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Ynez Johnston'Tribal Coast', artista espressionista donna, Museo d'Arte Moderna, Guggenheim Museum1964
1964
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Firmato in basso a destra "Ynez Johnston" (americano, nato nel 1920) e datato 1964; inoltre è scritto "imp" in basso a destra e intitolato in basso al centro "Tribal Coast" con numero e limitazione, 198/210", in basso a sinistra.
Dimensioni della cornice: 21,25 H. x 26,5 L. x 1,5 P. Pollici
Nato a Berkeley, in California, Johnston ha studiato disegno, pittura e stampa all'Università della California con Worth Ryder, Erle Loran e Margaret Peterson. Il suo lavoro è caratterizzato da forme "a puzzle" che ricordano i disegni tribali primitivi. Questo stile unico fonde modernismo e antiche forme d'arte provenienti dai suoi viaggi in Italia, Messico, India e Nepal. Ha anche realizzato opere tridimensionali in collaborazione con il marito, il poeta e romanziere John Berry, e con lo scultore di ceramica Adam Mekler.
La mostra personale di Johnston del 1951 al Museum of Modern Art di New York creò un notevole interesse pubblico per il suo lavoro e diede inizio alla sua carriera di artista di successo. I suoi oli e le sue incisioni degli anni '50 e '60 divennero più ambiziosi nell'uso di immagini complesse, mostrando un uso sempre disciplinato e armonizzato del colore.
Nei successivi lavori a tecnica mista, Johnston esamina le qualità tattili della superficie. I dipinti prevedono la combinazione, e occasionalmente la laminazione, di diversi materiali: terra, acrilico, tinture, encausto su stoffa, tela e seta grezza. I colori sono vivaci e le immagini sono forme composite che suggeriscono ambigue forme architettoniche, umane, animali e vegetali. Cita l'arte persiana e indiana come influenze insieme ad artisti come Matisse, Mirò, Klee e Picasso.
Johnston ha ricevuto numerosi premi e borse di studio, tra cui una borsa di studio del National Endowment for the Arts e una Guggenheim Memorial Foundation Fellowship. Ha esposto ampiamente e con successo, vincendo una serie di medaglie, premi e giurie, tra cui il Primo Premio in acquerello al Metropolitan Museum of Art (1952). Ha esposto anche al San Francisco Museum of Art e al Mitsukoshi di Tokyo. Le sue opere sono presenti nelle collezioni permanenti di musei di tutta la nazione, tra cui il Museum of Modern Art e il Metropolitan Museum of Art di New York e il Los Angeles County Museum.
Riferimento:
Who Was Who in American Art 1564-1975: 400 Years of Artists in America, Peter Hastings Falk, Sound View Press 1999, Vol. 2, p. 1752-1753; Les Krantz, American Artists, Illustrated Survey of Leading Contemporary Artists; Elenore Welles, 'Ynez Johnston', sito web del Farhat Cultural Center; et al.
Ulteriori informazioni biografiche per gentile concessione della Tobey C. Moss Gallery, West Hollywood:
Ynez Johnston è un architetto di regni fantastici. Sebbene possa sfuggire alla realtà, non elimina mai del tutto il concreto, ma si limita a mascherarlo. Il suo vocabolario idiosincratico di forme deriva da una storia culturale collettiva. Ma i riferimenti si metamorfosano in una fusione unica di elementi che non mostrano alcun riguardo per il mondo fisico reale.
Nel corso della sua carriera, la Johnston ha sperimentato una varietà di mezzi che includono incisioni, litografia, oli, acquerello, carta lavorata, tinture a inchiostro, sumi su carta di riso e caseina. Le influenze degli artisti Moghul e tibetani, delle sculture in pietra precolombiane, di artisti come William Blake e delle tendenze ossessive dei dipinti persiani sono fondamentali per la sua inventiva. La fusione delle fonti suggerisce una linea tra il cubismo, il surrealismo europeo e le qualità generali dell'espressionismo astratto americano. Le sue personali evocazioni della geometria astratta ricordano in particolare i fantasiosi stili lineari di Paul Klee e Mark Tobey.
