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Herbert FerberHerbert Ferber, studio scultoreo di espressionismo astratto firmato e incorniciato Provenienza1968
1968
Informazioni sull’articolo
Herbert Ferber
Senza titolo, 1968
Inchiostro unico e lavaggio a colori su carta
Firmato a mano e datato dall'artista sul fronte
Incorniciato con l'etichetta originale della Knoedler Gallery (sotto la guida dello stimato direttore Larry Rubin)
Questo eccellente disegno scultoreo senza titolo è stato realizzato dal famoso scultore e pittore espressionista astratto Herbert Ferber. Firmato a mano e datato dall'artista sul fronte. Incorniciato e pronto da appendere e in buone condizioni vintage. L'opera reca l'etichetta originale della galleria Knoedler, sotto la prestigiosa direzione di Lawrence Rubin.
Misure:
Telaio:
16 1/4 x 16 1/4 x 1/2 pollici
Foglio:
11 x 14 pollici
Provenienza:
Presenta l'etichetta Knoedler and Company sul retro. Dalla galleria Knoedler originale con Larry Rubin.
Herbert Ferber Biografia
(1906-1991)
Uno dei pochi artisti dell'Espressionismo Astratto a lavorare in tre dimensioni, Herbert Ferber ha esplorato le problematiche della sua epoca con sculture dinamiche e visivamente interessanti nel corso di una carriera che esprime in modo unico il vocabolario artistico collettivo della metà del secolo. In un corpus di opere che abbraccia diversi decenni, la pratica scultorea di Ferber si sviluppa lentamente e in modo ponderato per incorporare elementi di surrealismo, realismo sociale ed espressionismo.
Dopo alcuni primi lavori di scultura diretta su legno, Ferber si spostò "oltre il monolite" nei primi anni '40 sotto forma di bronzo modellato. (1) Ciò permise all'artista di esplorare forme più attenuate ed espressioniste e aprì la sua pratica ad alcune influenze surrealiste a cui erano interessati anche i suoi contemporanei. In questo periodo Ferber si avvicina all'astrazione completa: le sue forme assottigliate diventano sempre più simili a disegni nello spazio. Il disegno era infatti una componente importante del processo di Ferber e diversi lavori preparatori su carta precedevano ogni opera scultorea. Il disegno "ha permesso a Ferber di sciogliere e aprire le sue forme e di liberarsi da un'immagine specifica e letterale e di muoversi verso la semplificazione e la fluidità" nella scultura. (2)
Negli anni '50 e '60 Ferber esplorò il rapporto tra linea organica e geometrica, in particolare nella serie di sculture "a gabbia". Queste opere di grandi dimensioni presentavano ampie forme organiche contenute in cornici rigorosamente rettilinee. L'artista gioca anche con i confini dell'equilibrio e del contrappeso in sculture grandi e piccole. Quest'opera senza titolo del 1966 incarna entrambe le direzioni del lavoro di Ferber. La forma organica del cerchio vorticoso è interrotta dalla frastagliatura aggressivamente geometrica delle linee di Ferber nello spazio. L'intera forma si inclina dinamicamente su un lato, controbilanciata dalla piccola base su cui poggia.
Nato a New York nel 1906, Ferber frequentò il City College di New York dal 1923 al 1926, laureandosi in scienze e sviluppando contemporaneamente un interesse per le belle arti e le discipline umanistiche. In seguito studiò odontoiatria e chirurgia orale alla Columbia University, dove conseguì il D.D.S. Durante la scuola di medicina, Ferber dovette fare dei disegni anatomici; è qui che scoprì per la prima volta la sua abilità di artista. Mentre frequentava la scuola di odontoiatria, si iscrisse anche al Beaux Arts Institute of Design dal 1927 al 1930. Ferber ha infatti lavorato come dentista per diversi anni e ha anche insegnato odontoiatria part-time alla Columbia fino alla metà degli anni '70, quando si è dedicato completamente alla scultura.
Negli anni 1930-1931, Ferber realizzò le sue prime sculture in legno e alla fine del 1932 aveva raggiunto la sua piena maturità con questo mezzo. I suoi primi lavori erano rappresentativi, spesso della forma umana, il che è probabilmente una risposta diretta ai suoi disegni di anatomia come studente di medicina. Con il passare degli anni il suo lavoro divenne sempre più astratto. Dopo il suo periodo strettamente rappresentativo, Ferber sviluppò una crescente attenzione per le cause sociali. Il suo lavoro prese una piega particolarmente social-realista con il suo interesse per il cambiamento del clima sociale, politico ed economico degli anni Trenta. In questo stesso periodo, intorno al 1936, si unì al John Reed Club e all'Artist's Union. Mentre partecipava a queste organizzazioni, assistette alle conferenze degli influenti muralisti social-realisti messicani José Clemente Orozco e David Alfaro Siqueiros, in visita a New York per pubblicizzare l'arte social-realista. Tuttavia, alla fine degli anni '30 Ferber era ormai disilluso dalla politica stalinista e iniziò a staccarsi da John Reed e dall'Artist's Union. I temi social-realisti rimasero in qualche modo presenti nelle sue opere, ma in modo meno letterale. La sua prima mostra personale fu composta da opere in legno e si tenne nel 1937 alla Midtown Gallery di New York. Prima della fine degli anni '40, aveva abbandonato il legno come medium, insistendo sul fatto che aveva fatto tutto il possibile con il materiale.
