Byron Galves
Pink Lady
1989

Informazioni sull’articolo

Quest'opera d'arte, "Pink Lady" 1989, è un'acrilografia su carta fatta a mano del noto artista messicano Byron Galves, 1941-2009. L'opera è firmata a mano, datata e numerata 64/150 a matita bianca dall'artista. Le dimensioni dell'opera sono 28,5 x 15,5 pollici, le dimensioni del foglio di carta sono 32 x 23,85 pollici, le dimensioni della cornice sono 44 x 36 pollici. Splendidamente incorniciato su misura in una cornice in legno color argento, con supporto viola scuro e smussatura. È in ottime condizioni, il telaio presenta alcuni piccoli restauri, appena visibili. Informazioni sull'artista: Byron Gálvez (28 ottobre 1941 - 27 ottobre 2009) è stato un artista messicano conosciuto principalmente per la sua pittura, ma ha creato anche sculture, tra cui opere monumentali. An He è nato nello stato rurale di Hidalgo, da un padre che suonava musica jazz e leggeva letteratura, una rarità nel Messico rurale degli anni Trenta. Tuttavia, ha esposto Gálvez alla cultura, anche se questo ha portato a un interesse per l'arte visiva piuttosto che per la riflessione o la scrittura. Si è recato a Città del Messico per studiare arte sia a livello universitario che universitario, ma non ha mai completato i suoi studi, scegliendo invece di iniziare la sua carriera dopo i corsi. Prima della sua prima mostra individuale, il suo lavoro fu criticato da Justino Fernández, ma tutti i dipinti furono venduti in anticipo ad acquirenti stranieri tra cui l'attore americano Vincent Price, che definì Gálvez un "Picasso messicano". Gálvez riuscì quindi a sostituire i quarantacinque dipinti per la mostra in una settimana. Da allora ha tenuto mostre individuali e collettive in Messico, negli Stati Uniti e in altre parti del mondo. Negli anni '70 e '80 si concentrò sulla pittura, per la quale è meglio conosciuto, ma passò alla scultura, includendo opere monumentali più tardi nella sua carriera. I riconoscimenti per il lavoro di Gálvez includono la partecipazione al Salón de la Plástica Mexicana, una retrospettiva al Palacio de Bellas Artes e due libri pubblicati sulla sua vita. Gálvez è nato a Mixquiahuala, in Hidalgo, e ha descritto la sua infanzia come felice e non l'avrebbe cambiata. Suo padre, Roberto Gálvez, era un agricoltore e commerciante, appassionato di musica e letteratura, una rarità nel Messico rurale degli anni Trenta. Suo padre suonava il violino nella banda jazz della città, che era composta quasi esclusivamente da strumenti classici, il che la rendeva simile alle bande di New Orleans. Hanno persino composto nuovi pezzi. L'artista prese il nome di Lord Byron e i suoi fratelli, Eliot, Aníbal e Dante, dalle preferenze di lettura del padre. Questo significa che Gálvez è cresciuto in un ambiente che incoraggiava il piacere delle arti. Tuttavia, invece della musica o della letteratura, Gálvez ha dichiarato che i suoi primi ricordi riguardano la sua attrazione per l'arte e che ha sempre voluto essere un pittore. Le difficoltà della vita in fattoria lo convinsero che aveva bisogno di un'istruzione e che avrebbe dovuto trasferirsi a Città del Messico per andare a scuola. All'età di sedici anni lasciò casa per la capitale per studiare pittura alla Escuela Nacional de Artes Plásticas, senza sapere cosa avrebbe comportato lo studio. Il corso è stato molto più rigoroso di quanto si aspettasse, con giornate scolastiche di tredici ore che lasciavano solo i fine settimana per guadagnare i soldi necessari per vivere.[3] Si è laureato dal 1958 al 1962, poi ha continuato con i corsi di laurea dal 1962 al 1964, specializzandosi in pittura. Ha compiuto gran parte dei suoi studi sotto la guida di insegnanti come Luis Nishizawa, Fernando Castro Pacheco, Francisco Moreno Capdevila, Santos Balmori, Antonio Rodríguez Luna e Antonio Ramírez. L'ultimo insegnante gli ha insegnato ad amare lo studio sopra ogni cosa e si è sottoposto al rigore accademico. Questo lo portò ad essere attratto dal Canismo di Picasso e a pensare che l'artista avesse aperto strade che potevano essere percorse e ampliate. Sebbene si specializzasse in pittura, il suo interesse per la scultura era evidente in questo periodo, in quanto fu membro fondatore di un laboratorio di scultura in metallo presso l'istituto insieme ad Armando Ortega e Baltazar Martinez.[2][5] Sebbene avesse completato i corsi, non portò a termine gli altri requisiti necessari per la laurea, scegliendo invece di iniziare la sua carriera. Gálvez si è sposato una volta con la mercante d'arte Eva Beloglovsky. La coppia si è incontrata per la prima volta nel 1973, ma si è rivista solo due anni dopo, quando Beloglovsky ha acquistato uno dei suoi dipinti e ne ha venduti altri due attraverso la sua galleria d'arte. All'inizio era un rapporto di lavoro, poi si è evoluto in un rapporto romantico. Durante il loro matrimonio, hanno lavorato insieme a diversi progetti come presentazioni multimediali e beneficenza. La coppia rimase insieme fino alla morte di Galvez. Sebbene abbia iniziato e sviluppato gran parte della sua carriera a Città del Messico, in tarda età l'artista si trasferì di nuovo nella sua città natale rurale. Gálvez costruì una casa e uno studio sul bordo di un burrone in cui scorre il fiume Moctezuma. La struttura ha pareti di vetro posizionate in modo da ottenere la massima luce e una vista privilegiata su un punto di riferimento locale, una collina chiamata El Elefante. Il lavoro di Gálvez comprendeva pittura, scultura, incisione, litografia e disegno.