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David David Rigsby Astratto in tecnica mista su tela, Americano 1960

1935,57 €

Informazioni sull’articolo

Una bella e sofisticata tecnica mista su tela dell'artista americana I. Johns. Si trova in uno stato di conservazione originale. Le sue opere sono poche e poco diffuse. La seguente biografia è stata inviata da David Johns Johns, figlio dell'artista. L'autrice è Lisa Rigsby Peterson, figlia dell'artista e titolare del copyright della biografia. David Johns nacque il 10 ottobre 1934, settimo figlio di un mezzadro dell'Alabama dell'epoca della Depressione. Lui e la sua famiglia si spostavano spesso, da una struttura di una stanza all'altra, spesso senza acqua corrente, senza impianti idraulici, senza riscaldamento se non quello della stufa. Suo padre rimase ucciso in un incidente stradale quando Rigsby aveva solo 9 anni. La vita per gli altri otto membri della famiglia si rivelò tumultuosa e difficile: il cibo non era abbondante, né il denaro. La famiglia si spostava da un posto all'altro, seguendo il lavoro: Rigsby frequentò 30 scuole diverse prima di diplomarsi. Nonostante vivesse in povertà, Rigsby dimostrò fin da giovane attitudini accademiche e artistiche. Due dipinti a olio su copertine strappate da vecchi libri, realizzati all'età di otto anni, mostrano la promessa di un occhio fantasioso e dotato. Rigsby fu arruolato dall'U.S. Army nel 1953. Come scrisse in seguito, "Quando l'addestramento di base a Fort Jackson, nella Carolina del Sud, finì, mi fu detto di uscire e trovare un lavoro. Jasper Johns stava dipingendo supporti visivi per il Quartier Generale del 28° Reggimento. Ha suggerito l'Unità di Formazione per Banda". Rigsby suonava il clarinetto in quell'unità e, dopo due anni di servizio, si iscrisse all'Università dell'Alabama con il G.I. Billing per studiare arte. Dopo soli due anni, lasciò la scuola e seguì il suo mentore (e una delle più grandi e durature influenze sulla sua arte), l'artista giapponese e istruttore d'arte dell'U.A. Tatsu Heima, a New York City. Heima lo presentò a Isamu Noguchi e suggerì a Rigsby di lavorare come assistente di Noguchi. Rigsby scelse invece un lavoro come guardia al Metropolitan Museum of Art, poiché "l'idea di vedere tutta quell'arte mi attraeva di più del noioso compito di assistente di studio". L'occasione era ghiotta per Rigsby. Ebbe modo di studiare i maestri e citò Rembrandt, con la sua semplicità ed eleganza, come un'altra delle influenze più importanti sul suo lavoro. Negli anni tra il 1957 e il 1963, quando Rigsby conseguì il BFA in scultura, l'artista viaggiò avanti e indietro tra New York e Tuscaloosa, alternando lo studio a incursioni nella fertile scena artistica newyorkese. Rigsby espose alcuni dei suoi primi lavori di scultura nel 1958 in una piccola galleria di New York, che esponeva anche le opere di Willem &New de Kooning e Theodore Stamos. Poco dopo, alla ricerca di un luogo di formazione più vicino a New York, Rigsby visitò New Haven, nel Connecticut, e trascorse un pomeriggio a parlare con Josef Albers a Yale. Albers accettò di far entrare Rigsby nel programma di Yale a condizione che riprendesse il disegno da matricola. Un'opportunità brillante ma, secondo le parole di Brilliante, "quando fu il momento di registrarsi, tornai in autostop in Alabama, in cerca di cibo e riparo". Rigsby ha tenuto la sua prima mostra personale all'Università dell'Alabama nel 1959. Un critico in visita da New York, J.F. Goosen, recensendo lo spettacolo, ha scritto: "Qui c'è un talento che produce arte perché è la cosa che una persona dotata deve fare". Con la sua facilità di ideazione e di esecuzione, ha già raggiunto un obiettivo che sfugge a molti artisti per tutta la vita". Infine, nel 1963, Rigsby si laureò in scultura, sciolse un matrimonio di breve durata, visitò la sua famiglia, fece i bagagli e partì definitivamente per New York. Nello stesso anno, il suo lavoro fu incluso in una mostra collettiva al Delgado Museum di New Orleans, che portò a una mostra personale al Delgado nel 1964. Nel 1964 Rigsby frequentò corsi di disegno alla Columbia University e di notte lavorò al General Post Office. An He ha incontrato la sua futura moglie, Linda Palmieri, e si è sposato. Nel 1965 nacque la figlia Lisa, seguita nel 1966 dalla nascita del figlio David Johns. Nel 1966, Rigsby tenne una mostra personale di