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Abraham Walkowitz
Disegno modernista, Ritratto di uomo

1900

Informazioni sull’articolo

Abraham Walkowitz (28 marzo 1878 - 27 gennaio 1965) è stato un pittore americano che fa parte dei primi modernisti americani che lavoravano nello stile modernista. Walkowitz è nato a Tyumen, in Siberia, da genitori ebrei. An He emigrò con la madre negli Stati Uniti durante la prima infanzia. Ha studiato alla National Academy of Design di New York e all'Académie Julian di Parigi sotto la guida di Jean-Paul Laurens. In seguito Walkowitz e i suoi contemporanei gravitarono intorno alla 291 Gallery del fotografo Alfred Stieglitz, originariamente intitolata Little Galleries of the Photo-Secession, dove si riunivano i precursori dell'arte moderna in America e dove molti artisti europei furono esposti per la prima volta negli Stati Uniti. Durante i 291 anni, John Wells lavorò a stretto contatto con Stieglitz e con Arthur Dove, Marsden Hartley e John Marin (spesso indicati come "il quartetto Stieglitz"). Carriera e formazione Ritratto di Abraham Walkowitz - 1907 - Max Weber - Brooklyn Museum Walkowitz è stato attratto dall'arte fin dall'infanzia. In un'intervista orale del 1958, Abram Lerner ha ricordato: "Quando ero bambino, all'incirca a cinque anni, disegnavo con il gesso, su tutti i pavimenti e tutto il resto... Suppongo che sia dentro di me. Ricordo che da piccolo, a tre o quattro anni, prendevo i gessetti e facevo disegni"[1] In età adulta lavorò come pittore di insegne e iniziò a fare schizzi degli immigrati nel ghetto ebraico di New York dove viveva con la madre. An He continuò a seguire la sua formazione formale e con i fondi di un amico si recò in Europa nel 1906 per frequentare l'Académie Julian. Grazie alle presentazioni di Max Weber, incontrò Isadora Duncan nello studio di Auguste Rodin, la moderna ballerina americana che aveva catturato l'attenzione dell'avanguardia. Walkowitz realizzò più di 5.000 disegni di Duncan. L'approccio di Walkowitz all'arte in quegli anni derivava dalle idee moderniste europee di astrazione, che si stavano lentamente infiltrando nella psiche artistica americana all'inizio del secolo. Come molti artisti dell'epoca, Walkowitz fu profondamente influenzato dalla mostra commemorativa del 1907 di Cézanne a Parigi, in occasione del Salon d'Automne. L'artista Alfred Werner ha ricordato che Walkowitz trovava i quadri di Cézanne "esperienze semplici e intensamente umane"[2] Lavorando a fianco di altri modernisti americani sostenuti da Alfred Stieglitz, Walkowitz affinò il suo stile di artista e produsse diverse opere astratte. Walkowitz espose per la prima volta alla 291 nel 1911 dopo essere stato presentato a Stieglitz tramite Hartley e rimase con la galleria fino al 1917. Durante i 291 anni, il clima per l'arte moderna in America è stato duro. Fino alla cruciale Armory Show del 1913, a cui Walkowitz partecipò ed espose, gli artisti moderni che importavano idee radicali dall'Europa erano accolti da critiche ostili e dalla mancanza di mecenatismo. Disegni di Isadora Duncan Nel 1927, Isadora Duncan fece eco ai versi di Walt Whitman nel suo saggio I See America Dancing, scrivendo: "Quando lessi questa poesia di Whitman, I Hear America Singing, anch'io ebbi una visione: la visione dell'America che danzava una danza che sarebbe stata la degna espressione della canzone che Walt Whitman aveva sentito quando aveva sentito cantare l'America"."La Duncan è stata la quintessenza del modernismo, liberandosi delle rigide catene della forma ballettistica ed esplorando il movimento attraverso una combinazione di scultura classica e delle sue fonti interiori. Così descrive questa ricerca: "Ho trascorso lunghi giorni e notti in studio alla ricerca di quella danza che potesse essere l'espressione divina dello spirito umano attraverso il movimento del corpo". Per la Duncan, la danza era un'espressione decisamente personale della bellezza attraverso il movimento e