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Navigazione in acque tempestose, attribuita all'artista italiano Francesco Guardi18° secolo
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Lo splendore del mare tragico
Francesco Guardi e la pittura marittima nell'arte veneziana
Nessun pittore veneziano era estraneo al mare. Dopo tutto, Venezia non era solo uno dei porti più importanti del Mediterraneo, ma anche una città letteralmente sommersa dall'oceano di tanto in tanto. Curiosamente, però, la famosa scuola di pittura veneziana mostrava scarso interesse per i motivi marittimi, privilegiando le scene dell'architettura iconica della città piuttosto che i paesaggi marini. Ecco perché questo quadro è una finestra particolarmente interessante non solo sul pittore Francesco Guardi, ma anche sul significato dell'elemento acqua nella storia dell'arte, sia in assenza che al centro dell'attenzione.
Che si tratti di giornate calme e soleggiate con viste mozzafiato dei palazzi lungo i canali di Venezia o, più raramente, di tempestose tragedie di naufragi in mare, l'acqua come elemento unificante è parte integrante delle opere del pittore Francesco Guardi (1712-1793). Durante la sua vita, l'arte veneziana vide molti dei suoi più grandi trionfi, con nomi come Tiepolo o Canaletto che ottennero il riconoscimento internazionale e stabilirono saldamente Venezia come una delle comunità artistiche più vivaci d'Europa. Mentre la città stessa, già nel XVIII secolo, era una sorta di luogo turistico dove gli aristocratici e l'alta società si recavano in visita durante i loro viaggi, anche gli artisti contribuirono alla fama e le loro opere diffusero l'immagine di Venezia come città del romanticismo e del tempo libero a un pubblico internazionale, molti dei quali non avrebbero mai potuto visitarla di persona.
Ancora oggi, l'immagine iconica di Venezia, con la sua stravagante serie di palazzi, chiese e altri edifici storici, è molto influenzata da questi artisti, molti dei quali hanno superato la prova del tempo e rimangono tra i più amati di tutta la storia dell'arte. Non erano soprattutto la sottigliezza, i significati intellettuali o gli ideali morali che l'arte veneziana cercava di catturare; era invece la pura e semplice vivacità della vita e il ritmo frenetico della città, con palazzi fatiscenti e gente festosa, a rendere questa atmosfera così speciale. Naturalmente, Venezia poteva annoverare tra i suoi residenti pittori in molti generi, dalla ritrattistica ai motivi religiosi, alla pittura storica e molto altro. Tuttavia, sono i veduti e le vedute della città che sembrano essersi impressi nella nostra memoria più di ogni altra cosa, non da ultimo nella tradizione del Canaletto, che è stato forse il maestro indiscusso di tutti i pittori veneziani.
Nato nella sua professione, Francesco ha vissuto e respirato pittura per tutta la vita. Suo padre, il pittore Domenico Guardi (1678-1716), morì quando Francesco era solo un bambino, ma sia lui che i suoi fratelli Niccolò e Gian Antonio continuarono a seguire le orme dei loro padri. La famiglia Guardi apparteneva alla nobiltà ed era originaria della zona montuosa del Trentino, non lontano dalle Alpi. I fratelli lavoravano insieme su commissioni più impegnative e si sostenevano a vicenda nel modo tipico dei laboratori familiari o delle reti di artisti. La sorella Maria Cecilia sposò nientemeno che l'artista Giovanni Battista Tiepolo, legando la famiglia al nome veneziano più famoso dell'epoca. Per quasi un decennio Guardi lavorò nello studio di Michele Giovanni Marieschi, a volte conosciuto semplicemente come Michiel, un pittore simile per stile e motivi. Canaletto è, tuttavia, l'artista a cui Guardi viene più spesso paragonato, dal momento che i due condividono la passione per la rappresentazione dell'architettura e del paesaggio urbano di Venezia.
Nel corso della sua carriera, Guardi si è cimentato in molti generi diversi. An He era abile nel dipingere paesaggi, vedute di Venezia, motivi sacri, interni e composizioni architettoniche, così come in una serie di altri motivi. Il suo stile è tipico della scuola veneziana, ma anche distinto e personale, se si guarda più da vicino. C'è un'assoluta certezza nella composizione, la cui scelta a volte sembra quella di una fotografia attentamente calcolata, ma è anche molto pittorica, nel senso migliore del termine: fluida, audace, sensibile e piena di carattere. La pennellata è rapida, intensa, apparentemente disattenta e straordinariamente minuziosa allo stesso tempo; fresca e pianificata in una miscela molto piacevole. I suoi interni spesso catturano il fascino spazioso e mozzafiato dei palazzi e di tutte le loro squisite decorazioni. Di solito costruiva il motivo attraverso tratti e forme straordinariamente semplici, quasi spontanei ma intuitivamente precisi. Il risultato è una qualità atmosferica festosa e vivace, lontana dalla sterile ed esatta somiglianza di cui altri pittori sono stati vittime nel tentativo di copiare Canaletto.
Il dipinto qui presente non ha nulla della città di Venezia. Al contrario, sembra di essere trasportati lontano nell'oceano solitario, senza architetture, senza nulla a cui aggrapparsi: solo il mare ruggente e le pericolose scogliere su cui le navi sono a un passo dall'essere schiacciate. Si tratta di una composizione marittima che evoca precursori sia fiamminghi che italiani, nella fiera tradizione della pittura marittima che per secoli ha costituito una parte fondamentale della nostra cultura visiva.
