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Kiki SmithFotografia litografica offset di Smith & Smith "My Secret Business" Stampa fotografica litografica1993
1993
Informazioni sull’articolo
I miei affari segreti, 1992-1993
Litografia offset a due toni, litografia
Il foglio misura 30,13'' x 22,5'' (76 X 56 cm). Immagine di 23 1/2 × 18 pollici (59,7 × 45,7 cm).
Firmata a mano dall'artista, firmata, datata ed edita "68/225" sul recto.
Editore Brooklyn Academy of Music, (BAM) New York.
Kiki Smith (nata il 18 gennaio 1954) è un'artista americana nata in Germania occidentale le cui opere hanno affrontato i temi del sesso, della nascita e della rigenerazione. Le sue opere figurative della fine degli anni '80 e dei primi anni '90 hanno affrontato temi come l'AIDS e il genere, mentre i lavori più recenti hanno rappresentato la condizione umana in relazione alla natura. Smith vive e lavora nel Lower East Side, a New York, e nella Hudson Valley, nello Stato di New York.
Il padre di Smith era l'artista Tony Smith e la madre era l'attrice e cantante lirica Jane Lawrence. Sebbene il lavoro di Kiki assuma una forma molto diversa da quella dei suoi genitori, l'esposizione precoce al processo di realizzazione di sculture geometriche da parte del padre le ha permesso di sperimentare in prima persona l'artigianato formale. La sua esperienza infantile nella Chiesa cattolica, unita al fascino per il corpo umano, ha plasmato il suo lavoro dal punto di vista concettuale.
Smith si trasferì dalla Germania a South Orange, nel New Jersey, da bambino nel 1955. Successivamente ha frequentato la Columbia High School, ma l'ha lasciata per frequentare la Changes, Inc. In seguito, si iscrisse alla Hartford Art School nel Connecticut per diciotto mesi nel 1974-75. Nel 1976 si trasferisce a New York e si unisce a Collaborative Projects (Colab), un collettivo di artisti. L'influenza dell'uso di materiali non convenzionali da parte di questo gruppo radicale è visibile nel suo lavoro. Per un breve periodo, nel 1984, ha studiato per diventare un tecnico di medicina d'urgenza e ha scolpito parti del corpo; nel 1990 ha iniziato a creare figure umane.
Spinta dalla morte del padre nel 1980 e dalla morte per AIDS della sorella, l'attrice underground Beatrice "Bebe" Smith, nel 1988, Smith ha iniziato un'ambiziosa indagine sulla mortalità e sulla fisicità del corpo umano. Ha continuato a creare opere che esplorano una vasta gamma di organi umani, tra cui sculture di cuori, polmoni, stomaco, fegato e milza.
Nel 1984 Smith ha terminato un film femminista no wave in super 8, definitivamente incompiuto, iniziato nel 1981, intitolato Cave Girls. È stato co-diretto da Ellen Cooper.
Smith ha sperimentato una vasta gamma di processi di stampa. Alcuni dei suoi primi lavori di stampa erano abiti, sciarpe e camicie serigrafate, spesso con immagini di parti del corpo. Ha lavorato in stampe fotografiche cromogeniche a colori, litografie, acqueforti, porcellane e bronzi, smalto ad alta temperatura su vetro, pittura ad acquerello, sculture al neon, foto alla gelatina d'argento, ecc. In collaborazione con il Colab, nei primi anni '80 Smith stampò una serie di manifesti contenenti dichiarazioni politiche o che annunciavano eventi del Colab. Nel 1988 ha creato "All Souls", un'opera serigrafica di 15 metri con immagini ripetitive di un feto, un'immagine che Smith ha trovato in un libro di anatomia giapponese. Smith ha stampato l'immagine con inchiostro nero su 36 fogli attaccati di carta thailandese fatta a mano.