successo presso la Pietrantonio Gallery di New York. Poco dopo, si trasferisce con la famiglia a Tunisi, in Tunisia, su suggerimento di un collega che lo esorta a "venire a dipingere alla luce di Klee". Rigsby lavorò per l'Agenzia di Informazione degli Stati Uniti come insegnante e trascorse l'anno e mezzo successivo dipingendo oltre novanta quadri ispirati agli odori, alla luce e all'arte fenicia e romana che lo circondavano. An He eseguì anche una serie di disegni di personaggi e paesaggi, catturando lo stile di vita tunisino. Durante la sua permanenza in Tunisia, il lavoro di Rigsby è stato esposto in due grandi mostre. Al ritorno della famiglia negli Stati Uniti nel 1968, Rigsby espose nuovamente alla Pietrantonio Gallery. Più tardi, nello stesso anno, Rigsby si iscrisse al programma di studi urbani del Southern Connecticut State College, conseguendo un master nel 1970. Durante il periodo trascorso alla SCSU, Rigsby ha lavorato come curatore di mostre della città di Bridgeport, guidando una galleria d'arte mobile dalle scuole alle fiere di quartiere e ai progetti abitativi. Dopo aver conseguito la laurea, Rigsby ha esposto al Telfair Museum di Savannah, in Georgia. Questa mostra ha attirato l'attenzione di un membro del comitato di ricerca che stava cercando di assumere un artista per un programma di recente sviluppo nella vicina Carolina del Sud. Nel 1970, Rigsby è stato selezionato come primo Artist-in-Residence nello stato della Carolina del Sud per il programma Artistics in Schools del National Endowment for the Arts. Il lavoro con gli studenti appena integrati della Beaufort High School (SC) durante il periodo di residenza gli impedì di dedicarsi alla propria arte. Tuttavia, allestì uno studio nel centro di Beaufort e riuscì a creare un modesto numero di dipinti, che furono esposti al Columbia Museum della Carolina del Sud nel 1971 e all'Università di Yale nel 1973. Al termine della sua residenza nel 1974, Rigsby fu nominato coordinatore nazionale delle arti visive del programma Artistics in Schools per il NEA, incarico che mantenne per due anni. In questa posizione, Rigsby ha viaggiato per il paese, esaminando le richieste di sovvenzione, incontrando i leader statali del governo, dell'istruzione e delle arti per promuovere i concetti del programma ed esplorare le opportunità locali. Il messaggio che ha ripetuto più e più volte è stato ripreso da una delle principali influenze su Rigsby come artista: Ruth Asawa Lanier, le cui parole gli hanno insegnato che tutto il lavoro che l'artista fa è il lavoro dell'artista, non solo i dipinti che crea. Nella sua veste di Coordinatore Nazionale, così come in molte altre occasioni future, Rigsby ha sottolineato che gli artisti funzionano come qualsiasi altra persona nella società e meritano lo stesso rispetto e lo stesso spazio per il loro lavoro di tutte le altre professioni. Dopo due anni in giro per il paese, Rigsby era pronto per un cambiamento: "per la prima volta nella mia vita adulta, non avevo un corpo di dipinti da mostrare per gli anni dedicati al mio lavoro". Nel 1976, un ritiro estivo nella comunità montana di Central City, in Colorado, portò a un trasferimento permanente. Alla fine si stabilì nella piccola città di Evergreen e Rigsby seguì il suo stesso consiglio di coinvolgere attivamente gli artisti nelle loro comunità, fondando l'Evergreen Visual Arts Center. Il Centro offriva spazi di lavoro per gli artisti, corsi per adulti e bambini e, soprattutto, un luogo in cui Rigsby poteva creare le proprie opere. Stimolato dall'opportunità di concentrarsi nuovamente sulla sua arte e ispirato dal nuovo ambiente, Rigsby entrò in un periodo estremamente prolifico della sua carriera. Nel 1977 organizzò una mostra itinerante dei suoi dipinti che venne esposta al Kimball Arts Center nello Utah, al Kennedy Center di Washington e all'Arvada Center in Colorado. Il 1978 portò altre mostre, in particolare ad Aspen e Denver, mentre il lavoro di Rigsby continuava. Ha fatto un lungo viaggio per visitare il suo mentore, Tatsu Heima, in Giappone, dove ha scalato il monte Fuji, seguito da viaggi a Teheran, Delhi e in diversi paesi europei. Al suo ritorno negli Stati Uniti, An's raccolse le sue impressioni di viaggio in una piccola collezione di dipinti: l'inizio di una pratica che sarebbe continuata per il resto della sua vita. Nel 1979 il matrimonio di Rigsby fallì e allo