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Comunicazione Turbolenta Disegno grafico assistito al computer dell'artista Aldo Giorgini
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Si tratta di un raro disegno originale "prova d'artista" realizzato al computer dal grafico Aldo Giorgini. Il disegno, intitolato "Comunicazione turbolenta", è stato progettato utilizzando il suo programma informatico "Fields", sviluppato in Fortaran alla Purdue University nel 1975. La quarta immagine di questo annuncio mostra l'iterazione finale di questo pezzo, così come appare nella pubblicazione del 1985 di "Computer Graphics-Computer Art" di Herbert W. Franke (si noti lo sfondo quadrato nero ruotato). La foto 5 mostra lo stesso Aldo nel suo studio nel 1975 circa. Giorgini è considerato da molti uno dei padri fondatori della computer graphic art e questo pezzo è un meraviglioso esempio unico del suo lavoro innovativo.
Processo dell'artista: Questo pezzo è stato creato prendendo una trama dal disegno originale di Fields al computer, incidendo a mano le aree nere, creando una copia elettrostatica del dipinto, creando una serigrafia e poi stampando l'immagine risultante come serigrafia finale.
Un breve background sull'artista:
Giorgini è nato a Voghera, in provincia di Pavia (Italia settentrionale). Era un compagno di scuola dello stilista Valentino, che era anche uno studente di design di Ernestina Salvadeo, zia materna di Giorgini.
Formatosi con il pittore-scultore futurista italiano Ambrogio Casati, Giorgini rimase con il suo mentore come apprendista e assistette al restauro di opere classiche di vecchi maestri danneggiate durante la Seconda Guerra Mondiale. Frequentando contemporaneamente corsi universitari al di fuori della sua attività artistica, Giorgini ha conseguito un dottorato in Ingegneria Meccanica presso il Politecnico di Torino prima di recarsi negli Stati Uniti con una borsa di studio Fulbright. Lì, Giorgini ha conseguito un secondo dottorato, questa volta in Ingegneria Civile presso la Colorado State University, e ha accettato una posizione di professore presso la Scuola di Ingegneria Civile della Purdue University di West Lafayette, Indiana. Si trasferì a Lafayette, Indiana, il 22 dicembre 1968.
Alla Purdue University ha vinto diversi premi e riconoscimenti come insegnante eccellente di meccanica dei fluidi e matematica ingegneristica a livello universitario e di laurea. An He includeva regolarmente lezioni di estetica nei suoi corsi di ingegneria, affermando che "essere tecnici e scientifici non preclude la preoccupazione per la bellezza e l'arte dell'immagine e della forma". L'architettura e l'ingegneria occupano entrambe lo stesso continuum: la matematica può essere bella e le forme possono essere utili".
Una volta stabilitosi in questa nuova posizione, Giorgini riprese il suo lavoro artistico, combinando la sua esperienza tecnica con i computer derivante dalla sua formazione ingegneristica con il suo background nelle arti visive, diventando così uno dei primi artisti informatici.
La sua pionieristica computer art è stata generata sul computer mainframe della Purdue University (CDC) e stampata su grandi fogli di Mylar con stampanti Calcomp. Giorgini avrebbe poi inchiostrato a mano le opere d'arte per completare i lavori che ha definito esempi di "arte assistita dal computer".
Questa lettera di domande e risposte scritta dallo stesso Giorgini fornisce interessanti informazioni sulla sua vita, sulla sua metodologia artistica e sul suo senso dell'umorismo:
Caro editore,
Spero che accettiate il mio articolo in forma di lettera. Penso che questo strumento mi permetterà di avere una mano più libera rispetto a un normale articolo e, forse, di avvicinarmi maggiormente alle domande che avete espresso nel vostro invito a scrivere.
Il mio background artistico è forse un po' insolito rispetto alla media degli artisti americani. All'età di dieci anni mi fu chiesto di fare da apprendista a Carlo Ingeneri, un pittore e scultore ormai noto di Decamere, in Eritrea, che per guadagnarsi da vivere insegnava disegno a mano libera nella scuola che frequentavo. All'inizio i miei genitori pagavano una quota, che poi è stata annullata quando il mio lavoro nel negozio valeva le istruzioni che ricevevo dall'artista. Finita la Seconda Guerra Mondiale, nel 1949 la mia famiglia si trasferì nuovamente in Italia, dove si ripeté la stessa circostanza. L'istruttore di disegno a mano libera del Liceo Scientifico che frequentavo a Voghera mi chiese di diventare il suo apprendista. Ambrogio Casati (questo è il suo nome) è un pittore e scultore che ha lavorato in diversi media e ha prodotto opere straordinarie che oggi sono molto richieste. An He è stato uno dei pochi futuristi sopravvissuti alla condanna ideologica del fascismo e ha sviluppato un forte stile personale che ricorda sia gli impressionisti (per l'uso sottile della luce) che i futuristi (per la particolare atmosfera dei suoi quadri).