Combinando disegni mitici con i precetti del modernismo, evoca ibridi di forme universali e punti di riferimento familiari. Ma si evolvono rigorosamente dalla fertile immaginazione di Johnson. . una sintesi di visioni esteriori e interiori. Come se fuoriuscissero da un subconscio sovraffollato, una moltitudine di forme geometriche e di forme si trasmettono in intricati disegni. Palace of the Snow Leopard [1971], ad esempio, è dominato da una forma che sembra un incrocio tra animale e architettura. La figura stilizzata reca un insieme di disegni e simboli colorati. Sembra uno strano ibrido tra un animale stilizzato Maya e un cavallo cinese. È un puro artificio.
Un'indagine di cinquant'anni rivela come gli sviluppi stilistici di Johnston abbiano attraversato cicli e mutazioni. Ma la vitalità dei suoi colori rimane prevalente e alcune forme e temi hanno una vita continua. La ripetizione di forme mitiche, in particolare di un mandala, rafforza il potere psicologico duraturo degli antichi miti.
Anche i paesaggi urbani mitici rimangono una costante nella sua opera. In Arabia [1960] la sua rappresentazione astratta di ambienti affollati ricorda le surreali rappresentazioni urbane di Philip Guston. Con il tempo, tuttavia, i suoi mondi evocativi diventano più densi ed esotici. In Expedition [1989] le forme assomigliano a castelli, templi, uomini, animali e simboli illusori. Dico "assomigliare" perché questo è un mondo puramente inventato. L'uso del nero in contrasto con i verdi, gli ori e gli arancioni crea un legame coesivo con le immagini più disparate.
The Green Nile [1998] è ricco di elementi familiari a Johnston. Anche in questo caso, i colori abbaglianti attivano la relazione tra uomo, città, natura e simboli. Stravaganti piramidi viola e architetture mediorientali suggeriscono città nella sabbia. Un'isola verde a forma di diamante è delimitata da un mare di un blu intenso, mentre un fondo d'oro brillante dà risalto a un disegno di tipo Maya. Le forme circostanti, inserite in campi di colore arancione, rosso e giallo, evocano un'energia pulsante.
L'influenza dei tanka tibetani e la loro inclinazione per i confini si riflette in Sailing Around the Horn. Create con tinture a inchiostro su tela e seta, le fantasiose raffigurazioni sono inserite in bordi di colore giallo, acqua e turchese intenso.
Anche le sculture mostrano una propensione agli ibridi. Nel bronzo del 1992, La donna che aspetta in riva al mare, le influenze precolombiane e asiatiche appaiono in primo piano. Una donna stilizzata si trova sopra una figura di cane. Entrambi sono incisi con una grande quantità di disegni e figure.
Lo stile horror-vacuii di Johnston richiede una certa attenzione. Ma la sua amalgama di immagini può ampliare l'immaginazione dello spettatore. Forme enigmatiche radicate in uno spazio ambiguo danno l'illusione di metafore oniriche. Le giustapposizioni che evocano significati associativi possono trasportare gli spettatori nei loro universi di fantasia.
- Creatore:Ynez Johnston (1920 - 2019, Americano)
- Anno di creazione:1964
- Dimensioni:Altezza: 29,21 cm (11,5 in)Larghezza: 45,09 cm (17,75 in)Profondità: 0,26 mm (0,01 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:carta: tonalità dell'età; cornice: tonalità minore sulla stuoia, segni minori. Questo pezzo verrà spedito senza vetro.
