggerivano che le immagini di personaggi santi fossero dei buoni modelli per i bambini e le bambine, soprattutto se raffigurati in età altrettanto giovane, e raccomandavano di esporre tali immagini in casa (vedi "Consigli per l'uso delle immagini religiose nell'educazione dei bambini"). Le raffigurazioni tridimensionali delle figure sacre erano considerate come dotate di una propria essenza spirituale e virtuosa, che poteva essere trasferita ai fedeli che si confrontavano con esse. Per questo motivo, le giovani donne tenevano spesso nelle loro camere da letto delle immagini private portatili note come "bambole sacre", la cui contemplazione si credeva potesse aiutare a ispirare un comportamento virtuoso nei loro figli non ancora nati. Per lo stesso motivo, i busti del giovane Cristo, a volte abbinati a quelli del Battista bambino, si trovavano spesso nelle case dei fiorentini. Grazie alla contemplazione spirituale della madre e alla presenza fisica della bambola vicino al bambino, si presumeva che l'effigie potesse ispirare un comportamento virtuoso nel nascituro. In modo complementare, i busti-ritratto di bambini nella Firenze del Quattrocento riflettono una convinzione collegata alla capacità delle immagini di influenzare chi le guarda. Predicatori come il Beato Giovanni Dominici esortavano i genitori a tenere in casa immagini dipinte e scolpite di figure sante, come esempio per i loro figli: "Abbi in casa dipinti di santi bambini o di giovani vergini, in cui il tuo bambino, ancora in fasce, sarà deliziato dall'esempio che gli viene dato e agirà secondo l'esemplare, con atti e segni appropriati all'infanzia". E così come parlo di dipinti, lo stesso direi per le sculture". La comparsa di questi busti nel Quattrocento deriva da una maggiore sensibilità nei confronti del bambino, e in particolare del bambino maschio. Le fonti contemporanee indicano che il figlio maschio era visto specificamente come l'incarnazione del futuro della famiglia e dello stato. Produrre figli per perpetuare la repubblica fiorentina soddisfaceva quindi un obbligo civico. Questi sentimenti non sono nuovi, anzi si possono far risalire all'antica Roma. Tuttavia, la loro particolare articolazione nella filosofia civica umanista e nella creazione artistica divenne uno dei tratti distintivi della Firenze rinascimentale. I busti-ritratto di bambini sono quindi emersi in un contesto culturale di crescente sensibilità civica e personale nei confronti della natura del bambino come essere senziente e consequenziale. I bambini rappresentavano la promessa e la continuità della Repubblica e delle sue famiglie. L'espressione pubblica di questa nuova percezione dell'infanzia si manifesta con la fondazione dell'Ospedale degli Innocenti, motivata dalla preoccupazione per il benessere dei bambini come responsabilità dello Stato. La sua facciata, opera del Brunelleschi, mostra una delle immagini più veriste dei bambini dell'epoca. I figli divennero infatti i garanti fisici della successione e della prosperità civica. Il bambino incarnava letteralmente il futuro e il carattere di quel futuro sarebbe stato determinato essenzialmente dal suo sviluppo. Queste nuove raffigurazioni di bambini rappresentavano molto di più di un'infanzia reale o sacra. Erano immagini reali e ideali della futura famiglia e dello Stato. Solo in parte destinati al bambino, servivano anche al genitore, dando una promessa visiva di una prole virtuosa e assicurando la continuità della discendenza attraverso una linea maschile degna. Ma i busti non sono mai le esatte sembianze di un bambino reale. Si basavano su forme ed espressioni naturali, ma sono tutte immagini idealizzate. Nessun bambino ha un difetto fisico o una macchia. Nessuno ha un aspetto diverso dalla personificazione della giovane innocenza. Si assomigliano perché rappresentano degli ideali piuttosto che delle apparenze. Questa tendenza idealizzante si manifesta anche nella convenzione di dare ai busti dei ragazzi età indeterminate. Le età presunte variano dall'infanzia all'adolescenza ma sono volutamente vaghe, poiché i busti sono incarnazioni della gioventù e non raffigurazioni di un singolo bambino specifico in un determinato momento. Questi arresti si sono rivelati un fenomeno di breve durata. Infatti, sono