`Tako`, Serie Okurimono, Tokyo- calamaro donna nuda a colori Giappone

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Christian Houge
`Tako`, Serie Okurimono, Tokyo- calamaro donna nuda a colori Giappone
2007

Name: `Tako`, Serie Okurimono, Tokyo- calamaro donna nuda a colori Giappone
Brand: Christian Houge

Prezzo:1299,29 USD

1889,88 USDPrezzo di listino

Informazioni sull’articolo

Okurimono Stampa a pigmenti Le immagini della serie Okurimono sono disponibili in 3 diversi formati: * 50 x 75 cm : edizione di 10 + (+2ap) * 80 x 120 cm : edizione di 7 + (+2ap) * 113 x 170 cm : edizione di 7 + (+2ap) Ogni stampa è numerata e firmata Informazioni sul lavoro : Shibari I è un'opera del fotografo contemporaneo Christian Houge, appartenente alla serie Okurimono. In questa serie, Houge ha esplorato, attraverso cinque viaggi in Giappone (Tokyo, Osaka e Kyoto), la subcultura ultraterrena giapponese e la sua perfezione rituale. In questo documentario artistico personale si è cimentato in temi delicati come l'identità personale, la sessualità, il desiderio e la disforia di genere. In questa particolare serie, utilizza la messa in scena come metodo per creare una storia nella storia. Le associazioni degli spettatori sono importanti per soddisfare questo lavoro e l'ambiguità gioca un ruolo importante. In questa serie, Houge ha esplorato, attraverso cinque viaggi in Giappone (Tokyo, Osaka e Kyoto), la subcultura ultraterrena giapponese e la sua perfezione rituale. In questo documentario artistico personale si è cimentato in temi delicati come l'identità personale, la sessualità, il desiderio e la disforia di genere. In questa particolare serie, utilizza la messa in scena come metodo per creare una storia nella storia. Le associazioni degli spettatori sono importanti per soddisfare questo lavoro e l'ambiguità gioca un ruolo fondamentale. Okurimono (che in giapponese significa sia "dono" che "ciò che sta in mezzo") è una parola che unisce questo progetto completo sviluppato in cinque viaggi in Giappone tra il 2007 e il 2018. La serie esplora la ricerca personale dell'identità, a volte con un'oscurità di fondo, dato che Houge ha avuto modo di conoscere la sottocultura di Tokyo. Esplorando questo tema, Houge si è avventurato in questioni delicate come la sessualità, il desiderio e la disforia di genere. In questa particolare serie, utilizza la messa in scena come metodo per creare una storia nella storia. L'artista vuole interrogare lo spettatore e provocare una riflessione su argomenti che spesso sono visti come tabù nelle nostre società contemporanee. Le associazioni dello spettatore sono importanti per apprezzare quest'opera in cui l'ambiguità gioca un ruolo importante. Il progetto è iniziato nel quartiere Harajuku di Tokyo, noto come centro della cultura giovanile giapponese e dove Houge ha trovato alcuni dei suoi primi motivi: ragazze adolescenti che si vestono con abiti post-vittoriani o costumi "cosplay" per identificarsi con un personaggio dei loro fumetti preferiti. Qui il desiderio di esprimere la propria unicità è centrale e il fotografo esplora la tensione tra l'identità personale e l'estetica condivisa da tutti (o almeno dallo stesso gruppo di giovani). In molte delle sue fotografie accuratamente messe in scena, i modelli di Houge sono mascherati, in modo da richiamare le tante maschere sociali che indossiamo nella nostra vita quotidiana. Nella nostra società dell'informazione post-moderna, svuotata di meraviglia, questi enigmatici personaggi mascherati evocano anche il mondo degli sciamani