Il MoMA e il Whitney Museum hanno entrambi ampie collezioni di stampe vintage di Smith. Nella serie "Blue Prints", del 1999, Kiki Smith ha sperimentato il processo dell'acquatinta. La "Vergine con colomba" è stata realizzata con un'acquatinta aerografata, un'incisione a resistenza acida che protegge la lastra di rame.
Marie Magdalene (1994), una scultura realizzata in bronzo al silicio e acciaio forgiato, è un esempio dell'uso non tradizionale del nudo femminile da parte di Smith & Smith.
Nel 2005, l'installazione di Smith & Smith, Homespun Tales, è stata acclamata alla 51° Biennale di Venezia. Lodestar, l'installazione di Smith & Smith del 2010 alla Pace Gallery, era una mostra di opere in vetro colorato dipinte con figure a grandezza naturale.
Dopo cinque anni di sviluppo, la prima scultura permanente all'aperto di Smith & Smith è stata installata nel 1998 nel campus dell'Università della California, a San Diego.
Nel 2010, il Museum at Eldridge Street ha commissionato a Smith e all'architetto Deborah Gans la creazione di una nuova finestra est monumentale per la Sinagoga di Eldridge Street del 1887, un monumento storico nazionale situato nel Lower East Side di New York. Questa commissione permanente ha segnato l'ultima componente significativa del restauro ventennale del museo ed è stata completata da una mostra di sculture site-specific della Smith in una mostra del 2018 intitolata Below the Horizon: Kiki Smith at Eldridge.
Per il Claire Tow Theater sopra il Vivian Beaumont Theater, Smith ha concepito Overture (2012), un piccolo mobile fatto di assi incrociate e uccelli in bronzo fuso.
Nel 2019, Smith ha concepito Memory, un'installazione site specific per la DESTE Foundation for Contemporary Art sull'isola greca di Hydra.
Ha creato libri d'artista unici, tra cui: Fountainhead (1991); The Vitreous Body (2001) e Untitled (Book of Hours) (1986).
Dall'inizio del 2010 Smith ha creato dodici opere di 9 x 6 piedi. Arazzi Jacquard, pubblicato da Magnolia Edizioni. Nel 2012, Smith ha esposto una serie di tre edizioni di questi arazzi tessuti al Neuberger Museum of Art. All'inizio del 2019, tutti e dodici sono stati esposti insieme nell'ambito di "What I saw on the road" a Palazzo Pitti a Firenze, Italia.
Smith ha collaborato con la poetessa Mei-mei Berssenbrugge per produrre Endocrinology (1997) e Concordance (2006) e con la scrittrice Lynne Tillman per creare Madame Realism (1984). Ha collaborato con la poetessa Anne Waldman in If I Could Say This With My Body, Would I. I Would. Smith ha anche collaborato a una performance con il coreografo Douglas Dunn and Dancers, i musicisti Ha-Yang Kim, Daniel Carter, Ambrose Bye e Devin Brahja Waldman, interpretata e musicata dal poema Jaguar Harmonics di Anne Waldman.
Nel 1980, Smith partecipò alla mostra organizzata dal Colab, The Times Square Show. Nel 1982, Smith ha organizzato la sua prima mostra personale, "Life Wants to Live", presso The Kitchen. Da allora, il suo lavoro è stato esposto in quasi 150 mostre personali in musei e gallerie di tutto il mondo ed è stato presentato in centinaia di importanti mostre collettive, tra cui la Whitney Biennial, New York (1991, 1993, 2002); La Biennale di Firenze, Firenze, Italia (1996-1997; 1998); e la Biennale di Venezia (1993, 1999, 2005, 2009). Recentemente ha esposto con Robert Longo, Cindy Sherman, Rashid Johnson, Shirin Neshat, Tony Oursler, Cindy Sherman, Eric Fischl, Dorothea Rockburne e Ugo Rondinone. Le mostre personali precedenti si sono tenute presso il Montreal Museum of Fine Arts e il Modern Art Museum, Fort Worth (1996-97); il Museum of Contemporary Art, Los Angeles (1996-97); l'Irish Museum of Modern Art, Dublino (1997-98); l'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (1998); il Carnegie Museum of Art, Pittsburgh (1998); il Center for Curatorial Studies and Art in Contemporary Culture, Bard College, Annandale-on-Hudson (1999); il St. Louis Art Museum (1999-2000) e l'International Center for Photography (2001).
