Ralph Rosenborg (americano, 1913-1992) Mountain Weed with Two Clouds (Erba di montagna con due nuvole), olio su tela di iuta, tela firmata a mano in recto e in verso, etichetta dell'artista ed etichetta della galleria Snyder Fine Art. Il dipinto è datato 1965.
Dimensioni: Tela 24 x 36, con cornice 44,5 x 32,5.
Ralph Rosenborg (1913-1992) è stato un artista americano i cui dipinti sono stati descritti come espressionisti e astratti e che è stato un collega degli Espressionisti Astratti di New York negli anni Quaranta e Cinquanta. A differenza di loro, però, preferiva realizzare opere di piccole dimensioni e tendeva ad attingere esplicitamente a forme e figure naturali per i suoi soggetti astratti. Definito un "artista molto personale", sviluppò uno stile unico considerato mistico e magico. La sua carriera è stata eccezionalmente lunga, coprendo più di 50 anni.
Rosenborg è nato a Brooklyn, New York, il 9 giugno 1913. Nel 1929, mentre era studente al liceo, iniziò a lavorare con la designer, artista e istruttrice Henriette Reiss. Quando Rosenborg la incontrò, I. Reiss stava lavorando come istruttrice per la School Art League presso l'American Museum of Natural History. In seguito si è occupata di istruire sia gli studenti che i loro insegnanti nel sistema scolastico cittadino con un metodo che ha chiamato Rhythmic Design. Credeva che l'ispirazione per i disegni astratti potesse essere trovata nei ritmi, ritmi che potevano essere percepiti nelle percezioni ordinarie come quando si ascolta la musica. Nel maggio del 1930 I. Reiss selezionò un disegno di Rosenborg da esporre in una mostra di design creativo degli studenti delle scuole superiori della città. Dal 1930 al 1933, tra i 17 e i 20 anni, Rosenborg studiò con I. Reiss in quello che Vivien Raynor del New York Times definì un rapporto "allievo-apprendista". Durante questo periodo lo istruì nell'apprezzamento della musica, nella letteratura e nella storia dell'arte, oltre a impartirgli una formazione tecnica in campo artistico.
Nell'aprile del 1934 Rosenborg fu uno dei 1.500 artisti che parteciparono alla mostra annuale Salons of America, che si tenne quell'anno al Rockefeller Center RCA Building. Ognuno pagava due dollari per il privilegio di appendere fino a tre opere e nessuna veniva messa in primo piano rispetto alle altre. Il New York Times ha riportato che alla chiusura dello spettacolo, un mese dopo, circa 30.000 persone lo avevano visto. L'anno successivo gli fu dedicata una mostra personale (la sua prima) presso la Lounge Gallery dell'Eighth Street Playhouse. L'anno successivo partecipò a una mostra collettiva organizzata dal Comitato Comunale d'Arte e nel 1937 ebbe una seconda mostra personale, questa volta nella Galleria degli Artisti. In quell'anno divenne anche membro fondatore e partecipò a una mostra collettiva dell'American Art Group, un'associazione di artisti che mirava a promuovere l'arte astratta e gli artisti di New York. Tra i suoi fondatori c'erano Josef Albers, Ilya Bolotowsky, Werner Drewes, Ibram Lassaw, Mercedes Matter, Louis Schanker, Vaclav Vytlacil e Rudolph Weisenborn.
Più o meno nello stesso periodo Rosenborg si associò ad un gruppo di astrattisti che si faceva chiamare "I Dieci" (comprendeva Ben-Zion, Mark Rothko, Adolph Gottlieb e Joe Solman) e nel maggio del 1938 si unì agli altri membri in quella che sarebbe stata la sua prima apparizione in una galleria commerciale: la Galleria Georgette Passedoit. Nel 1938 le sue opere apparvero in una mostra collettiva alla Lounge Gallery, nel 1939 in mostre collettive alla Artists Gallery e alla Bonestell Gallery con David Burliuk, Earl Kerkam, Karl Knaths e Jean Liberte e nel 1940 in un'altra mostra collettiva all'American Fine Arts Building.