sosteneva che la capacità di produrre tale movimento fosse intrinsecamente contenuta nel corpo. Abraham Walkowitz fu uno dei tanti artisti affascinati da questa nuova forma di movimento. I disegni di Duncan possono essere interpretati come rappresentazioni degli obiettivi più ambiziosi di Walkowitz. Comporre migliaia di questi disegni si sarebbe rivelato uno degli sbocchi più efficaci per il suo programma artistico, grazie alle somiglianze tra gli ideali artistici e l'estetica preferita da Walkowitz e Duncan. An He era anche in grado di attingere ripetutamente dallo stesso soggetto e di trarre un'esperienza diversa da ogni osservazione. Gli scultori riconobbero subito questo tratto nella Duncan; c'era una particolare qualità della sua danza che appariva immediatamente artistica, ma non statica. Il critico di danza Walter Terry lo descrisse nel 1963: "Sebbene la sua danza scaturisse indiscutibilmente dalle sue fonti e risorse interiori di potenza motoria e spinta emotiva, gli aspetti palesi della sua danza erano chiaramente colorati dall'arte greca e dal concetto di scultore del corpo in un gesto arrestato che prometteva un'azione ulteriore. Queste influenze possono essere viste chiaramente nelle fotografie che la ritraggono e nelle opere d'arte che ha ispirato". Isadora Duncan #29, 1915 circa In ogni disegno viene registrata una nuova osservazione dello stesso soggetto. Nella prefazione di A Demonstration of Objective, Abstract, and Non-Objective Art, Walkowitz scrisse nel 1913: "Non evito l'oggettività né cerco la soggettività, ma cerco di trovare un equivalente per qualsiasi cosa sia l'effetto della mia relazione con una cosa, o con una parte di una cosa, o con un suo ripensamento. Cerco di sintonizzare la mia arte su ciò che sento essere la chiave di lettura di un'esperienza". La fluidità rilassata dei suoi disegni d'azione rappresenta Duncan come soggetto, ma alla fine riconcepisce il movimento libero della sua danza e traduce le idee in linee e forme, terminando con una composizione completamente nuova. Il suo interesse nel registrare la "nota chiave" dell'esperienza piuttosto che produrre una rappresentazione oggettiva di un soggetto è centrale nella composizione dei disegni di Duncan. La fluidità delle linee funziona contemporaneamente come forme riconoscibili del corpo umano, ma traccia anche i percorsi dei movimenti della ballerina. La stessa Duncan scrisse nel 1920: "...ci sono coloro che convertono il corpo in una fluidità luminosa, abbandonandolo all'ispirazione dell'anima."[4] Inserito in un contesto diverso, questo passaggio potrebbe fungere da descrizione dell'arte di Walkowitz; è infatti tratto dal suo saggio The Philosopher's Stone of Dancing in cui l'autrice discute le tecniche per esprimere al meglio la forma più pura del movimento. La dedizione di Walkowitz per il soggetto Duncan si protrasse ben oltre la sua prematura morte, avvenuta nel 1927. Le opere rivelano convinzioni comuni sul modernismo e sulla rottura dei legami con il passato. Nel 1958, Walkowitz disse a Lerner: "Lei (Duncan) non aveva leggi. Non ha ballato secondo le regole. Ha creato. Il suo corpo era musica. Era un corpo elettrico, come Walt Whitman. Il suo corpo si elettrizza. Uno dei nostri più grandi uomini, il più grande d'America, è Walt Whitman. Foglie d'erba è per me la Bibbia". Significato nella storia dell'arte Pur non avendo mai raggiunto lo stesso livello di fama dei suoi contemporanei, lo stretto rapporto di Walkowitz con la 291 Gallery e con Alfred Stieglitz lo pose al centro del movimento modernista. Anche i suoi primi paesaggi urbani astratti e la sua collezione di oltre 5.000 disegni di Isadora Duncan rimangono importanti documenti storici dell'arte.
  • Creatore:
    Abraham Walkowitz (1878 - 1965, Americano)
  • Anno di creazione:
    1900
  • Dimensioni:
    Altezza: 40,64 cm (16 in)Larghezza: 33,02 cm (13 in)
  • Tecnica:
  • Movimento e stile:
  • Periodo:
  • Condizioni:
    Le misure includono il telaio.