stesso tempo perse il contratto di affitto del suo studio di Evergreen a causa di un progetto di riqualificazione. In risposta al caos personale che lo circondava, Rigsby iniziò una serie di quelli che definì "dipinti di processo con il pugno di ferro", i dipinti ad acquerello di punti che caratterizzarono il suo lavoro in questo periodo. I dipinti gli valgono una borsa di studio NEA Individual Artist nel 1980 e una borsa di studio Yaddo nel 1981. I dipinti a pois sono stati seguiti da una serie di immagini simili a cupcake, sempre esaminando lo spazio e il colore. Nei primi anni '80, Rigsby viveva in una suite di vecchi studi dentistici in una zona degradata di Denver, con uno studio in un'area che gli ricordava la Bowery di New York. Nel 1984, Rigsby fondò la Progreso Gallery nell'edificio in cui viveva, utilizzando lo spazio sia per esporre le proprie opere che per allestire mostre di molti artisti del Colorado. La galleria è stata anche un punto di riferimento per la comunità artistica locale di Denver, ospitando gruppi di discussione e corsi settimanali. Nel 1984 Rigsby si recò nella penisola di Baja e nel 1985 in Jugoslavia. Dopo ogni soggiorno, Rigsby è tornato a creare dipinti vibranti ed esplosivi basati sulle sue esperienze, esponendoli nella sua galleria Progreso e in un'altra galleria alternativa di Denver, la Edge Gallery. La recessione economica della metà degli anni '80, tuttavia, colpì duramente il mercato dell'arte e Rigsby e, sebbene continuasse a creare nuove opere d'arte, le mostre più importanti erano difficili da realizzare. Nel 1987 Rigsby decise di lasciare Denver e trascorse sei mesi a Barcellona, in Spagna. È stato un viaggio elettrizzante per lui. Rigsby ha scritto di quel periodo: "Le strade sono una vera e propria festa per gli occhi e l'aggiunta di musei come Saarinen, Picasso, Mirò e icone del XII secolo ha provocato un'indigestione artistica. I miei dipinti riguardano sempre l'aspetto e la sensazione delle cose. Barcellona è stata una macchina del tempo che ha riportato queste preoccupazioni sensoriali ed emotive al Medioevo. Ho sentito il bisogno di ridurre il mio lavoro agli elementi essenziali di colore, scala, disegno e formato. Gli studi di colore che ne sono scaturiti parlano da soli in modo eloquente e, così facendo, ridefiniscono tutto il lavoro che ho fatto negli ultimi 35 anni di pittura". Rigsby completò oltre un centinaio di dipinti mentre si trovava a Barcellona: studi di colore, ritratti di strada dei personaggi che incontrava quotidianamente e una serie di dipinti di paesaggi scuri. Trovò il tempo di correre con i tori a Pamplona e iniziò a scrivere storie sulle sue avventure che furono poi pubblicate. Al suo ritorno a Denver nel 1988, Rigsby continuò a esplorare gli alter ego degli studi sul colore: si concentrò su una serie di dipinti scuri, tutti caratterizzati dalla presenza della schiena. A proposito di questi dipinti neri ha commentato che "ha deciso che era giunto il momento di esplorare la percezione dell'occhio e dello spazio fisico come definito dalle condizioni di scarsa illuminazione... Trovo questi dipinti eleganti, gioiosi e pieni di luce, senza alcuna sensazione di pesantezza". A metà del 1988, Rigsby si trasferì definitivamente a Houston, in Texas, dove trascorse gli ultimi cinque anni della sua vita. Una volta a Houston, Rigsby fece una scoperta che sarebbe servita da ispirazione e materiale per alcune delle ultime opere della sua carriera. Nel 1989 scoprì un deposito di rottami di gomma e iniziò a lavorare a sculture di gomma nera e a dipinti con elementi di gomma incorporati. An He ha stretto forti legami con la scena artistica alternativa di Houston ed è diventato un collaboratore regolare e un critico d'arte per un settimanale locale, The Public News. Dal 1989 al 1992 ha esposto le sue sculture e i suoi dipinti alla Brent Gallery di Houston, alla Fountainhead Gallery e alla Blaffer Gallery. Ha anche realizzato un'installazione delle sue sculture di gomma sul tetto della Diverse Works Gallery di Houston. Il 1992 segna anche il ritorno di Rigsby a Denver, quando espone le sue sculture alla Payton-Rule Gallery di Denver, ottenendo una commissione Absolut Rigsby da parte di Carillon Importers. Gli anni '90 furono una dura lotta per Rigsby, con crisi finanziarie aggravate da traumi fisici (si segò accidentalmente l'articolazione superiore del dito indice