e dei rituali pagani, iniettando così un senso di mistero e spiritualità che molte persone desiderano. Il simbolismo e i numerosi riferimenti al rituale e all'identità in una società altrimenti soppressa possono a volte creare un senso di disagio negli spettatori. Il progetto Okurimono esplora anche il tema dell'identità e della sessualità nella disforia di genere con i nyūhāfu (le "nuove metà" transessuali) del Giappone. In questo caso, la ricerca dell'identità coincide con la ricerca della femminilità e dell'immagine corporea che si traduce in complesse trasformazioni fisiche. Gli spettatori possono guardare questi ritratti senza rendersi conto che le modelle sono nyūhāfu. Tuttavia, le fotografie sono messe in scena in modo che gli spettatori si trovino in un ruolo voyeuristico e sconcertante mentre guardano un mondo altrimenti chiuso. Lo shibari (l'arte di legare), che ha origine nel periodo Edo (1600), è un altro territorio esplorato da Houge nella sua serie Okurimono. Le sue suggestive fotografie di modelle legate con una corda rossa su uno sfondo bianco ci accompagnano in questo potente viaggio nella vulnerabilità e nella resa, nel potere e nella libertà. Attraverso la tradizione, il simbolismo e la tecnologia, Okurimono esplora anche i potenti simboli che contribuiscono a definire parti della cultura giapponese e dell'identità nazionale, tra vecchio e nuovo. Come ha detto lo storico dell'arte Erling Bugge: "Christian Houge ci guida in un mistero. Si colloca tra le forme ritualizzate del tradizionale e ritirato giardino Zen di Kyoto e gli spazi altrettanto ritualizzati della futuristica Tokyo urbana. Per un occidentale, il Giappone potrebbe sembrare familiare, poiché ciò che ci viene presentato sembra uno spettacolo futuristico in qualche modo basato sull'immaginazione occidentale. Questo giudizio, tuttavia, è troppo facile. Nelle fotografie di Houge, il senso di uniformità si ritira e si insinua una sensazione di stranezza molto diversa. In effetti, questa serie registra uno straordinario luogo di alterità nell'odierno ordine globale, una differenza radicale nel bel mezzo del familiare". Le immagini della serie Okurimono condividono una qualità spettrale e ultraterrena. Nella realtà e nel sogno, il rituale e il gioco si fondono mentre i confini tra il noto e l'ignoto si dissolvono. Christian Houge - Ora - Okurimono Christian Houge ci guida in un mistero. Si colloca tra le forme ritualizzate del tradizionale e ritirato giardino Zen di Kyoto e gli spazi altrettanto ritualizzati della futuristica Tokyo urbana. Per un occidentale, il Giappone potrebbe sembrare familiare, poiché ciò che ci viene presentato sembra uno spettacolo futuristico in qualche modo basato sull'immaginazione occidentale. Questo giudizio, tuttavia, è troppo facile. Nelle fotografie di Houge, il senso di uniformità si ritira e si insinua una sensazione di stranezza molto diversa. In effetti, questa serie registra uno straordinario luogo di alterità nell'ordine globale di oggi, una differenza radicale nel bel mezzo del familiare. Questo viene spinto al limite nel paese delle meraviglie tecnologiche e virtuali di Akihabara a Tokyo, dove negozio dopo negozio si commerciano prodotti elettronici e giochi per computer, mentre per le strade si svolge uno strano gioco di costumi, il "cosplay". Un tipo di simulazione simile viene messa in atto nel quartiere di Harajuku, dove Houge ha trovato alcuni dei suoi motivi. Qui non c'è autenticità, non c'è "essenza" o "realtà" occidentale; al contrario, il virtuale conquista il corpo carnale