- Località della galleria:Santa Cruz, CA
- Numero di riferimento:1stDibs: LU3444387732
Ynez Johnston
Frances Ynez Johnston (12 maggio 1920 - 2019) è stata una pittrice, scultrice, stampatrice ed educatrice americana. Le sue opere d'arte sono moderniste e astratte, con una narrazione di terre o creature immaginarie e spesso con collage. Johnston è nato il 12 maggio 1920 a Berkeley, in California. Ha frequentato l'Università della California, Berkeley per studiare con Worth Ryder e ha conseguito la laurea in Belle Arti nel 1941. All'inizio degli anni '40 si recò in Messico per continuare i suoi studi, tornando a Berkeley nel 1943 e conseguendo il Master of Fine Arts nel 1946. Nel 1960 sposò il romanziere e poeta John Berry. Negli anni successivi ha prodotto stampe attraverso il Tamarind Lithography Workshop. Johnston iniziò a tenere corsi d'arte in varie università e college nel 1950 e terminò l'insegnamento nel 1980.[8] Iniziò all'Università della California, Berkeley (1950-1951) e poi continuò la sua carriera di insegnante al Colorado Springs Fine Art Center (1954-1955), al Chouinard Art Institute (1956), al California State College (1966-1967, 1969, 1973), all'Università di Gerusalemme (1967) e all'Otis Art Institute della Parsons School of Design (1978-1980). Le sue opere sono presenti in diverse collezioni permanenti, tra cui il Museum of Modern Art (MoMA), il Whitney Museum of American Art, il Metropolitan Museum of Art, lo Smithsonian American Art Museum, l'Art Institute of Chicago, il Los Angeles County Museum of Art (LACMA), lo Spencer Museum of Art, la National Gallery of Art, il Fullerton College, il McNay Art Museum, l'University of Michigan Museum of Art, l'Indianapolis Museum of Art e altri ancora. Nel 1952 Johnston ottenne una borsa di studio Guggenheim per le belle arti, che le permise di viaggiare in Italia. Nel 1955-1956 ha ricevuto la borsa di studio della Louis Comfort Tiffany Foundation per la pittura e la stampa, mentre nel 1976 e nel 1986 ha ricevuto la borsa di studio del National Endowment for the Art (NEA). Oltre alle sue intricate stampe e ai suoi dipinti, Johnston ha creato anche pezzi tridimensionali in Collaboration con suo marito e con lo scultore di ceramica Adam Mekler. I suoi acquerelli, oli e incisioni degli anni '50 e '60 erano ricchi di immagini complesse e mostravano un uso disciplinato e sobrio del colore. Nei successivi lavori a tecnica mista, ha esaminato le qualità tattili della superficie. I suoi dipinti incorporano terra, acrilico, tinture, encausto su stoffa, tela e seta grezza. Le forme composite suggeriscono ambigue forme architettoniche, umane, animali e vegetali. Johnston ha citato come influenze le miniature persiane e indiane, ma ha tratto ispirazione anche dagli artisti astratti europei Matisse, Miro, Klee e Picasso. Ynez Johnston è morta nel 2019 a Los Angeles, in California.
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Timbrata, sul verso, con certificazione di autenticità per "Marion Cunningham" (americana, 1908-1948) e creata nel 1948.
Dimensioni della carta: 17,75 x 16 pollici
Una sostanziosa e rara serigrafia di metà secolo che mostra una famiglia samoana seduta sotto una tenda tradizionale di tela tapa e servita da una giovane donna. Per realizzare quest'opera complessa, Cunningham utilizzò ben una dozzina di retini disegnati a mano, ognuno dei quali variava per pigmento, tonalità e opacità. Creata durante lo straordinario fermento creativo che caratterizzò l'ultimo anno di vita dell'artista, quest'opera rappresenta un risultato notevole sia per l'artista che per il medium.
Nata nell'Indiana, Marion Osborn Cunningham si trasferì in California nel 1911. Ha studiato arte con l'impressionista americana Ruth Heil Emerson, prima di continuare la sua formazione al Santa Barbara City College e di conseguire il Bachelor of Arts alla Stanford University. In seguito ha approfondito i suoi studi alla California School of the Fine Arts e all'Art Students League di New York, dove ha conosciuto e sposato l'artista astratto americano Ben Cunningham. Tornata a San Francisco, aprì uno studio in Montgomery Street, il centro della colonia artistica di San Francisco, dove continuò a dipingere e a creare opere grafiche per il resto della sua vita.
Nel corso di una brillante carriera, Marion Cunningham espose ampiamente e con successo, tra cui alla National Serigraph Society; all'Association of San Francisco Women Artists; alla San Francisco Art Association; al San Francisco Museum of Art Inaugural (1935); alla Golden Gate International Exposition (1939); al San Francisco Watercolor Show (1939) e alla sua retrospettiva commemorativa alla Bakersfield Art Association (1957). È stata membro di numerose associazioni professionali tra cui la National Serigraph Society, l'Association of San Francisco Women Artists e la San Francisco Art Association. Le opere di Marion Osborn Cunningham sono presenti nelle collezioni pubbliche permanenti di musei di tutta la nazione, tra cui la National Gallery...
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