praticamente scomparsi con la caduta della Repubblica di Florentine. L'uso dello stucco illustra perfettamente il lavoro "spensierato e fantasioso" delle botteghe di scultura a Firenze durante il Quattrocento. Questi laboratori dovevano essere fantasiosi per soddisfare l'elevata richiesta di immagini devozionali. Non solo hanno risposto a questa domanda, ma l'hanno anche stimolata offrendo varietà. La scelta dello stucco, più comunemente utilizzato rispetto alla terracotta e alla cartapesta per i rilievi della produzione di Antonio Rossellino, si giustifica per diversi motivi. La disponibilità generale di opere in gesso, tuttavia, non significava che fossero appannaggio dei meno abbienti: rilievi della Vergine e del Bambino in gesso, così come calchi di sculture in rilievo locali, sono elencati negli inventari delle famiglie d'élite, compresi i Medici. Lo stucco fu al centro di una sperimentazione particolarmente ampia nel Quattrocento, in particolare nella Firenze di Donatello, dove artisti e architetti utilizzarono questo materiale versatile per creare sculture figurative e a rilievo e decorazioni inedite che offuscarono le tradizionali distinzioni tra decorazione murale, scultura e ornamento architettonico. Nell'Italia del Rinascimento, alcune opere scultoree in gesso venivano prodotte con un processo di fusione meccanica che prevedeva l'uso di stampi, spesso anch'essi in gesso; altre, come questo busto, venivano modellate a mano. Una volta completamente fissati, questi oggetti potevano essere ulteriormente manipolati con seghe, raspe o lime (alcune tracce sono ancora visibili in questo busto). Per quanto riguarda il trattamento della superficie e l'aspetto esteriore, probabilmente solo pochissimi esemplari sono stati lasciati senza trattamento o semplicemente verniciati in modo da fornire loro una pelle esterna protettiva. Piuttosto, lontano dalle botteghe degli artisti, la maggior parte di queste opere sembra essere stata patinata per assomigliare a bronzi, dorata con foglie d'oro o dipinta per assomigliare alla vita come quella che presentiamo. Di conseguenza, non tradivano la loro materialità all'osservatore e sarebbero stati quindi difficili da distinguere dalle opere in materiali scultorei che imitavano attraverso la patinatura, o da altre opere policrome, in legno, terracotta o cartapesta. La disponibilità, l'economicità e la versatilità del gesso come materiale gli permisero di svolgere un ruolo importante nella realizzazione di prodotti scultorei accessibili per quelle fasce più modeste, anche se non certo povere, della società Florentine, per le quali la scultura in marmo o in bronzo era fuori portata. La rappresentazione dei bambini nella scultura rinascimentale trascendeva la semplice ritrattistica, diventando una profonda esplorazione dell'innocenza, della spiritualità e della bellezza insita nei momenti fugaci dell'infanzia. Attraverso le mani dei maestri scultori, queste raffigurazioni hanno contribuito al ricco arazzo dell'arte rinascimentale, offrendo agli spettatori uno sguardo sugli aspetti universali e senza tempo dell'esperienza umana. I busti erano espressioni artistiche di un umanesimo civico basato su ideali democratici del futuro dello Stato e dei suoi cittadini. Quando il futuro fu destinato ad essere autocratico piuttosto che democratico, queste manifestazioni di promessa civica repubblicana cessarono di avere molta rilevanza e il genere finì. Questo busto è quindi un raro e interessante esempio di un genere scultoreo che riflette la specifica situazione politica di Firenze, illustrando vividamente i suoi ideali civici. La breve durata di vita di tali opere rende questa scultura una rara testimonianza di un particolare momento storico, filosofico, politico e artistico che ha permesso la straordinaria fioritura del Rinascimento.

Dimensioni:
Altezza: 35 cm (13,78 in)Larghezza: 41 cm (16,15 in)Profondità: 15,5 cm (6,11 in)
Stile:
Rinascimento (Del periodo)
Materiali e tecniche:
Stucco,Policromo
Luogo di origine:
Italia
Periodo:
Fino al XV secolo
Data di produzione:
1470-75
Condizioni:
Usura compatibile con l’età e l’utilizzo.
Località del venditore:
Bruxelles, BE
Numero di riferimento:
1stDibs: LU6666239673922

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