in un gioco purificato di superficie, immagine e iperrealtà. Questo è esotico. Siamo consapevoli di queste nozioni come punti cardine dell'idea occidentale di post-moderno. Ma in questo senso il Giappone è sempre stato "postmoderno". Ha sempre integrato la cultura e la tecnologia più raffinata proveniente dall'esterno, pur mantenendo in qualche modo un'identità propria. Quindi, quale sarebbe questa identità? Houge adotta il punto di vista del rituale e del gioco. In effetti, la cultura giapponese sembra basarsi esclusivamente sul rituale, negli affari e nel sesso, nel rapporto con la natura e nella religione. Questa opera trascende completamente la nozione di autenticità, a differenza dell'Occidente che è perseguitato dal "fantasma" dell'origine e degli inizi. In Giappone, "ora" significa proprio questo; è un "non guardare indietro", ma piuttosto un flusso di intensità integrate nel gioco e nel rituale dell'okurimono, sempre presente. Qui non c'è il rischio di essere divorati dalla cultura e dalla tecnologia occidentali, perché, come nella pratica Zen, il rituale sovrintende a tutto e non ha alcun freno storico. Il Giappone diventa senza peso, sparato in orbita al di fuori della materia della Terra stessa. Recitare il ruolo della ragazza vittoriana di Lewis Caroll è dettato da un senso di nostalgia? Non credo. È una ricerca di un momento di presenza perfetta, in dialogo con la macchina ottica di Houge. È il momento dell'Adesso. La ragazza, il giardino zen e l'immagine condividono una perfezione modificata da piccole incertezze, imperfezioni casuali che diventano punti di ingresso obliqui per noi - un fazzoletto scartato o forme e riflessi apparentemente irrilevanti nel gioco prismatico delle superfici. C'è una qualità spettrale e ultraterrena in queste immagini, anche nel fugace ciliegio in fiore e nel gioco di ombre su un minimalismo concreto. La luce doppiamente esposta o riflessa sull'obiettivo ci ricorda gli inizi incerti della storia della fotografia, con la diffusa convinzione che la macchina fotografica fosse in grado di percepire qualcosa di più dell'occhio nudo, come spiriti e fantasmi. Nelle immagini di Houge ci sono diversi spettri, forme scheletriche e naturali da un lato, la macchina e il virtuale dall'altro. Qui, come in una scena del film Blade Runner, c'è un'inquietante confusione e mescolanza tra l'umano e il non umano. Forse la ricerca di un momento perfetto nel flusso perpetuo delle cose è un desiderio romantico o malinconico di completezza trascendente, una spinta che viene sfruttata in una rigorosa attenzione ai dettagli visivi. Questa disciplina compulsiva potrebbe sembrare assurda a qualsiasi osservatore occidentale, mentre il desiderio stesso costituisce un terreno comune e alla fine sarà la base del nostro incontro. Erling Bugge Bio: Christian Houge (nato a Oslo nel 1972) Con sede a Oslo, in Norvegia, faccio fotografie da oltre vent'anni e continuo ad avere nuove intuizioni. Esplorando la relazione e il conflitto tra natura e cultura, riesco a comprendere meglio la condizione dell'uomo. Mi interessano le conseguenze della progressione dell'uomo e come la scienza sia spesso il risultato della nostra conquista della natura, sia sulla Terra che altrove. L'ego dell'uomo, la società dei consumi, gli ultimi resti della natura pura e l'identità sono elementi ricorrenti nel mio lavoro. Spesso contrappongo l'estetica visiva a un'inquietudine di fondo. Spesso emana una dissonanza cognitiva nello spettatore per invitare a verità più profonde e riferimenti personali. Osservare