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Marc ChagallSoffitto dell'Opera di Parigi1980s
1980s
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Soffitto dell'Opera di Parigi
Si tratta di una stampa realizzata da Center Art Galleries-Hawaii, Inc. Puoi cercare su Google il loro nome per farti un'idea delle controversie che circondano questo produttore, che realizzava stampe e le spacciava per vere.
Il valore è nella splendida cornice. Tieni presente il costo della spedizione poiché il pezzo è molto grande (la cornice misura 47" x 47").
Nel 1960, il Ministro degli Affari Culturali André Malraux fece un gesto tanto audace quanto spettacolare, commissionando a Marc Chagall un nuovo soffitto per l'Opéra. È vero, c'era un precedente recente, il soffitto piuttosto mal riuscito dipinto per la Salle Henri II del Louvre da George Braque nel 1952. L'anno successivo Malraux commissionò ad André Masson un soffitto per il Théâtre de l'Odéon. Si trattava di un tentativo di aprire il mondo ordinato ma chiuso creato da Charles Garnier. Un colpo di stato mediatico in un momento in cui i media stavano conquistando il mondo.
Un atto di sacrilegio. La pittura di Chagall copriva ora il lavoro di un altro artista che, come tutti i pompieri (come venivano chiamati i pittori accademici del XIX secolo), non godeva di alcun favore. (Detto questo, non sarebbe rimasto lì a lungo: meno di due decenni dopo, il progetto di Lenepveu ricevette gli onori del nuovo Musée d'Orsay). L'azione era sacrilega, soprattutto per quanto riguarda il principio di armonia di Garnier, un principio osservato da tutti gli artisti che lavoravano sotto di lui e anche, in una certa misura, da Carpeaux. Ma poi, naturalmente, Garnier non era più lì a salvaguardare l'unità del suo palazzo dei sogni.
Il soffitto di Chagall ha senza dubbio reso il Palais Garnier di nuovo alla moda. Così come, vent'anni dopo, le colonne di Buren hanno puntato i riflettori sul Palais Royal, che i parigini avevano completamente dimenticato, e sono state un grande miglioramento rispetto al parcheggio che ha disonorato il suo cortile per decenni senza che nessuno sembrasse preoccuparsene. Così come, trent'anni dopo, la piramide di Pei ha reso il Louvre un punto di riferimento internazionale: non che il museo fosse privo di pretese di fama, ma questa intrusione architettonica relativamente marginale ha fatto sì che il programma "Grand Louvre" ottenesse una copertura mediatica globale. Qualunque cosa si possa pensare dei loro meriti artistici, è innegabile che questi tre "gesti" abbiano avuto un grande successo in termini di comunicazione. E questa, a quanto pare, era la principale preoccupazione di Malraux all'Opéra.
Allo stesso modo, tutti e tre gli interventi hanno portato un elemento di continuità e di rottura. La piramide di Pei è certamente in contrasto con le facciate rinascimentali e di Napoleone III del Louvre, ma riecheggia l'obelisco di Place de la Concorde. Le colonne di Buren continuano chiaramente il colonnato della Galerie d'Orléans, anche se sono tronche e a strisce; e il soffitto di Chagall, pur rompendo incontestabilmente con l'armonia dell'auditorium, è, per molti aspetti, in profonda continuità con l'opera di Garnier (Chagall era un attento lettore de "Le Nouvel Opéra").
Innanzitutto, con le sue tinte fresche e nitide - i suoi "mirabili colori prismatici" (André Breton) - Chagall continua e completa la reintroduzione del colore, che era così importante per Garnier. Il dono di Chagall per il colore è qualcosa che aveva scoperto quando era arrivato a Parigi: "In Russia tutto è scuro, marrone, grigio. Quando sono arrivato in Francia, sono stato colpito dai colori scintillanti, dai giochi di luce, e ho trovato quello che stavo cercando ciecamente, questa raffinatezza della materia e del colore disinibito". A Parigi "le cose, la natura, le persone erano illuminate da questa 'luce-libertà' e sembravano immergersi in un bagno colorato". Inoltre, questo soffitto completa il "pantheon" del Palais Garnier di illustri compositori nel corso dei secoli.
Aggiunge quindi alcuni contemporanei dell'architetto, come Wagner e Berlioz, che erano stati "trascurati" nel suo programma iconografico (Verdi fu l'unico compositore vivente a essere rappresentato da una statua all'inaugurazione del 1875). Inoltre, introduce alcuni importanti compositori della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, tra cui tre della relativamente recente scuola russa (sconosciuta in Francia fino all'epoca di Diaghilev). Inoltre, Chagall evoca questi compositori attraverso un "Olimpo" di personaggi delle loro opere. Come i lettori ricorderanno, "Olympus" era il termine generico di Garnier per indicare i soffitti dei teatri.