Come per molti artisti americani che hanno trascorso i loro anni formativi su questa sponda dell'Atlantico, il primo viaggio di Ferber in Europa fu particolarmente influente. Nel 1938 visitò una serie di chiese e cattedrali sia in Francia che in Italia e fu particolarmente influenzato dalla scultura romanica, soprattutto quella di Moissac, Souillac e Carcassone. Tra il 1938 e il 1945, il suo lavoro fu fortemente influenzato da quella che definì la "falsa prospettiva" dei capitelli romanici.
Con il progredire della sua carriera, Ferber sperimentò sempre di più con diversi tipi di metallo e diversi modi per ottenere una forma strutturale solida. Per Ferber, tuttavia, i materiali erano una questione di pragmatica. An He parlò spesso con forza contro la feticizzazione dei materiali, la sua più grande critica al Bauhaus. An He credeva che le idee fossero il cuore dell'arte.
non le tecniche o i materiali (3). Una parte importante del processo di Ferber, prodotto diretto dell'influenza di A.A. Moore, è la fase di disegno. Lo studioso William C.I.C. Agee
si spinge fino a definire Ferber un "disegnatore compulsivo", i cui studi sono disegni a mano libera simili a dipinti. Agee cita il processo di disegno di Ferber come una tensione significativa nella sua identità di artista. Il suo interesse per il disegno, unito all'affetto per Miró e Picasso, indica che Ferber, Alexander Calder, David Smith e altri artisti di quella generazione non desideravano più tracciare una netta linea di demarcazione tra pittura e scultura (4). Ferber, Smith, Calder e Theodore Roszak hanno iniziato come pittori prima di passare alle tre dimensioni e quindi erano più inclini a ignorare le barriere tra i vari mezzi. Questo approccio alla scultura è evidente in opere di Ferber come Metamorphosis I, che tende a una linea più attenuata, all'apertura e a una sottigliezza che altrimenti sembra dipinta nello spazio.
Nel 1946, Ferber si era immersa tardivamente, ma profondamente, nel Surrealismo. Questo cambiamento di stile e di poetica fu il risultato del contatto di Ferber con gli artisti della Betty Parsons Gallery, alla quale si unì nello stesso anno. Questi artisti e altri della Kootz Gallery, tra cui Jackson Pollock, William Baziotes, Mark Rothko e altri, stavano tutti esplorando le possibilità del Surrealismo nelle loro opere. Il nuovo interesse di Ferber per le idee surrealiste come l'impulso, l'inconscio e le mitologie modificò radicalmente il suo modo di fare arte. Agee cita i dipinti surrealisti di Rothko del 1944-1946 come influenze principali nel lavoro di Ferber in quel periodo.
Tra il 1949 e il 1950, Ferber aveva riaffermato il suo interesse per l'opera di Julio Gonzalez, mentore di Picasso nella scultura e figura influente nei primi anni di scultura di Ferber. An He divenne di nuovo più consapevole degli elementi formali del fare arte e si allontanò lentamente dalle sue tendenze surrealiste più radicali. Questo approccio più sobrio costrinse anche a un cambiamento fisico dell'estetica e le sue opere si orientarono maggiormente verso la verticalità e l'astrazione. In quel periodo l'artista sperimentò la scultura a parete, ma ben presto si lasciò trasportare dalle possibilità dello spazio. Il minimalismo, un movimento contemporaneo, si preoccupava ugualmente dell'impegno dello spettatore con lo spazio e di come la forma costruita influisse su questo impegno. Sebbene il lavoro di Ferber non possa essere definito minimalista, era in dialogo con concetti fenomenologici simili. Il passo successivo del suo interesse per lo spazio fu l'integrazione di una cornice e successivamente di una struttura "tetto e muro" come parte della scultura. Questo suggerimento di una stanza chiusa è stato il risultato dell'interesse dell'artista per la creazione di un ambiente a misura di stanza (5).
Nel 1958, Ferber era in stretto contatto con il critico e storico dell'arte E.C. Goossens. Insieme, svilupparono un crescente interesse per l'emulazione dell'effetto sullo spettatore provocato da una pittura su larga scala in tre dimensioni. Goossens ha scritto sull'argomento in un articolo intitolato "La grande tela". I due condividevano la convinzione dell'intimità che si prova quando ci si confronta con un dipinto, soprattutto se di grandi dimensioni. Sebbene Ferber affermi di non aver mai smesso di dipingere, quest'anno segna un'importante integrazione del mezzo nel suo modo di fare arte. Il lavoro da questo momento in poi mostra una maggiore consapevolezza di voler in qualche modo iniettare una presenza pittorica nelle sue sculture. An He stava ancora lavorando per assottigliare la linea di demarcazione tra i due medium.
Le opere di Ferber si trovano nelle collezioni dell'Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; del Cantor Arts Center, Stanford University, Palo Alto; del Dallas Museum of Art; dell'Honolulu Museum of Art; della National Gallery of Art, Washington, D.C.; del Newark Museum; della Pennsylvania Academy of the Fine Arts; del Whitney Museum of American Art, New York; del Jewish Museum, New York; della Yale University Art Gallery, New York, tra gli altri. Ferber è morto nel 1991 a North Egremont, nel Massachusetts.
- Creatore:Herbert Ferber (1906-1991, Americano)
- Anno di creazione:1968
- Dimensioni:Altezza: 41,28 cm (16,25 in)Larghezza: 41,28 cm (16,25 in)Profondità: 1,27 cm (0,5 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:In buone condizioni vintage. Lievi increspature, ma per il resto ottime condizioni. In cornice vintage; le cornici non sono garantite.
- Località della galleria:New York, NY
- Numero di riferimento:1stDibs: LU1745215023482
Informazioni sul venditore
5,0
Venditore Platino
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