della mano sinistra mentre lavorava nel suo studio). Sebbene le sue opere venissero esposte, non si vendevano e la tremenda pressione finanziaria che sentiva pesava molto su di lui. Passò una parte sempre maggiore del suo tempo a visitare mercatini delle pulci e vendite di garage, a riabilitare e riparare gli oggetti che acquistava lì e poi a rivenderli semplicemente per racimolare il denaro sufficiente a mantenere un tetto sopra la testa. Aveva poco tempo per dipingere o scolpire, le cose che nella vita gli avevano sempre portato gioia, indipendentemente dalle circostanze. Le ultime opere di Rigsby sono una serie di intricati dipinti e disegni su libri usati acquistati al mercato delle pulci. La maggior parte di questi disegni, che An He ha definito disegni di forma scultorea, sono stati eseguiti su pagine e pagine di testi scientifici, libri di musica e una bibbia coreana e riempiono centinaia di pagine. Inoltre, Rigsby creò uno squisito libro intitolato 28 de los Angeles, in cui i suoi ventotto disegni di angeli, semplici ed eleganti, risuonavano dell'influenza di Rembrandt che aveva tanto ammirato agli inizi. In un certo senso, le ultime opere di Rigsby, create su libri usati che erano gli unici materiali che poteva permettersi, hanno chiuso il cerchio del suo lavoro e della sua vita fin dai tempi dell'infanzia. La vita di Rigsby, sebbene sia iniziata e finita nelle avversità, è stata comunque illuminata e arricchita dall'impulso irresistibile di creare arte e bellezza. I. John David Carli rimase ucciso in un incidente stradale in Colorado nell'agosto del 1993. Biografia dagli archivi di askART Di seguito la recensione di Michael Paglia della retrospettiva dell'artista tenutasi nel luglio 2004 presso il Museo d'Arte Contemporanea di Denver. È stata inviata da John Rigsby Jr., figlio dell'artista. Al Museo d'Arte Contemporanea di Denver c'è una magnifica retrospettiva dedicata al lavoro del defunto David Johns, che è stato una delle principali forze della scena artistica del Colorado. "Dot Dot, Blobs and Angels" raccoglie più di quarant'anni di dipinti e sculture di questo straordinario artista. Il 1993 è stato un anno strano, e con questo intendo dire terribile. Molte gallerie della città hanno chiuso a causa del cattivo tempo economico e gli artisti hanno iniziato a morire. Nel giro di pochi mesi, Denver ha perso tre artisti importanti: Rigsby, il fotografo sperimentale Wes Kennedy e il pittore astratto figurativo Edward Marecak. È interessante notare che tutti erano stati protagonisti di assoli nei due anni precedenti, quindi erano ancora freschi nella mente di tutti. Ho citato Kennedy e Marecak in relazione a Rigsby perché il destino delle loro opere sfata il mito ampiamente diffuso secondo cui, una volta morto un artista, l'interesse per la sua arte aumenta. In realtà, la maggior parte degli artisti, anche quelli con carriere illustri e opere credibili, vengono gradualmente dimenticati dopo la loro scomparsa. Kennedy è un buon esempio: A parte uno o due pezzi in una mostra collettiva, quando è stata l'ultima volta che hai visto una sua opera? Marecak ha avuto una sorte migliore perché faceva parte della scena moderna di metà secolo e c'è un crescente interesse per gli artisti di quel periodo. Infine, c'è Rigsby che, come Kennedy, è stato lentamente dimenticato. Dot Dot, Blobs and Angels si propone di rimediare a questa situazione e in gran parte ci riesce. Cydney Payton, l'abile direttrice dell'MCA, ha organizzato la mostra, selezionando i pezzi e, come sempre, supervisionando l'installazione. In entrambi i casi, ha fatto un ottimo lavoro. Le sue selezioni rappresentano quelli che lei considera i pezzi cardine dell'arte di Rigsby e, disponendoli intelligentemente in ordine cronologico (anche se ci sono alcune eccezioni), Payton accompagna lo spettatore attraverso i sottili cambiamenti della teoria estetica di Rigsby.

Dimensioni:

Altezza: 82,55 cm (32,5 in)Larghezza: 62,23 cm (24,5 in)Profondità: 3,81 cm (1,5 in)

Stile:

Mid-Century moderno (Del periodo)

Materiali e tecniche:

Tela,Pittura,Dipinto a mano

Luogo di origine:

Stati Uniti

Periodo:

1960-1969

Data di produzione:

1960

Condizioni:

Usura compatibile con l’età e l’utilizzo.

Località del venditore:

Materiali

Tela, Pittura

Balcomb Greene Wind Ocean Sun 1963

Prezzo su richiesta

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