Chagall era un pittore lirico e la corrispondenza, la simpatia che lega il suo soffitto all'edificio di Garnier è più profonda di quanto si possa pensare. La pittura di Chagall è, per riprendere la parola usata da Guillaume Apollinaire quando visitò per la prima volta lo studio dell'artista a La Ruche nel 1912, "super-naturale" (questo mondo sarebbe stato poi sostituito da quello surrealista), e lo è anche il palazzo incantato di Garnier. Quello di Chagall era uno spirito religioso, persino mistico, per il quale l'amore era la forza che legava e muoveva ogni cosa nell'universo, le cui creature e i cui oggetti erano parte di un movimento totale senza cima né fondo, gravità o resistenza - perfetto per dipingere il soffitto di un'opera!
Ancora più profondamente, Chagall era attratto da un ideale di teatro totale. Già nella sua città natale, Vitebsk, durante il suo breve periodo come direttore dell'Accademia di Belle Arti, scandalizzò i leader comunisti locali chiedendo a tutti i pittori locali di aiutarlo a decorare la casa con mucche verdi e cavalli volanti per celebrare il primo anniversario della Rivoluzione d'Ottobre. Quando lavorò al rinnovato Teatro di Stato Ebraico di Mosca, tra il 1919 e il 1921, la sua visione abbracciò l'intero auditorium, in modo che gli spettatori fossero circondati da pannelli i cui disegni riprendevano le scenografie e i costumi sul palco. Un teatro totale, proprio come Garnier. Come lui, Marc Chagall sognava un teatro in cui ambientazione e azione fossero un tutt'uno.
Chagall rifiutò di essere pagato per il suo soffitto. Lo Stato ha coperto solo i costi materiali del lavoro, che è stato eseguito tra gennaio e agosto 1964. Il pittore lavorò al Musée des Gobelin, poi nell'atelier costruito da Gustav Eiffel a Meudon (che in seguito divenne un museo dell'aviazione) e infine a Vence. Il soffitto di Chagall fu inaugurato il 23 settembre 1964.
Il soffitto è composto da dodici pannelli di tela più un pannello centrale rotondo per un totale di circa duecentoquaranta metri quadrati e montato su una struttura di plastica.
PANNELLO CENTRALE
Procedendo in senso orario dalla destra del palco, il pannello centrale evoca i seguenti compositori e opere:
Bizet, "Carmen". Colore dominante: rosso. Carmen con l'arena, più un toro e una chitarra.
Verdi, opera non specificata, forse "La Traviata". Colore dominante: giallo. Dietro una giovane coppia, un uomo barbuto (il padre di Germont) tiene in mano un rotolo mezzo srotolato.
Beethoven, "Fidelio". Colori dominanti: blu e verde. Leonora si muove verso il cavaliere blu, che brandisce la spada.
Gluck, "Orfeo ed Euridice". Colore dominante: verde. Euridice suona la lira (lo strumento di Orfeo) e un angelo offre dei fiori.
PANNELLO PRINCIPALE
Moussorgski, "Boris Godounov". Colore dominante: blu. Al centro, al centro, lo zar siede sul suo trono indossando le insegne del potere; sopra di lui vediamo una fama alata con testa di mostro e, in verde, la città di Mosca; a destra, dall'altra parte di "Hebe" di Walter e Borgeois, al centro della scena, il popolo (Chagall: "Considero il popolo l'elemento più sensibile della società").
Mozart, "Il flauto magico". Colore dominante: azzurro. Come in "L'apparizione" (1917, Collection's Gordeiev, Mosca), un angelo gigante riempie il cielo blu mentre un uccello (secondo alcuni sorci, un gallo) suona il flauto. Chagall, che nel 1965-1966 aveva disegnato le scene e i costumi per la produzione del Metropolitan Opera del 1967 de Il flauto magico, qui si prende un'amabile libertà con l'opera, in cui lo strumento magico viene dato a Tamino e non all'uomo-uccello Papageno.
Wagner, "Tristano e Isotta". Colore dominante: verde. Appoggiandosi languidamente a Walter e Borgeois "Daphne", la coppia si annida sotto l'Arco di Trionfo, illuminato dal rosso della passione, e Place de la Concorde, due dei soggetti preferiti di Chagall, insieme ad altri monumenti parigini ("La mia arte ha bisogno di Parigi come un albero ha bisogno di acqua", scrisse).
Berlioz, "Roméo et Juliette". Colore dominante: verde. Gli amanti abbracciati sono visti con una testa di cavallo e un "segno di carattere" che ricorda il dipinto di Chagall del 1911 "Il Santo Cocchiere" ("Le Saint voiturier au-dessus de Vitebsk", collezione privata, Krefeld): termina in un nimbo o gloria (.) che incornicia i loro volti.
Rameau, opera non specificata. Colore dominante: bianco. Sulla facciata illuminata del Palais Garnier, anch'essa rossa di passione, la "Danza" di Carpeaux, ricoperta d'oro, assume proporzioni monumentali.
Debussy, "Pelléas et Mélisande". Colore dominante: blu. Sdraiato accanto alla testa di "Clytia" scolpita da Walter e Borgeois, Pelléas osserva Mélisande dalla finestra in una giocosa inversione di ruoli (secondo Jacques Lasseigne, Chagall dotò il suo Pelléas della fisionomia di André Malraux). Sopra di loro, una testa coronata (Re Arkel.).