Questo genere di pittura è oggi curiosamente trascurato, rispetto a quanto era stimato e significativo quando il nostro rapporto con il mare era molto più naturale di oggi. Quando sia le persone che le merci viaggiavano sull'acqua e molte nazioni e città, tra cui Venezia, dipendevano interamente dalle tariffe marittime, il legame esistenziale con l'oceano era molto più naturale e integrato nell'immaginario. Le scuole e le tradizioni dell'arte marittima sono tante quante sono le nazioni legate al mare e tutte riflettono la necessità di elaborare i pericoli e le meraviglie dell'oceano.
Può simboleggiare l'opportunità, le eccitanti prospettive di nuovi paesi e avventure, il commercio fiorente, i bei paesaggi, ma anche la guerra e la tragedia, la perdita di vite umane, il pericolo e il destino. Dire che l'acqua ha una natura ambivalente è un eufemismo e questi molteplici strati sono stati esplorati dagli artisti nei modi più meravigliosi. Forse all'occhio moderno occorre un po' più di tempo per identificare le diverse sfumature e qualità dei dipinti marittimi storici, che a prima vista possono sembrare difficili da distinguere l'uno dall'altro. Ma se permettiamo a questi motivi di dispiegarsi e di raccontare storie di mare sia nella finzione che nella realtà - o in una via di mezzo - ci viene data la possibilità di capire come gli oceani abbiano costruito il nostro mondo.
Nell'interpretazione di Guardi, vediamo una scena di naufragio quasi teatrale. Non meno di cinque navi sono raffigurate proprio nel momento del disastro totale. Colti da una violenta tempesta, le onde li hanno spinti verso una costa di scogliere affilate e, se non vengono inghiottiti dalle onde, lo schiacciamento contro le scogliere sembra essere l'unico risultato. Le grandi navi in legno sono decorate in modo impressionante con sculture elaborate, e in realtà sono reliquie già durante la vita di Guardi. Sono infatti tipiche delle navi olandesi e fiamminghe del XVII secolo, il che ci dà un indizio sulla provenienza dell'ispirazione. Guardi deve aver visto esempi di arte marittima fiamminga che lo hanno incuriosito su questi particolari motivi. Ci vengono in mente pittori fiamminghi come Willem Van de Velde e Ludolf Backhuysen, e proprio questo dipinto è stato erroneamente attribuito a Matthieu van Plattenberg. Tuttavia, presenta tutti i tratti tipici di Guardi e la conoscenza della sua impressionante versatilità rafforza ulteriormente l'attribuzione a lui, così come non meno di altre dieci versioni conosciute della stessa scena e un disegno di studio. Sia la versione del Musée des Beaux-Arts di Montreal che quella della collezione Gnecchi di Milano sono particolarmente simili per l'impatto drammatico, il trattamento delle onde e la posizione delle navi, e insieme costituiscono un interessante esempio di come un artista possa rielaborare ed esplorare una composizione.
Anche se i paesaggi marini non divennero mai la specialità di Guardi, l'esistenza di questo dipinto è un'intrigante testimonianza del suo virtuosismo e dei suoi vantaggi artistici nell'utilizzare il mare come metafora della fragilità della vita e della vulnerabilità dell'uomo nei confronti degli elementi. Inoltre, dà maggiore spessore alla comprensione dell'intera scuola di pittura veneziana che, per tutto il suo iconico splendore architettonico, era molto più versatile di quanto comunemente si pensi. Il fatto che opere d'arte come queste ci ricordino anche un rapporto dimenticato con il mare rafforza ulteriormente la preziosa lezione che un dipinto può aprire gli occhi sulla storia, una volta che gli dedichiamo l'attenzione che merita.
olio su tela
dimensioni della tela 20 x 23 ½ pollici (50,8 x 59,7 cm)
cornice 25,7 x 29 pollici (65,5 x 74 cm)
Provenienza:
Christie's Londra, 2 novembre 2016, lotto 180 (come Attribuito a Francesco Guardi), venduto per 102.500 sterline;
Collezione privata Francia;
Sotheby's Parigi, 17 giugno 2021, lotto 165 (come Attribuito a Francesco Guardi)
Letteratura:
A. Bonfand, Francesco Guardi, una burrasca, étude inédite, 2017, cat. 15 come da Francesco Guardi, fig. 1.
J. Byam Shaw, The Drawings of Francesco Guardi, London, 1951, p. 78, n. 73, illustrato.
Uno schizzo preparatorio per questa composizione è stato registrato da Byam Shaw. Per molti aspetti questo disegno è più vicino a questo dipinto che alle due versioni di questa composizione di Guardi presenti nel Museo di Belle Arti di Montreal e nella collezione Bortolotto. Il disegno della poppa della nave all'estrema destra è diverso rispetto all'immagine di Montreal, i nidi di corvo sono raffigurati con angoli più netti e le scogliere lungo il bordo destro sono più evidenti nel disegno e in questo lotto. Nel disegno l'uomo in piedi sulla roccia ha le braccia tese e sta cercando di afferrare il sartiame: in questa foto l'ha già afferrato.
- Attribuito a:Francesco Guardi (1712 - 1792, Italiano)
- Anno di creazione:18° secolo
- Dimensioni:Altezza: 65,5 cm (25,79 in)Larghezza: 74 cm (29,14 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:Nel complesso buone condizioni, pronto per essere appeso. La tela è stata rifoderata. La superficie è sporca e la vernice si è scolorita in giallo. La superficie della vernice presenta un sottile motivo di craquelure. Contattaci per un rapporto completo sulle condizioni.
- Località della galleria:Stockholm, SE
- Numero di riferimento:Venditore: CA21441stDibs: LU144529797932
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