le nostre azioni e il nostro posto nell'ambiente, da cui siamo così dipendenti, è un tema ricorrente in tutte le mie esplorazioni e posso utilizzare qualsiasi cosa, dalle fotocamere digitali a quelle analogiche di grande formato e panoramiche per progetti specifici. Ho esposto ampiamente in gallerie e musei nel mio paese natale, la Norvegia, ma anche negli Stati Uniti, in Inghilterra, in Francia e in Cina. La serie `Death of a Mountain` (2016-2021) è stata nominata per il Premio Leica Oskar Barnack 2021, oltre a ricevere una sovvenzione artistica dal Norwegian Arts Council. Di recente, la mia serie "Residenza dell'Impermanenza" 2017-2019 è stata esposta in cinque musei e diverse gallerie (tra cui una mostra personale al Fotografiska di Stoccolma (2019) e Les Recontres d'Arles, Haugar Artmuseum, Preus Muaeum of Photography e 2019 (Galerie Omnius, Arles). Nel 2021, questa serie ha ricevuto dieci nomination per il Prix Pictet Award con il tema FIRE. La mostra `Residenza dell'Impermanenza` è attualmente esposta presso lo UCR: California Museum of Photography di Los Angeles con la mostra `Facing Fire,` Art, Wildfire and The End of Nature in the New West. Questa mostra esplora il continuo aggravarsi degli incendi boschivi a causa dei cambiamenti climatici. Nel 2005, la mia serie "Tecnologia Artica" è stata selezionata per il BMW Prize a Paris Photo (Scout Gallery, Londra). Nel 2015, la mia serie `Paradise Lost` (contenente tre delle mie principali serie ambientali) ha fatto un tour tra tre grandi musei in Cina. I miei lavori ambientali sono stati nominati due volte per il premio annuale Prix Pictet, con le serie "Barentsburg" e "Shadow Within", sia per il tema della Terra che per quello del Potere. Nel 2005, la mia serie "Tecnologia Artica" è stata selezionata per il BMW Prize a Paris photo (attraverso la Scout Gallery, Londra). Il mio lavoro è stato esposto in numerosi musei, tra cui un simposio al Johnson Museum di N.Y., è stato incluso in mostre itineranti con il WHATCOM (Museo di Washington) con la mostra `Vanishing Ice`, oltre a un tour museale di due anni in Cina su temi ambientali con il Three Shadows Photography Art Centre di Pechino e l'Ambasciata norvegese. Tra le pubblicazioni/libri figurano `Vanishing Ice` e `Altered Landscape` (Nevada Museum of Art), oltre a lavori acquistati per la collezione del Center for Art and Environment. Mostre selezionate CV: Christian Houge (nato a Oslo nel 1972) - Curriculum Vitae 2021 `As far as my Eye can Sea - La mostra della spedizione` Rev Ocean, Bomuldsfabrikken Kunsthall, Arendal `Facing Fire`, Collaborazione, UCR ARTS:California Museum of Photography Continuazione Morte di una montagna`/ In;Natura umana`, Galleria Buer, Oslo 2020 `Facing Fire`, Collaborazione, UCR ARTS:California Museum of Photography 2019 `Metafisica`, `Residenza dell'impermanenza`, collaborazione, Haugar Kunstmuseum, Vestfold Residenza dell'impermanenza", Fotografiska Museum, Stoccolma. Solo `Helt Dyrisk` Residenza dell'Impermanenza`, collaborazione, Museo Preus, Horten Residenza dell'impermanenza", Galleri Fineart, Oslo. Solo 2017 `Shadow Within/Rituals` Gulden Kunstverk, Drammen. Solo Commissione, ristorante MAAEMO. In; Natura Umana Specchio, specchio" Galleria Hosfelt, San Francisco. Collaborazione con Ed Ruscha, Adam Fuss, Liliana Porter 2016 `In;Human Nature`, Galleria TM51, Oslo. Solo Fotofever/ParisPhoto, Louvre, Parigi Cornette de Saint Cyr, Asta, Parigi 2015 Three Shadows Photography Art Center, Pechino, Cina. Paradiso perduto". Tecnologia artica/Barentsburg`/ L'ombra