Rosenborg non ha mai avuto un rapporto esclusivo a lungo termine con una galleria commerciale. Nel corso della sua carriera i suoi lavori sono apparsi in mostre collettive e personali in un'ampia varietà di gallerie e musei sia a New York che negli altri Stati Uniti. Ne sono un esempio la Phillips Memorial Gallery (gruppo, 1941), la Yale University Art Gallery (gruppo, 1942), Brandt (gruppo, 1944), la Pinacotheca (personale, 1945), Troeger-Phillips (personale, 1946), Chinese Gallery (personali, 1946 e 1947), Art Institute of Chicago (gruppo, 1948), Corcoran Gallery of Art (gruppi, 1949 e 1959) Seligmann (personale, 1950), Davis (personali, 1953 e 1954), Delacorte (personale, 1955) e Landry (personale, 1959, 1960 e 1962).[Nota 14] Ha contribuito con dei dipinti alle mostre del Whitney Museum of American Art nel 1946, 1953, 1956, 1957, 1976 e 1990.[3] Gli sono state dedicate delle mostre retrospettive nel 1982 alla Schlesinger-Boisanté Gallery e nel 1983 alla Princeton Gallery of Fine Art.[51][4]
Stile artistico e accoglienza della critica
Durante gli anni '30 e '40, Rosenborg si muoveva liberamente tra acquerelli espressionisti che evocavano i ritmi e i colori della natura (come l'acquerello Senza titolo del 1938 circa) e oli più consapevolmente strutturati, come La città lontana, in cui paesaggi da sogno dai toni profondi assumono il colore e l'architettura di espressivi Stained Glass. An He prestò poca attenzione alle teorie moderniste della superficie e della struttura che affascinavano molti dei suoi contemporanei. Negli anni '50, i dipinti di Rosenborg riflettevano sempre più le energie e le apparenze del mondo naturale. Paesaggi marini tumultuosi, paesaggi sereni e nature morte floreali dai colori vivaci sono stati tutti eseguiti con un'attenzione alle superfici riccamente strutturate e pesantemente dipinte.[1]
Virginia M. Mecklenburg, The Patricia and Phillip Frost Collection: American Abstraction 1930-1945 (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1989).
A differenza dei più noti espressionisti astratti, Rosenborg realizzò dipinti di piccole dimensioni e preferì le gouache e gli acquerelli agli oli.[52][38] Dal suo mentore, Henriette Reiss, aveva appreso uno stile di astrazione che prevedeva l'interpretazione simbolica dei ritmi naturali.[10] I critici notarono una preferenza per un'astrazione gestuale piuttosto che geometrica.[30][53] Hanno anche notato un uso persistente di simboli, notando una somiglianza con il lavoro di Wassily Kandinsky e Paul Klee.[nota 15] Nel corso della sua carriera, i critici hanno notato uno spiccato lirismo nel lavoro di Rosenborg.[nota 16] L'acquerello di Rosenborg del 1937, "Abstracts in Blues and Greene" (a sinistra in alto), illustra il suo primo stile di acquerello. "La città lontana" del 1941 (a destra in alto) illustra il suo primo stile a olio. "Paesaggio americano" (a sinistra in alto) illustra il suo stile tardivo negli oli. "Paesaggio con rosa, verde e blu" (a destra in alto) illustra il suo stile di acquerello tardivo.