Nonostante la mia dedizione (trascorrevo in media tre ore al giorno in studio) e il mio successo nel gestire i media, non ho mai preso in seria considerazione un futuro nell'arte. L'ambiente dei miei anni formativi (un misto di influenza materna e paterna) aveva condizionato il mio ordine di valori di realizzazione più o meno nel seguente ordine: Santo? Artista? Scienziato? Eroe? Costruttore? Politico e/o finanziatore. Una valutazione realistica dei miei talenti e il condizionamento schiacciante della gerarchia di cui sopra mi hanno fatto scegliere l'ingegneria come carriera.
Da quando sono entrata all'università ho prodotto solo occasionalmente qualche opera d'arte, ma l'interesse sopito si è risvegliato quattro anni fa, quando ho iniziato a sviluppare una tecnica umida con smalti e acrilici che ha richiesto letteralmente due anni per essere controllata. Le opere realizzate con questa tecnica sono caratterizzate da fantastiche forme organiche che, secondo le parole di Mario Contini, critico d'arte di Eco D'Arte, Firenze, Italia, sono "caratteristicamente ben equilibrate, raffinate e stimolanti a livello visivo-interpretativo". Sollecitando... masse piene di significati emergono dallo sfondo e si presentano come dati archetipici introduttivi e come immagini emblematiche, sia per un libero godimento fantastico che per una fruizione esclusivamente estetica, ad libitum". Di tanto in tanto lavoro ancora con questa tecnica, poiché ritengo che sia ricca di possibilità per le esperienze visive, anche se trascorro la maggior parte del mio tempo libero da attività professionali in direzione delle visualizzazioni al computer.
Come si può sospettare, ho iniziato a usare il computer come strumento scientifico. Negli anni 1966-67, mentre ero Postdoctoral Fellow presso il National Center for Atmospheric Research, ho lavorato sulla simulazione numerica della turbolenza. La ricerca era molto impegnativa a livello di visualizzazione e, pertanto, ho iniziato a giocare con le strutture di output per ottenere la migliore rappresentazione grafica dei risultati della mia ricerca. Ho realizzato alcuni filmati generati al computer con la struttura CRT-microfilm dell'NCAR e nel tempo di attesa tra un'uscita e l'altra ho realizzato alcune sequenze di natura didattica sull'Analisi di Fourier. Una volta alla Purdue, avevo alcuni studenti laureati nello stesso campo e ho iniziato a "giocare" con alcuni dei disegni fatti al computer come illustrazione delle ricerche fatte. Da qui all'uso mirato del computer come strumento artistico il passo è stato molto breve.
Essendo questa l'origine dei miei sforzi informatici nell'arte, non dovrebbe essere sorprendente scoprire che il modo in cui utilizzo il computer nelle attività scientifiche ha influenzato il mio pensiero sul suo utilizzo per la produzione artistica. Nella ricerca fluidomeccanica al computer, la preparazione dei programmi e delle subroutine è sempre stata per me analoga alla progettazione delle strutture di laboratorio e degli strumenti per la ricerca fisico-sperimentale. Ho definito l'insieme dei programmi e delle routine un "laboratorio numerico" per gli "esperimenti" numerici nella meccanica dei fluidi. Sicuramente il tempo dedicato alla progettazione delle strutture e degli strumenti (programmi e subroutine) è di fondamentale importanza e a volte è necessario andare oltre la progettazione convenzionale per ottenere una vera e propria invenzione di strumenti e parti di strutture. Per quanto questa parte del design sia "inebriante", ho sempre cercato di non perdere di vista l'obiettivo della ricerca: gli esperimenti di fluidomeccanica. Lo stesso atteggiamento l'ho dedicato agli "esperimenti visivi al computer". Ho progettato e inventato programmi e subroutine, non per se stessi ma come componenti del "laboratorio numerico" per gli "esperimenti visivi". Puoi notare che questo atteggiamento è lo stesso che era implicito nella mia menzione dello chastique. In altre parole, a mio avviso, i programmi e le subroutine sono la parte eliminabile del processo artistico al computer.