Ravel, "Daphnis et Chloé". Colore dominante: rosso. Insieme alla pecora (blu) e al tempio del primo atto, la straordinaria figura della coppia siamese ("C'è stato un tempo in cui avevo due teste / C'è stato un tempo in cui questi due visi / si sono rivestiti di rugiada amorosa / E si sono sciolti come la fragranza di una rosa..." - poesia di Chagall), che Chagall aveva già incluso nel sipario che dipinse per l'Opéra nel 1858, e che può essere vista come il completamento dell'osmosi amorosa iniziata in "I+I"." - poesia di Chagall), che Chagall aveva già incluso nel sipario che dipinse per l'Opéra nel 1858, e che può essere vista come il completamento dell'osmosi amorosa iniziata in "The Walk", un dipinto del 1929 che mostra una coppia che cammina in piedi, testa a testa, per strada. Naturalmente è accompagnata da una Torre Eiffel, un motivo ricorrente nei dipinti di Chagall. Nel 1958 Chagall disegnò le scene e i costumi per la rivisitazione di Georges Skibine della coreografia di "Daphnis et Chloé" [3 Nel 1961 illustrò l'edizione dell'editore Tériade del racconto originale, attribuito a Longus.
Stravinsky, "L'uccello di fuoco". Colori dominanti: rosso, verde e blu. In alto a sinistra, il pittore (Chagall) con la sua tavolozza e l'uccello che, curiosamente, è verde; a destra, un angelo musicista il cui violoncello è anche il suo corpo, si trova vicino all'albero magico che contiene l'uccello. In basso ci sono le cupole e i tetti, senza dubbio del castello magico, e un uccello, questa volta rosso, che vola verso una coppia incoronata sotto un baldacchino. Da un lato, una giovane coppia di sposi, un contadino che porta un grande cesto di frutta sulla testa e un'orchestra. La vicinanza della Torre Eiffel (nella sezione Ravel del soffitto) dovrebbe essere considerata un'allusione a "Les Mariés de la Tor Eiffel" (1928). A destra, sopra la testa della "Pomona" di Walter e Borgeois, un violinista si china amorevolmente sul suo strumento. Chagall disegnò le scenografie e i costumi per la produzione del Metropolitan Opera de "L'uccello di fuoco" nel 1945 (coreografia di Massine).
Tchaikovsky, "Il lago dei cigni". Colore dominante: giallo oro. In basso, una donna-cigno su un lago azzurro, appoggiata all'indietro e con in mano un mazzo di fiori; in alto, un sorprendente angelo-musicista, la cui testa e il cui corpo sono un tutt'uno con il suo strumento.
Adams, "Giselle". Colore dominante: giallo oro. La danza dei contadini sotto gli alberi del villaggio alla fine del primo atto.
- Creatore:Marc Chagall (1887 - 1985, Francese)
- Anno di creazione:1980s
- Dimensioni:Altezza: 119,38 cm (47 in)Larghezza: 119,38 cm (47 in)Profondità: 7,62 cm (3 in)
- Tecnica:
- Movimento e stile:
- Periodo:
- Condizioni:
- Località della galleria:Boca Raton, FL
- Numero di riferimento:Venditore: Loho Vetz of Ancaster.1stDibs: LU50411480152
Marc Chagall
Descritto dal critico d'arte Robert Hughes come "l'artista ebreo per eccellenza del XX secolo", il modernista russo-francese Marc Chagall ha lavorato in quasi tutti i mezzi artistici. Influenzato dal Simbolismo, Fauvismo, Cubismo e Surrealismo, sviluppò il proprio stile distintivo, combinando tecniche e motivi d'avanguardia con elementi tratti dall'arte popolare ebraica dell'Europa orientale.
Nato Moishe Segal nel 1887 in Bielorussia (allora parte dell'impero russo), Chagall è spesso celebrato per i suoi dipinti figurativi , ma ha anche prodotto vetrate per le cattedrali di Reims e Metz, in Francia; per le Nazioni Unite, a New York; e per l'ospedale Hadassah di Gerusalemme, oltre a illustrazioni di libri, scenografie, ceramiche, arazzi e stampe fine-art. Caratterizzate da una tavolozza di colori audaci e da immagini stravaganti, le sue opere sono spesso narrative e raffigurano scene di piccoli villaggi e momenti quotidiani della vita contadina, come nel suo ultimo dipinto La fuga in Egitto del 1980.
Prima della Prima Guerra Mondiale, Chagall viaggiava tra San Pietroburgo, Parigi e Berlino. Allo scoppio del conflitto, tornò nella Bielorussia occupata dai sovietici, dove fondò il Vitebsk Arts College prima di partire nuovamente per Parigi nel 1922. Fuggì negli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale ma nel 1947 tornò in Francia, dove trascorse il resto della sua vita. La sua carriera peripatetica ha lasciato il segno nel suo stile, che era decisamente internazionale e incorporava elementi di tutte le culture che aveva sperimentato.
Marc Chagall rimane uno dei talenti più rispettati del secolo scorso: trova le sue opere su 1stDibs.
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