Nel 1996, Smith ha esposto in una mostra collettiva al SITE di Santa Fe, insieme a Kara Walker.
Nel 2005, "la prima mostra museale americana su larga scala dell'artista", intitolata Kiki Smith: A Gathering, 1980-2005 ha debuttato al San Francisco Museum of Modern Art. Poi è arrivata un'espansione al Walker Art Center di Minneapolis, dove la mostra è nata. Alla Walker & Co. Smith è stato coautore del catalogo ragionato insieme alla curatrice Siri Engberg.[29]
La mostra è stata esposta al Contemporary Arts Museum di Houston, al Whitney Museum of American Art di New York[30] e infine a La Colección Jumex di Ecatepec de Morelos, fuori Città del Messico. Nel 2008, Smith ha donato Selections from Animal Skulls (1995) alla Walker in onore di Engberg.
I numerosi riconoscimenti di Smith & Smith includono anche il Nelson A. Rockefeller Award della Purchase College School of the Arts (2010), il Women in the Arts Award del Brooklyn Museum (2009), la 50° Edward MacDowell Medal (2009), il Medal Award della School of the Museum of Fine Arts di Boston (2006), l'Athena Award for Excellence in Printmaking della Rhode Island School of Design (2006), la Skowhegan Medal for Sculpture della Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine (2000) e il "Time 100. The People Who Shape Our World" della rivista Time (2006): The People Who Shape Our World" (2006). Smith è stato eletto membro dell'American Academy of Arts and Letters di New York nel 2005.
Nel 2012 ha ricevuto la medaglia del Dipartimento di Stato americano da Hillary Clinton. Pezzi di Smith & Smith adornano i consolati di Istanbul e Mumbai. Dopo essere stato scelto come relatore per l'annuale Patsy R. and Raymond D. Nasher Lecture Series in Contemporary Sculpture and Criticism nel 2013, Smith è diventato artista in residenza per l'University of North Texas Institute for the Advancement of the Arts nell'anno accademico 2013-2014.
Nel 2016, Smith ha ricevuto il premio International Sculpture Center Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award.
- Creatore:Kiki Smith (1954, Americano)
- Anno di creazione:1993
- Dimensioni:Altezza: 76,54 cm (30,13 in)Larghezza: 57,15 cm (22,5 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:questo viene venduto non incorniciato.
- Località della galleria:Surfside, FL
- Numero di riferimento:1stDibs: LU38215529232
Kiki Smith
Nata in Germania nel 1954, figlia dello scultore minimalista Tony Smith, Kiki Smith è cresciuta negli Stati Uniti e si è guadagnata uno status internazionale come una delle artiste più significative del suo tempo. È stata influenzata principalmente da Louise Bourgeois, Eva Hesse e Lee Bontecou. Sebbene sia conosciuta soprattutto per le sue sculture anatomiche spesso sezionate, ha prodotto anche un corpo di arte stampata innovativa. Alcuni dei temi principali che la Smith esplora nelle sue opere stampate sono la fisiologia, l'autoritratto, la natura e l'iconografia femminile. Sebbene i suoi lavori in entrambi i mezzi condividano una qualità psicologica comune, l'artista va oltre la rigida enfasi biologica della sua scultura includendo immagini come fiocchi di neve e farfalle nelle sue stampe. Le opere di Smith sono state presentate a cinque Biennali di Venezia e hanno partecipato a diverse mostre personali in musei importanti. Le opere di Smith sono presenti in diverse collezioni di musei importanti, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Whitney Museum of American Art di New York, il Walker Art Center di Minneapolis, il Solomon R. Guggenheim Museum di New York e il Metropolitan Museum of Art di Los Angeles. È membro dell'American Academy of Arts and Letters e dell'American Academy of Arts and Sciences. Nel 2017 è stata nominata Accademico Reale Onorario dalla Royal Academy of Arts di Londra. Nel 2000 ha ricevuto la Medaglia Skowhegan per la scultura e nel 2009 la Medaglia Edward MacDowell. Ha inoltre ricevuto il Nelson A. Rockefeller Award 2010, Purchase College School of the Arts; la U.S. Department of State Medal of Arts 2013, conferita da Hillary Clinton; e il Lifetime Achievement Award 2016 dell'International Sculpture Center, solo per citarne alcuni. Smith & Smith è professore aggiunto presso la NYU e la Columbia University e vive e lavora a New York.