Le stampe che ti invio sono state tutte realizzate utilizzando i disegni generati con il programma FIELDS, sviluppato da me con l'aiuto del Dott. Chen. Questi disegni (e altri non illustrati qui) sono il motivo per cui è stato realizzato il programma. Altre persone possono utilizzare questo programma, se lo desiderano (è stato pubblicato nella sua interezza con le spiegazioni per il suo utilizzo), ma bisogna rendersi conto che il "laboratorio numerico visivo" chiamato FIELDS, come qualsiasi altro programma, è molto meno di uno strumento: è letteralmente un "programma" con un gran numero di gradi di libertà per l'utente, ma con un numero ancora maggiore di gradi di libertà "congelati" dal progettista. L'utente deve rendersi conto che qualunque sia l'output prodotto dal programma, esso rifletterà più i vincoli creativi del progettista del programma che quelli dell'utente. L'utente deve piegarsi, conformarsi a una visione molto generale dei fenomeni visivi ed è destinato a produrre, nel migliore dei casi, un prodotto originale sullo "stile" del programma, nel peggiore una variazione o un'imitazione di uno degli output esistenti.
La parola stile è stata usata qui con una connotazione intenzionalmente critica: l'uso di un programma garantirà lo sviluppo di uno "stile" (che alcuni critici potrebbero ritenere più ampio degli stili tipo slogan che alcuni artisti tradizionali sviluppano con l'unico scopo non apparente di distinguersi dalla massa). A mio avviso, si tratta di un modo economico per arrivare da qualche parte con il minimo sforzo. È vero che lo sviluppo di un laboratorio numerico per gli esperimenti visivi è giustificato dalla diversità degli esperimenti che possono essere eseguiti (in altre parole: che un giorno di creazione sia seguito da sei giorni di contemplazione riposante e compiacente). Ma, a mio avviso, questi esperimenti dovrebbero esplorare la regione delimitata dai gradi di libertà del programma e non descrivere nel dettaglio le minime variazioni che portano da un "originale" all'altro. Se si procede in quest'ultima direzione, è garantito che una vita di produzione artistica stilisticamente coerente seguirà l'unico giorno della creazione.
Con quanto sopra, caro direttore, ritengo di aver risposto implicitamente a molte delle domande che mi hai posto. Ora risponderò esplicitamente ad altri.
"Hai già in mente un'immagine finale quando inizi il tuo lavoro?".
Credo che questa domanda fondamentale debba interessare più il comportamentista che il critico d'arte o l'artista stesso. Ma la domanda viene posta in continuazione a qualsiasi artista. An He è quindi costretta a seguire la direzione
di introspezione di se stesso per scoprire il suo modus operandi!
di riportare i risultati finali.
Mentre la fase introspettiva può avere un'influenza positiva sul comportamento cosciente dell'artista, la fase esplicativa può avere effetti deleteri, poiché può produrre cliché che mirano più a stupire che a raccontare. (A proposito, hai visto il recente documentario televisivo dal titolo "Hello Dali"? Il suo Apparato teatrale è solo una gabbia dorata autoprodotta per l'uccello morto che un meccanismo miracoloso fornisce con un movimento prevedibile e una melodia deja vu?)
Come modello eccessivamente semplificato del modus operandi di un artista offro, in modo semi-facetico, il seguente continuum tra i due estremi CeMO e MeMO.
CeMO (Modus Operand puramente Cerebrale!)- L'artista cogitat, ergo est. Le immagini visive sono interamente manipolate... pardon... mentipulate dalla mente dell'artista e il risultato di questo processo viene trasferito, tramite qualsiasi meccanismo conveniente (la mano dell'artista, un apprendista, un'impresa di costruzioni, un computer...), nella volgare sostanza materiale (ciao Platone!).
MeMO (Memoriless Modus Operandi) - L'artista può reagire solo a ciò che vede davanti ai suoi occhi, senza alcuna capacità di mentificare le immagini visive. I gesti che ne derivano (si spera intenzionali) modificano il soggetto dei suoi stimoli visivi.
Penso che sia gli artisti convenzionali che i computer artist si possano trovare lungo l'intero continuum, anche se i computer artist (non interattivi) potrebbero trovarsi più vicini al CeMO che al MeMO. Nel mio caso specifico, quando opero in modalità computer, tendo a prefabbricare completamente le immagini mentalmente e poi a renderizzarle al computer. La complessità di alcuni dei miei disegni (vedi Comunicazione turbolenta) di solito crea qualche dubbio su questa affermazione, poiché si tratta di elaborazioni molto mediate sui modelli moiré. Tuttavia, non è difficile accettare il fatto che un numero relativamente elevato di esperimenti condotti sugli effetti visivi dei motivi moiré può fornire una familiarità piuttosto intima con gli ingredienti per la loro progettazione.