dentro. Solo Fotofever (ParisPhoto), Galleria d'Arte Artistica, Parigi. Collaborativo How Art Museum, Wenzhou, Cina. Il paradiso perduto Arctic Technology/Barentsburg/Shadow Within. Solo Redtory, Guangzhou, Cina. Il paradiso perduto Arctic Technology/Barentsburg/Shadow Within. Solo 2014 Fineart Gallery, Oslo `Shadow Within` 2010-2013 / `Darkness Burns Bright` 2013/2014. Solo Oltre la Terra Arte - (artisti contemporanei e ambiente) Johnson Museum of Art, New York. Shadow Within. Collaborativo (tra gli altri Olafur Eliasson, Edward Burtynsky, Mathew Brandt, Yun-Fei Ji) Il Museo d'Arte di El Paso, Texas. Tecnologia artica". Collaborativo Glenbow Museum, Alberta. Tecnologia artica". Collaborativo LIFF (Lofoten International Photofestival) Ombra all'interno" con voce parlante. Solo 2013 Nominato per il Prix Pictet Award/ `Shadow Within`. Galleria Hosfelt, San Francisco. USA. Ombra dentro". Solo Accompagnato da Call of the Wild`( Joseph Beuys, Ed Ruscha, Patricia Piccinini e Alan Rath) Carnegie, Oslo, serie Arctic Technology`. Commissione. Tour `Vanishing Ice`, USA/Canada, Whatcom Museum 2013-2015. Pubblicazione `Vanishing Ice`, Paesaggi alpini e polari nell'arte, 1775-2012 Autore: Barbara Matilsky. Paesaggi alterati: Fotografie di un ambiente che cambia (Impatto dell'attività umana sui paesaggi naturali) di Ann M. Wolfe. Pubblicazioni Rizzoli. 2012 Vanishing Ice, Whatcom (Museo di Washington), USA, 2012. Tecnologia artica". Collaborativo Discorso pubblico, residenza degli Ambasciatori, Londra. Ombra dentro". 2010 Akershus Kunstsenter, Oslo. Tecnologia artica". Collaborativo A colori", Hosfelt Gallery, New York. Tecnologia Artica/ Barentsburg. Collaborativo 2009 Nominato al Prix Pictet Award con la serie `Barentsburg`. Galleria Hosfelt, San. Fran, "Tecnologia artica/Barentsburg". Solo AntArctica, Haugar Kunstmuseum. Collaborativo L'inverno più freddo", Hosfelt Gallery, San. Fran. Collaborativo 2008 `Tecnologia artica` Hosfelt Gallery, New York, USA, Solo Aeroporto Gardemoen, 10 anni di anniversario Oslo. Pubblico(Tecnologia Artica) Stazione centrale di Oslo/Rom for Kunst, Oslo. Pubblico(Tecnologia Artica) 2007 ArtBasel/Scout Gallery, Londra, Miami. Collaborativo Fiera PhotoLondon, Zebra Gallery London. Collaborativo Mostra annuale di borse di studio Kunstnernes Hus, Oslo. Collaborativo Mostra annuale di borse di studio Fotogalleriet, Oslo. Collaborativo Ministero della Difesa H. H. Oslo. Commissione (Tecnologia Artica) 2006 Sotheby's Londra. Asta collaborativa Zebra One, Londra. Collaborativo Mostra annuale delle borse di studio, Oslo. Collaborativo Ministero della Difesa H. H. `Tecnologia Artica. Oslo. Commissione 2005 Scout Gallery, Londra. Tecnologia Artica", Solo Premi BMW, Parigi Foto. Tecnologia artica". Collaborativo Paris Photo, Louvre, Parigi, Scout Gallery (Londra). Collaborativo Tecnologia Artica/ Barentsburg Fiera PhotoLondon (Scout Gallery, Londra). Collaborativo 2003 Mostra annuale delle borse di studio, Kunstnerenes Hus, Oslo. Collaborativo Økokrim, Oslo, Commissione. Pubblico Eiendommspar, Oslo. Commissione. Pubblico 2002 Mostra di borse di studio autunnali, Kunstnernes hus, Oslo. Collaborativo

Creatore:
Christian Houge (1972, Norvegese)
Anno di creazione:
2007
Dimensioni:
Altezza: 75 cm (29,53 in)Larghezza: 50 cm (19,69 in)
Più edizioni e dimensioni:
113 x 170 cm. Edition 7Prezzo: 9449 USD
Tecnica:
Pigmento digitale
Periodo:
2010-
Condizioni:
Località della galleria:
Oslo, NO
Numero di riferimento:
1stDibs: LU160028669412

2750 USD

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