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David Hare"Cronus Dining" David Hare, composizione mitologica surrealista in bianco e giallo
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David Hare
Crono Pranzo, 1968
Grafite, acrilico, collage di carta su tavola
44 x 34 pollici
"La libertà è ciò che vogliamo", dichiarò David Hare nel 1965, ma poi aggiunse: "e ciò di cui abbiamo più paura". Nessuno potrebbe accusare David Hare di possedere una tale paura. Senza curarsi dei giudizi dei critici, Hare ha attraversato la maggior parte dei principali sviluppi artistici della metà del XX secolo negli Stati Uniti. Cambiò più volte medium; proprio quando la sua fama di scultore aveva raggiunto l'apogeo, intorno al 1960, passò alla pittura. Tuttavia, rimase legato al surrealismo anche dopo che questo era caduto in disgrazia. "Non posso cambiare quello che faccio per adattarmi a ciò che mi renderebbe popolare", ha detto. "Non per motivi morali, ma solo perché non posso farlo; non mi interessa".
Hare nacque a New York nel 1917; la sua famiglia era ricca e aveva familiarità con il mondo dell'arte moderna. Suo padre, Meredith (1870-1932), era un importante avvocato aziendale. Sua madre, Elizabeth Sage Goodwin (1878-1948), era una collezionista d'arte, finanziatrice dell'Armory Show del 1913 e amica di artisti come Constantin Brancusi, Walt Kuhn e Marcel Duchamp.
Negli anni '20, l'intera famiglia si trasferì a Santa Fe, nel Nuovo Messico, e successivamente a Colorado Springs, nella speranza che il cambiamento di altitudine e di clima potesse aiutare a guarire dalla tubercolosi di Meredith. A Colorado Springs, Elizabeth fondò la Fountain Valley School dove David frequentò la scuola superiore dopo la morte del padre nel 1932. Negli Stati Uniti occidentali, Hare sviluppò un fascino per le bambole kachina e altri aspetti della cultura dei nativi americani che sarebbero diventati una fonte di ispirazione ricorrente nella sua carriera.
Dopo la scuola superiore, Hare frequentò brevemente il Bard College (1936-37) ad Annandale-on-Hudson. Non sapendo più cosa fare, sfruttò i contatti della madre per aprire uno studio fotografico commerciale e iniziò a dilettarsi con la fotografia a colori, all'epoca ancora una rarità [il Kodachrome fu introdotto nel 1935]. All'età di 22 anni, Hare tenne la sua prima mostra personale alla Walker Gallery di New York; le sue 30 fotografie a colori includevano una del Presidente Franklin Roosevelt.
Come fotografo, An He sperimentò una tecnica automatica chiamata "heatage" (o "negativi fusi") in cui riscaldava il negativo per distorcere l'immagine. Hare li ha descritti come "antagonismi della materia". I prodotti finali erano solitamente astrazioni tendenti al surrealismo e simili ai processi utilizzati da Man Ray, Raoul Ubac e Wolfgang Paalen.
Nel 1940, He si trasferì a Roxbury, CT, dove fraternizzò con artisti vicini come Alexander Calder e Arshile Gorky, oltre a Yves Tanguy, sposato con la cugina di Hare, Kay's, e al mercante d'arte Julian Levi. Nello stesso anno, Hare ricevette un incarico dal Museo Americano di Storia Naturale per documentare gli indiani Pueblo. Si recò a Santa Fe e, per diversi mesi, scattò fotografie di ritratti dei membri delle tribù Hopi, Navajo e Zuni che furono pubblicate in un libro nel 1941.
La Seconda Guerra Mondiale sconvolse la vita di Hare. Divenne un tramite per lo scambio di idee artistiche e intellettuali tra gli artisti statunitensi e gli emigrati surrealisti in fuga dall'Europa. Nel 1942, Hare fece amicizia con Andre Breton, il principale teorico del surrealismo. Quando Breton volle pubblicare una rivista per promuovere il movimento negli Stati Uniti, non poté ricoprire il ruolo di editore perché di nazionalità straniera. Breton scelse invece Hare per curare la rivista, intitolata VVV [abbreviazione di "Victory, Victory, Victory"], che fu pubblicata per quattro numeri (il secondo e il terzo furono stampati in un unico volume) dal giugno 1942 al febbraio 1944. Ogni edizione di VVV si concentrava su "poesia, arti plastiche, antropologia, sociologia e psicologia" ed era ampiamente illustrata da artisti surrealisti come Giorgio De Chirico, Roberto Matta e Yves Tanguy; Max Ernst e Marcel Duchamp erano consulenti editoriali.