"Il tuo lavoro potrebbe essere svolto senza l'ausilio del computer?".
Yes, in un modo analogo a quello di scolpire il marmo con una spugna. Dato che tutte le istruzioni FORTRAN possono essere eseguite con altre tecniche, non c'è dubbio che si possano eseguire le stesse calcolando e disegnando a mano su un piano cartesiano. La differenza tra i due approcci sta semplicemente nella quantità di tempo necessaria per l'esecuzione del pezzo. Il vincolo del tempo è di fondamentale importanza in tutte le imprese e qui stiamo parlando di rapporti di tempo che si avvicinano ad alcuni ordini di grandezza. La domanda, tuttavia, è suscettibile di un'altra interpretazione, più immediata nella seguente formulazione: "Il tuo lavoro con il computer influenza la direzione dei tuoi risultati?". Questa domanda è in relazione con l'altra: "I tuoi lavori al computer sono collegati a quelli non informatici?".
Sono fermamente convinto che uno stesso artista che utilizza due processi completamente diversi otterrà due serie di risultati che sono completamente diversi a livello puramente visivo. L'unico collegamento tra le due serie di output è costituito dal trattamento estetico-formale del materiale visivo e, se presente, dal substrato motivazionale dell'attività dell'artista ("cosa spinge l'artista a farlo").
Poiché lo scopo di questa raccolta di articoli è quello di presentare alcune opinioni personali sulla (computer) art, dedicherò il resto di questa lettera, caro Editore, all'esemplificazione dei concetti sopra esposti con il caso particolare delle mie opere.
Il substrato motivazionale della mia attività artistica è costituito dal fascino che le forme naturali hanno sempre esercitato su di me: dalle forme organiche estremamente complesse e ricche di attributi vitali alle forme geometriche delle formazioni cristalline e alle forme dei campi invisibili che ci circondano. La mia proiezione mentale degli elementi visivi che "descrivono" le forme naturali è costituita non dalla loro "sostanza", dal loro essere oggetti, ma dalle superfici che delimitano tali forme. In altre parole, non sono interessato a singoli oggetti riconoscibili, ma a forme riconoscibili, siano esse organiche, geometriche rettilinee o geometriche libere.
Da ciò consegue che la selezione dei processi per la resa di tali forme sarà condizionata dalle forme stesse. Inoltre, le capacità intrinseche del processo si concentreranno solo sulla tipologia di forme descrivibili dal processo.
Concludo la mia lettera, caro editore, con la menzione della mia prima mostra personale. La mostra esponeva lavori al computer e non. I lavori realizzati al computer presentavano forme geometriche in bianco e nero, mentre i lavori non realizzati al computer presentavano forme organiche multicolore. Contrasti evidenti. Ma a me l'osservazione "Sembrano le opere di due artisti diversi" è sembrata originale e divertente. L'elemento schizoide è solo superficiale (come quello tra l'artista e lo scienziato). Il "motore" è uno, così come il suo apparato creativo formale.
I miei migliori saluti,
Aldo Giorgini
West Lafayette, Indiana
Settembre 1975
"Nei miei disegni assistiti dal computer cerco di creare o di svelare le illusioni ottiche completando, con il mio intervento, ciò che la macchina riesce a fare meglio".
-Aldo Giorgini
"Essere tecnici e scientifici non esclude l'interesse per la bellezza e l'arte dell'immagine e della forma. L'architettura e l'ingegneria occupano entrambe lo stesso continuum: la matematica può essere bella e le forme possono essere utili".
-Aldo Giorgini.
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- Creatore:Aldo Giorgini (Artista)
- Dimensioni:Altezza: 102,24 cm (40,25 in)Larghezza: 81,92 cm (32,25 in)Profondità: 3,81 cm (1,5 in)
- Stile:Mid-Century moderno (Del periodo)
- Luogo di origine:
- Periodo:
- Data di produzione:1975
- Condizioni:La stampa e la cornice sono in ottime condizioni, c'è un piccolo graffio sul plexiglass nell'angolo superiore destro (non copre l'immagine).
- Località del venditore:Lafayette, IN
- Numero di riferimento:1stDibs: LU268038191983
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