I suoi primi lavori oscuravano le forme naturali che li avevano ispirati, facendo sì che i critici li considerassero tendenti alla pura astrazione. All'inizio degli anni '50 passò a un'espressione più chiaramente figurativa.[45][47] Si dice che queste ultime opere emanassero un'aria di mistero.[44] Scrivendo di una mostra personale tenutasi alla Landry Gallery nell'ottobre 1960, Stuart Preston del New York Times disse: "L'essenza del mistero e della magia è esattamente ciò che distingue i meditativi acquerelli paesaggistici semi-astratti di Ralph Rosenborg... Si tratta di piccoli atti estasianti di concentrazione visiva e manuale a prima vista imperscrutabili, che si rivelano poi precisi e allusivi.[49] Scrivendo della stessa mostra, Bennett Schiff, critico del New York Post, ha detto: "Un'intensità mistica e una bellezza che brucia nei colori del rubino e dello zaffiro sono presenti in questi bei dipinti."[55]
Vita personale e famiglia
Il nome di nascita di Rosenborg era Ralph Rosenborg.[56] Nacque il 9 giugno 1913 da Mozart Wolfgang Rosenborg (28 ottobre 1884 - 4 marzo 1932) e da sua moglie Helen Rosenborg (20 settembre 1888 - 28 settembre 1947).[nota 17] Entrambi i genitori erano nati in Svezia. Il padre di Rosenborg emigrò a New York nel 1903 e visse a New York City.[60] Durante l'infanzia di Rosenborg, era un macchinista.[57] In seguito si guadagnò da vivere come magazziniere.[58] Sua madre era talvolta casalinga e talvolta si guadagnava da vivere come cuoca.[4][61] Da bambino sperava di suonare il violino, ma le lezioni private erano al di là delle possibilità della sua famiglia.[4] I programmi artistici delle scuole pubbliche della città e la Art School League, finanziata privatamente, gli diedero l'opportunità di ricevere una formazione artistica a costo zero e lo misero in contatto con Henriette Reiss, che divenne il suo mentore e sostenitore.[4]
È probabile che le vendite dei dipinti non abbiano mai portato abbastanza denaro per il Rosenborg per vivere. Tra il 1936 e il 1938 tenne dei corsi presso il Brooklyn Institute of Arts and Sciences e successivamente prestò servizio come guardiano per uno o due anni presso il Museum of Non-Objective Painting.[3] Per tutta la sua carriera si pensa che abbia fatto affidamento sulle donne della sua vita per avere un sostegno economico ed emotivo: prima la madre, poi Louise Nevelson, con la quale ebbe una relazione appassionata tra il 1942 e il 1948, poi, per un breve periodo, la sorella di lei, Anita, e infine la moglie, Margaret, dopo che si conobbero nel 1949 e si sposarono nel 1951.[3][62]
Soffrendo di alcolismo e con una personalità irregolare e spesso combattiva, si dice che non avesse un solo amico intimo.[63]:150 Secondo il biografo di Nevelson, "le doti di Rosenborg come pittore erano compromesse dal suo alcolismo, dal suo carattere irascibile e dalla sua ricerca adolescenziale di indipendenza...."[63]:151 Un altro scrittore afferma che aveva un "carattere esasperante" ed era "una leggenda nel mondo dell'arte per il suo sospetto nei confronti di qualsiasi cosa che sembrasse un coinvolgimento nelle relazioni sociali o professionali"[4].
Dopo essere stato colpito da un ictus nel 1991, Rosenborg e sua moglie si trasferirono nella città natale di lei, Portland, Oregon, dove morì in una casa di cura il 22 ottobre 1992.[2][56]
Note
Nata dal Comitato d'Arte di New York della Public Education Association, la School Art League era un'organizzazione filantropica che lavorava a stretto contatto con il sistema scolastico pubblico della città e con i suoi musei per promuovere l'alfabetizzazione artistica attraverso conferenze, dimostrazioni, corsi di studio, premi e borse di studio per gli studenti delle scuole elementari e superiori. La lega è stata fondata nel 1909 e nel 2018 era ancora in vita.[7][8][9]
Henriette Reiss (1889-1992) è nata in Inghilterra da genitori svizzeri. È cresciuta in Svizzera e ha studiato pittura, scultura e design a Monaco, Basilea e Liverpool. Nel 1913 si trasferì negli Stati Uniti con il marito, il pittore Winold Reiss e, dopo il divorzio nel 1923, divenne famosa prima come designer e poi come inventrice di un metodo di insegnamento dell'arte che chiamò Metodo Henriette Reiss del Design Ritmico. Dopo aver insegnato per molti anni alla School Art League e in altre posizioni correlate, ha concluso la sua carriera come istruttrice presso il Fashion Institute of Technology.[6]
I disegni degli studenti sono stati esposti prima al Museo Americano di Storia Naturale e poi al Grand Central Palace. Tra le organizzazioni che vi contribuirono c'erano la School Art League, che insegnava il sabato mattina a I. Reiss, la New York Evening School of Industrial Art, diretta da Jennie Greenberg, e la Girls' Commercial High School, insegnata da Margaret Rigney.[12]
Fondata nel 1922 da Hamilton Easter Field, Salons of America mirava a dare agli artisti un'alternativa alla Society of Independent Artists, i cui metodi finanziari e pubblicitari erano a suo avviso discutibili. Un giornalista ha detto che mirava a "dare pari opportunità a ogni membro, sia esso un conservatore o un post-dadaista"[16].
