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Krzysztof Gliszczyński
Caput Mortuum - Pittura ad olio concettuale ad encausto, polvere di marmo su tela XXL
1997

Name: Caput Mortuum - Pittura ad olio concettuale ad encausto, polvere di marmo su tela XXL
Brand: Krzysztof Gliszczyński
Price: 18546.81 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (29 reviews)

Informazioni sull’articolo

Dimensioni complessive: Altezza 200cm x Larghezza 300cm ( Il dipinto è composto da 2 parti, una parte: 200x150cm ) Dimensioni complessive: Altezza 78,7402 pollici x Larghezza 118,11 pollici (il quadro è composto da 2 parti, una parte: 78,7402 x 59,0551) "Caput Mortuum" dalla serie La mitologia del rosso, 1997 Krzysztof Gliszczyński, Olio, encausto, pigmenti, polvere di marmo su tela, 200 x 300 cm (due parti, una parte 200x150cm) Krzysztof Gliszczyński è professore di pittura all'Academy of Fine Arts di Danzica. Krzysztof Gliszczyński è nato a Miastko nel 1962. Si è laureata all'Accademia di Belle Arti di Danzica nel 1987 nello studio del Prof. Kazimierz Ostrowski. Tra il 1995 e il 2002 è stato fondatore e co-gestore della Galleria Koło di Danzica. Iniziatore del Premio Kazimierz Ostrowski, conferito dall'Unione degli Artisti e Designer Polacchi (ZPAP), Capitolo di Danzica. Preside della Facoltà di Pittura dell'Academy Arts di Danzica negli anni 2008-2012. Vice Rettore per lo sviluppo e la cooperazione dell'Academy Arts di Danzica negli anni 2012-2016. Ha ottenuto una cattedra nel 2011. Attualmente dirige il Terzo Studio di Pittura della Facoltà di Pittura dell'Academy Arts di Danzica. Ha partecipato ad alcune decine di mostre in Polonia e all'estero. Ha ricevuto innumerevoli premi e riconoscimenti per il suo lavoro artistico. È attivo nel campo della pittura, del disegno, degli oggetti e del video. Dichiarazione dell'artista: Negli anni '90 ho iniziato a raccogliere scaglie di vernice, avanzi del mio lavoro. Quelli freschi li metterei in casseri di legno, quelli secchi in contenitori di vetro. Costituiscono strati di indagini sul campo della pittura, racchiusi in cuboidi datati e numerati di 47 × 10,5 × 10,5 cm. Ho chiamato quegli oggetti Urns. Nel 2016 li ho esposti in una mostra, modellando un unico oggetto con tutte le urne. Le Urne mi hanno ispirato a ridefinire lo status del mio lavoro di pittore. Per farlo, mi sono cimentata nell'arduo compito di posizionare gli strati di pittura non in un'urna, ma su una tela, premendo con il pollice su ogni singolo pezzo di pittura fresca. Nel ciclo di dipinti Autoportret a'retour, la materia è stata trasferita da un quadro all'altro, espandendo l'area di ogni quadro successivo. Insieme, i pezzi, i residui di pittura, mantenevano viva la memoria delle opere precedenti. Si trattava di una fase di atomizzazione della materia pittorica e della sua alienazione dai concetti e dalle relazioni estetiche tradizionali. Così è nato il ciclo di dipinti sinergici, come li ho chiamati, guidato dalla sensazione evocata in me dalle scaglie di pittura che si intensificano reciprocamente. Il risultato estetico finale della raffinazione della materia digerita era una conseguenza dell'automatismo del processo di stratificazione, pressione del pollice e raschiamento. Proprio come in uno scavo archeologico, si cerca di unire e recuperare ciò che è andato perduto. Questo concetto d'avanguardia consiste nel trasferire nell'area della pittura la materia, virtualmente degradata e non appartenente al regno dell'arte. Eppure la materia vi rientra, acquisendo un nuovo significato. La materia che ho creato, accumulandosi come lava, è diventata la mia nuova tecnica. L'ho chiamata perpetuum pictura - pittura auto-perpetuata. I concetti alchemici mi hanno permesso di identificare il processo inerente alla materia emergente, per darle una direzione e un significato. In un certo senso, ho creato la materia che mi introduceva nel mondo pre-simbolico - un mondo prima della forma, senza nome. Da questo magma pittorico nacquero idee, si manifestarono nuovamente le vecchie teorie del colore e il contorto problema della quadratura del cerchio. Proprio come la luce rifratta dal cristallo di Harriot nel 1605, ho cercato di spezzare il colore nel dipinto Iosis. I dipinti stavano diventando sintomi, come nell'opera Pulp fiction, che all'epoca era un gesto di totale frammentazione della materia e di superamento dei suoi confini, il mio dialogo con le opere di Jackson Pollock e la libertà portata dalla sua arte. Il dipinto Geometrica de physiologiam pictura contiene un diagramma in cui inserisco quattro colori che costituiscono un'introduzione alla protopsicologia, alla trasmutazione alchemica e all'antica teoria del colore. In questo lavoro sono riuscito a presentare l'identificazione dell'essenza della fisiologia umana con l'arte. Ma l'aspetto essenziale delle mie considerazioni nei miei dipinti più recenti è l'analisi dell'astrazione, lo studio del suo significato per il linguaggio contemporaneo dell'arte e la ricerca delle possibilità di creare un nuovo messaggio. Per me l'astrazione non è fine a se stessa, ma è una risposta alle aspettative ampiamente prevedibili degli spettatori. Studiare il confine tra visibilità e invisibilità, come nell'opera Unsichtbar, significa interrogarsi sullo stato delle possibilità del linguaggio dell'astrazione. Il momento di fluidità che riesco a raggiungere deriva dalla materia, che contiene solo un ricordo delle opere precedenti, eppure diventa il motivo per cercare un equilibrio tra gli strati più profondi della psiche, che non sono mai statici, ma sempre soggetti a cambiamenti. Il suo contrappeso è la geometria, che rappresenta la razionalità e ha la capacità di organizzare e definire la forma artistica, come nell'opera Memory. Tornando alle opere di El Greco e al suo dipinto Toledo, ho potuto studiare ancora una volta la forza dell'idea della luce, che ha dato forma al dipinto e all'atmosfera apocalittica in esso contenuta. El Greco, riscoperto da Paul Cézanne, ha dato un enorme contributo alla creazione delle basi della pittura moderna. L'idea di El Greco mi ha ispirato a dipingere Toledo. Nell'opera Anamnesis affronto l'idea della memoria e del suo opposto, l'oblio, che nel processo creativo permette di decostruire la razionalità della memoria. History of the Painter di Borowy Młyn è un'installazione che parla del processo di pittura, dell'atto della creazione e fa riferimento alla storia di mio padre, un imbianchino, e alle sue esperienze traumatiche dopo essere stato separato dalla sua famiglia dai nazisti nel 1944. Arrotolare rotoli da strisce di tele è diventato un atto simbolico di medicazione di una ferita. Le pergamene venivano arrotolate su un telaio di metallo fino al momento in cui il peso diventava eccessivo da sopportare.

Creatore:
Krzysztof Gliszczyński (1962, Polacco)
Anno di creazione:
1997
Dimensioni:
Altezza: 200 cm (78,75 in)Larghezza: 150 cm (59,06 in)Profondità: 3 cm (1,19 in)
Tecnica:
Tela,Marmo,Encaustico,Olio,Pigmento
Movimento e stile:
Concettualismo
Periodo:
1990-1999
Condizioni:
Località della galleria:
Salzburg, AT
Numero di riferimento:
1stDibs: LU103538381312

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