Su suggerimento di Jacqueline Lamba, moglie di Andre Breton (che presto divorzierà da Breton e sposerà Hare nel 1946), Hare si dedica alla scultura. Le sue prime sculture si ispiravano ad Alexander Calder e venivano realizzate utilizzando telai in filo di ferro che ricopriva con argilla o gesso. In molti casi, Hare combinava forme umane, animali e meccaniche per creare particolari creature ibride. Le sue composizioni simbolicamente complesse di forme astratte lo resero rapidamente uno degli scultori più famosi della sua generazione. Ha esposto presso importanti gallerie d'arte moderna come la Julian Levi's Gallery, la Peggy Guggenheim's Art of this Century, la Samuel Kootz Gallery e la Galerie Maeght di Parigi. Peggy Guggenheim lo ha definito "il miglior scultore dopo Giacometti, Calle e Moore". Una recensione del New Yorker del 1951 elogiava Hare come "uno dei moderni che rifiutano di accettare i limiti tradizionali della scultura".
Alla fine della Seconda Guerra Mondiale, la maggior parte dei surrealisti esiliati tornò a Parigi e cercò senza successo di far rivivere il movimento in Europa. Negli anni successivi alla guerra, Hare si spostò spesso tra New York e Parigi e continuò a frequentare artisti e pensatori influenti come Arshile Gorky, Jean-Paul Sartre, Balthus, Isamu Noguchi, Mark Rothko e Pablo Picasso.
Nel frattempo, Hare si unì a Barnett Newman, William Roberts, Mark Rothko e Robert Motherwell per fondare la Subjects of the Artist School al 35 East 8th Street nell'ottobre del 1948. La scuola, che ebbe vita breve, sperava di promuovere l'arte d'avanguardia attraverso lezioni di artisti come Jean Arp, John Cage e Ad Reinhardt, ma la scuola fallì finanziariamente e chiuse nel 1949.
Nonostante il fallimento della scuola, Hare acquisì una reputazione internazionale come membro della generazione di artisti degli anni '50 nota come New York School. Le sculture di Hare del periodo di massimo splendore dell'espressionismo astratto avevano un'attenzione diversa rispetto alle sue opere della fine degli anni '40. L'acciaio e il bronzo divennero i suoi materiali preferiti e iniziò a combinare oggetti metallici in disuso come vecchie pale, sezioni di tubi e attrezzi arrugginiti in forme fantasiose che sembravano nascere da sogni e ricordi. Con aste d'acciaio, disegnava albe e tramonti ambigui nell'aria, catturando i cicli del giorno in opere conosciute come "paesaggi celesti". Tuttavia, anche in questo periodo, rifiutò di farsi incantare dall'astrazione assoluta. "Preferisco il figurativo", disse nel 1968, "perché sono più interessato all'arte come complemento della vita che come cosa a sé stante". An He credeva costantemente che l'arte dovesse avere una qualche relazione con il mondo fisico.
All'inizio degli anni '60, all'apice della sua fama come scultore, il sempre irrequieto Hare compì l'insolito passo di passare alla pittura. "Non è che abbia perso interesse per la scultura", disse in seguito, "ma mi ero stancato di essere limitato a un oggetto". Gli aspetti di saldatura e fusione della scultura, che richiedono molto tempo, lo frustravano. "Ci sono cose", ha detto, "che non si possono assolutamente esprimere in tre dimensioni". La pittura era un mezzo molto più rapido e adatto a seguire il flusso costante delle idee di Hare.
La scelta dei soggetti di Hare per i suoi dipinti era sorprendente. Negli anni '60 e '70, dipinse spesso il tipo di soggetti mitologici e leggendari - come Leda e il Cigno - che interessavano i surrealisti perché sembravano fornire una finestra sulla coscienza universale. Mantenne questi interessi per più di 15 anni, anche quando gran parte del mondo dell'arte aveva preso altre direzioni e il surrealismo veniva liquidato come arte figurativa elitaria e superata, permeata di narrazioni "letterarie".
Hare era particolarmente affascinato dal mito greco di Crono, il Titano che castrò e detronizzò suo padre, Urano. A Crono fu anche detto che uno dei suoi figli lo avrebbe ucciso, così cercò di mangiarli tutti. Tuttavia, Zeus fuggì, crebbe e alla fine rovesciò Crono e lo imprigionò.