La galleria, a volte chiamata Lounge Gallery e a volte Playhouse Gallery, si trovava all'interno dell'Eighth Street Playhouse nel Greenwich Village.[17] Originariamente chiamata Film Guild Cinema, la playhouse è stata la prima sala costruita esclusivamente per proiettare film. Nel 1933 iniziò a organizzare mostre in collaborazione con l'Artists' Aid Committee di Vernon C. Porter. Il comitato ha selezionato artisti che avevano difficoltà a trovare luoghi in cui esporre le proprie opere e non ha chiesto loro alcun tipo di compenso. Sebbene tenesse occasionalmente mostre collettive, si specializzò nell'organizzazione di mostre personali per i giovani artisti che non potevano altrimenti ottenere uno spazio in galleria.[17] Nel 1938, 120 artisti avevano già allestito la loro prima mostra personale.[18]
Il sindaco Fiorello La Guardia istituì il Municipal Art Committee nell'autunno del 1934 per dare lavoro a musicisti, artisti e altri lavoratori artistici disoccupati di New York. Gruppi di artisti presentavano le loro candidature al comitato e le mostre delle gallerie venivano cambiate ogni due mesi.[20][21]
Fondata da Hugh S. Stix nel 1936 e gestita da Frederica Beer, la Galleria degli Artisti era sostenuta da donazioni e non applicava commissioni sulle vendite degli artisti.[22][23]
Definendo la mostra "una dimostrazione di massa spesso clamorosa di design decorativo", Edward Alden Jewell del New York Times disse che la maggior parte delle opere derivava da fonti europee e mostrava poca individualità.[25]
Solo un altro membro di The Ten, Louis Schanker, era anche in American Abstract Artists. Formatisi nel 1935, i Ten erano considerati astratti ed espressionisti, anche se il termine "espressionista astratto" non era ancora in uso.[27] Nonostante il nome, di solito i membri non erano dieci. Il gruppo originario era composto da soli nove elementi e quando il Rosenborg si è unito a loro erano solo otto. I membri fondatori erano Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Adolph, Jack Kufeld, Marcus Rothkowitz (in seguito noto come Mark Rothko), Louis Schanker, Joseph Solman e Nahum Tschacbasov.[28]
Notando un tono complessivamente cupo in questa mostra, il critico del New York Sun ha affermato che "i nomi degli artisti suggeriscono un recente acclimatamento e non sempre i nuovi arrivati passano subito alle glorie e alle gioie del vivere in America"[29].
Lounge 1938,[18] Artists Gallery 1938,[30] Bonestell 1939,[31] American Fine Arts 1940[32]
Willard sposò Dan Rhodes Johnson all'inizio degli anni '40, diventando così Marian Willard Johnson.
East River,[34] Neumann-Willard,[35] 1942 Willard,[36] 1943 Willard[37]
Phillips,[40] Yale,[3] Brandt,[3] Pinacotheca,[41] Troeger-Phillips,[3] cinese,[42][43] Art Institute of Chicago,[3] Corcoran,[3] Seligmann,[44] Davis,[45][46] Delacorte,[47] Landry[48][49][50]
Si vedano, ad esempio, New York Post 14 maggio 1938,[26] New York Times 9 novembre 1941,[39] e New York Times 11 novembre 1946[54].
Si vedano, ad esempio, New York Times 5 luglio 1936,[19] New York Sun 14 maggio 1938,[29] New York Times 11 novembre 1945,[41] e New York Times 15 ottobre 1982[51].
Nascita di Mozart,[57] morte di Mozart,[58] nascita e morte di Elena[59]
Riferimenti