  • Località della galleria:
    Surfside, FL
  • Numero di riferimento:
    1stDibs: LU38211635602

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King lanciò la striscia sia in forma giornaliera che domenicale nel 1945. Daily, all'inizio era presente solo in un riquadro, ma il 7 febbraio 1953 si è trasformato in una striscia completa a più riquadri. In una strana successione di eventi, nel 1953 i Walters scelsero di lasciarsi alle spalle King Features e di agganciarsi al McNaught Syndicate. I creatori erano Harold "Jerry" Walter e sua moglie Linda. Jerry era anche responsabile di Jellybean Jones, che non ha nulla a che fare con la giovane sorella di Jughead Jones, un'aggiunta moderna al cast di personaggi di Archie. Insieme hanno realizzato The Lively Ones negli anni '60. Sebbene ognuno di loro fosse in grado di svolgere entrambe le mansioni principali nella produzione di fumetti, il loro metodo di lavoro abituale prevedeva che Jerry sognasse le idee e scrivesse i dialoghi, mentre Linda si occupava dei disegni. I Walter hanno anche collaborato a una serie di fumetti di Susie Q. Smith per Dell Comics. Invece di ristampare le strisce dei giornali, queste presentavano nuove storie dei Walters. Tra il 1951 e il '54, quattro numeri vennero pubblicati come parte della serie Four Color Comics, dove molte strisce minori, tra cui Dotty Dripple, Timmy e Rusty Riley, avevano trovato una casa. Non ha avuto altri spin-off mediatici. Susie Q. Smith ha avuto una carriera rispettabile sui giornali, ma è terminata nel 1959. Jerry Walter (1915-2007) è stato un artista espressionista astratto la cui produzione di dipinti energici e colorati era il prodotto del ricco ambiente artistico della New York del dopoguerra. Era nato Harold Frank Walter a Mount Pleasant, in Iowa, il 25 novembre 1915. Dopo essersi laureato alla Colgate University nel 1937, Walter si trasferì a New York City, dove studiò disegno e pittura alla New School e alla Art Students' League. Prima di concentrarsi seriamente sulla sua arte, ha trascorso diversi anni come copywriter e ideatore di successo per le agenzie pubblicitarie J. Walter Thompson, McCann Ericson e BBDO. In quel periodo lavorò anche come vignettista. Collaborando con la moglie Linda, la sua serie più conosciuta è Susie Q. Smith, apparsa per la prima volta nel 1945 e descritta come un "tipo di Archie al femminile". Molto popolare, il cartone animato è stato successivamente oggetto di una serie di fumetti pubblicati dal 1951 al 1954. Dopo aver prestato servizio nell'esercito degli Stati Uniti per tre anni durante la Seconda Guerra Mondiale, Walter iniziò a dipingere seriamente. An ha attribuito la sua prima influenza artistica a Joan Miró, di cui ha visto il Cane che abbaia alla luna (1926) quando aveva dodici anni, l'anno in cui ha pubblicato il suo primo fumetto. Walter scrisse in seguito che il jazz, "la prima espressione autoctona del cosiddetto modernismo", ebbe una forte influenza sul suo lavoro. Alla fine degli anni '40, Walters trascorse del tempo presso lo Studio A di Maitland, in Florida. Fondato nel 1937 dall'artista e architetto André Smith e sostenuto dalla filantropa Mary Curtis Bok, il Research Studio era una vivace colonia che ospitava artisti di spicco, tra cui Milton Avery, Ralston Crawford e Doris Lee. Mentre era allo Studio A, il lavoro di Walter fu acquistato da Frank Crowninshield. Fondatore del Museum of Modern Art ed editore di Vanity Fair, Crowinshield era un noto collezionista; la sua collezione comprendeva importanti opere di Pablo Picasso, Marc Chagall, Henri Matisse, Edgar Degas, George Bellows e Pierre Bonnard. Tornato a New York dopo il periodo trascorso allo Studio, Walter divenne un membro attivo della scuola newyorkese del movimento espressionista astratto e nell'estate del 1956 espose 13 dipinti e una selezione di disegni alla Chase Gallery di New York. L'abile manipolazione del colore e della composizione evidente nelle sue opere mostra l'influenza dell'Espressionismo Astratto, in particolare di Willem de Kooning, Arshile Gorky e Hans Hofmann. 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