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4,9
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Fondazione nel 1995
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Mostra tuttoFoto Litografia Jannis Kounellis Arte Povera Italian Avant Garde Acquaforte
Di Jannis Kounellis
Lo faro il letterato per tutta la vita
Litografia fotografica su carta di stracci
firmato a mano in basso a destra a matita: Kounellis
numerato 37/90.
Provenienza: Collezione di Ileana Sonnabend (signora Leo Castelli) e proprietà di Nina Castelli Sundell.
Ho visto questo pezzo identificato come 1969 e l'ho visto come 1972.
Jannis Kounellis (greco: Γιάννης Κουνέλλης; 23 marzo 1936 - 16 febbraio 2017) è stato un artista contemporaneo greco-italiano con sede a Roma. Figura chiave dell'Arte Povera, ha studiato all'Accademia di Belle Arti di Roma.
Kounellis è nato al Pireo, in Grecia, nel 1936. Ha vissuto in Grecia durante la Seconda Guerra Mondiale e la Guerra Civile Greca prima di trasferirsi a Roma nel 1956. Dal 1960 al 1966, Kounellis attraversò un periodo in cui espose solo dipinti. In alcune delle sue prime mostre, Kounellis iniziò a stencilare numeri, lettere e parole sulle sue tele, spesso riflettendo pubblicità e insegne viste per strada. Nel 1960 iniziò a introdurre nel suo lavoro oggetti scultorei trovati, come veri e propri cartelli stradali, esponendo alla Galleria La Tartaruga. Nello stesso anno indossò uno dei suoi dipinti a stencil come un indumento e creò una performance nel suo studio per dimostrare che stava diventando letteralmente un tutt'uno con il suo dipinto. Questa nuova convergenza di pittura, scultura e performance fu la via d'uscita di Kounellis dall'arte tradizionale. Nel 1961 iniziò a dipingere su giornali per riflettere i suoi sentimenti verso la società e la politica moderna. A partire dal 1963, Kounellis introdusse nelle sue opere d'arte oggetti trovati, tra cui animali vivi ma anche fuoco, terra, sacchi di iuta e oro. An He ha sostituito la tela con telai di letti, porte, finestre o semplicemente con la galleria stessa. Il lavoro di Kounellis degli anni '80, che consisteva anche in sculture e performance con materiali insoliti, ha viaggiato in tutta Europa. Nel 1974 si esibisce con Edward Kienholz, Wolf Vostell e altri artisti a Berlino presso l'ADA - Aktionen der Avantgarde. Le sue opere sono diventate parte integrante delle collezioni di numerosi e rinomati musei internazionali.
Nel 1967, Kounellis fu associato all'Arte Povera, un movimento teorizzato dal curatore Germano Celant come un importante spostamento dal lavoro su superfici piane alle installazioni. Kounellis ha partecipato alla mostra "Arte Povera - e IM Spazio" presso la Galleria La Bertesca di Genova, curata da Celant. Arte povera significa letteralmente "arte povera", ma la parola povera si riferisce all'esplorazione di un'ampia gamma di materiali oltre a quelli tradizionali della pittura a olio su tela, del bronzo o del marmo scolpito. I materiali utilizzati dagli artisti comprendevano terra, stracci e ramoscelli.
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