Hare ha ammesso: "Naturalmente mi prendo le mie libertà con questo mito". In seguito disse che il mito era semplicemente "un punto di partenza... un simbolo di crescita nel tempo". Per quasi un decennio, An He è stato ossessionato da Crono, che ha descritto come "parte uomo, parte terra, parte tempo". Il culmine di questo lavoro fu una mostra personale al Guggenheim Museum nel 1977, composta da 18 dipinti (molti su larga scala), 10 disegni e 5 sculture che evocavano Crono.
Dopo la mostra al Guggenheim, Hare si ritirò dall'attenzione del pubblico. Ha lasciato il suo studio di New York e ha trascorso molto tempo in Idaho, dove si è trasferito definitivamente nel 1986. Continuò a dipingere e a creare sculture fino alla sua morte, avvenuta nel 1992 a Jackson Hole, nel Wyoming, dopo un'operazione d'emergenza per un aneurisma aortico.
David Hare è stato uno sperimentatore, un ricercatore e un giocatore che ha corso dei rischi con un'immaginazione eclettica e irrequieta. Sebbene abbia lavorato con diversi mezzi, nel XXI secolo è conosciuto soprattutto per le sue sculture astratte in metallo saldato. Ad esempio, nel 2020, la sua scultura "Figure in the Windows" [1955] è stata venduta all'asta per 75.000 dollari. I suoi dipinti, tuttavia, rimangono poco apprezzati e sembrano maturi per essere rivalutati.
- Creatore:David Hare (1917-1992, Americano)
- Dimensioni:Altezza: 111,76 cm (44 in)Larghezza: 86,36 cm (34 in)
- Più edizioni e dimensioni:UniquePrezzo: 34.755 €
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Cornice:Opzioni disponibili per la cornice
- Condizioni:
- Località della galleria:New York, NY
- Numero di riferimento:1stDibs: LU1841214419192
David Hare
David Hare, scultore e fotografo surrealista ed espressionista astratto, è nato a New York il 10 marzo 1917. Nel 1936-37 studiò biologia e chimica al Bard College di Annandale-on-Hudson, New York. Hare non aveva una formazione artistica formale ma iniziò a sperimentare. Si avvicinò alla fotografia negli anni '30 e alla fine del decennio lavorava a colori. La Walker Galleries di New York espose le sue fotografie nel 1939. Dal 1941 al 1944, Hare fondò e diresse la rivista surrealista VVV con André Breton, Marcel Duchamp e Max Ernst. Peggy Guggenheim presentò mostre personali delle opere di Hare nella sua The Art of This Century Gallery nel periodo 1944-47. Nel 1948 fu membro fondatore, insieme a William Baziotes, Robert Motherwell e Mark Rothko, della scuola The Subjects of the Artist di New York e Paul A. Williams strinse amicizia con Jean-Paul Sarte. Hare morì il 21 dicembre 1992 a Jackson.
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Fa parte degli Espressionisti Astratti della Scuola di New York. Riconosciuto in tutto il mondo come il principale movimento artistico del secondo dopoguerra. Ha esposto con Jackson Pollock, Willem de Kooning e Franz Kline.
1921
nato a Philadelphia
1934 - 38
Club del disegno grafico
1938 - 40
Scuola d'arte del Philadelphia Museum
1940 - 41
Accademia di Belle Arti della Pennsylvania
1942 - 45
Corrispondente di guerra della Seconda Guerra Mondiale - Artista, rivista Yank
1946 - 47
Art Students League, Will Barnett
1947- 48
Accademia di Hans Hofmann
1960-1979
Istruttore presso: Università della California, Berkeley, CA; Università di Princeton, Princeton, NJ; New York University, New York, NY; Columbia University, New York, NY; Brooklyn College, New York, NY; Temple University, Roma, Italia.
2017
deceduto
Collezioni:
Collezione Ciba-Geigy
Chase Manhattan Bank
Istituto d'Arte di Chicago
Museo d'arte Corcoran, Washington
Collezione Eugene V. Thaw
Collezione Max Kozloff
Società storica del Montana, Montana
Università di New York
Museo d'arte di Norfolk
Collezione Robert The Rosenblum
Collezione Sarah Lawrence
Collezione Union Carbide
Museo dell'Università della California
Università del Massachusetts
Università del Montana
Collezione Walter P. Chrysler
Walker Art Center, Minneapolis
Museo Whitney, New York
Centro d'arte di Yellowstone, Montana
Mostre:
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1980
Galleria Landmark, New York Galleries
1978
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1977
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1974
Bertha Schaefer, New York City
1973
Bertha Schaefer, New York City
1971
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2018
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Inizio anni 2000, Espressionismo astratto, Dipinti astratti
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Tela, Acrilico