[4] Per Galvez, l'arte era spirituale e scollegata dalla logica fisica, quando contava solo l'estetica. Le figure femminili sono comuni e spesso sono sensuali. Il suo lavoro è stato influenzato dal cubismo di Picasso e Georges Braque, dall'arte popolare africana e oceanica e dalla scultura Pre-Columbian. An preferisce le opere in grande scala, spesso più grandi di un metro e mezzo per un metro e mezzo. An He dipingeva ascoltando musica classica, jazz e, occasionalmente, rock. Il lavoro di Galvez ha attraversato periodi in cui hanno dominato diverse correnti artistiche, tra cui l'espressionismo, l'arte astratta e miscele di entrambi. Nel suo lavoro ha cercato di raggiungere un equilibrio tra espressione figurativa e astratta. La prima fase della sua pittura è stata l'espressionismo figurativo, poi l'espressionismo astratto, sotto la forte influenza di Carlos Mérida, Rufino Tamaho, Santos Balmori, Kandinsky, Wifredo Lam e Picasso, oltre che di alcuni pittori classici come Rembrandt e Caravaggio. In seguito, per qualche tempo, ha praticato l'arte astratta, ma poi ha sentito il bisogno di disegnare nuovamente corpi umani, soprattutto femminili, perché sentiva che gli permetteva di esprimersi meglio. Intorno al 1980, passò al figurativismo geometrico, segnato dalla mostra "Woman" al Museo d'Arte Moderna. Questo è stato anche descritto come "puro costruttivismo cromatico". An si considerava principalmente uno scultore e dipingeva in quel modo. Le opere di Byron Galves sono conservate in numerose collezioni aziendali e private. Galvez è morto all'età di 67 anni all'Ospedale Inglés Observatorio per un attacco di cuore. Le sue ceneri sono state deposte un anno dopo la sua morte a lato di una delle sculture nella sua casa di Mixquiahuala. Nel corso della sua carriera ha esposto individualmente e collettivamente in oltre sessanta sedi in Messico, in varie città degli Stati Uniti, in Europa e in America Latina. Nel 1964 tenne la sua prima mostra individuale presso la ENAP Gallery, dopo aver partecipato a mostre collettive presso il Palacio de Bellas Artes e gallerie private insieme a pittori più importanti come José Chávez Morado, Alfredo Zalce, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Carlos Orozco Romero e David Alfaro Siqueiros. Prima dell'inaugurazione di questa mostra, il suo lavoro è stato duramente criticato dallo storico dell'arte Justino Fernández. Nonostante ciò, i dipinti per la mostra furono acquistati in anticipo, soprattutto dall'attore americano Vincent Price, che definì Gálvez un "Picasso messicano". I dipinti furono portati fuori dal paese una settimana prima della mostra, ma Gálvez non era preoccupato di non avere i dipinti per la mostra, piuttosto era soddisfatto che il suo lavoro fosse riconosciuto e supportato. Dopo questa mostra individuale, Gálvez ne ha realizzate altre 55 nel corso della sua carriera e ha partecipato ad altre 75 mostre collettive. Tra le mostre più importanti ricordiamo la collettiva Solar 68 al Palacio de Bellas Artes (1968), le Sterenberg Galleries di Chicago (1972), Eye Corporation in varie città degli Stati Uniti (1973), Polyforum Cultural Siqueiros (1978), Museo de Arte Moderno di Città del Messico (1982), Harcourts Contemporary Gallery di San Francisco (1983, 1990), Art-Forum Gallery di Città del Messico (1984), Bishop Gallery di Phoenix (1989), Merryl Chase Gallery di Washington (1991, 1992), Suhan Galleries di San Diego (1992), Misrachi Gallery (1994) e San Francisco Theater di Pachuca (1995).[4][2] Dopo la sua morte, la Secretaría de Relaciones Exteriores ha sponsorizzato una mostra delle sue opere a Tainan, Taiwan, nel 2011. Le sue opere si trovano in importanti collezioni sia in Messico che negli Stati Uniti. La richiesta più forte è stata per le sue opere figurative, soprattutto quelle realizzate negli ultimi anni della sua vita. Gálvez ha realizzato anche murales e sculture, sia piccole che monumentali. Il suo primo murale è stato scolpito nel 1968 a Los Angeles. Tuttavia, la maggior parte delle sue opere monumentali è stata prodotta più tardi nella sua carriera, quando si è concentrato sulla pittura negli anni Settanta e Ottanta. Tra questi, un murale presso il Conservatorio Nazionale di Musica di Città del Messico (1970), una scultura alta trenta piedi nell'Unidad Morelos di Città del Messico (1971), un trittico in rame martellato a mano per una residenza privata a Città del Messico (1984), una porta scolpita per una residenza privata (1985), una scultura per una casa privata a New York (1986), Torso reclinato presso l'Hotel Nikko Mexico (1998), Torso I, una scultura alta un metro e mezzo per la città di Pachuca (1999), Torso II, una scultura alta un metro e mezzo per l'Altiva Building di Città del Messico (1999), Millenium, una scultura/fontana in bronzo all'ingresso dell'autostrada di Pachuca (2000), un giardino di sculture per Mixquiahuala, Hidalgo (2005) e il piano generale e il mosaico centrale per il David Park Cultural di Pachuca (2007). Il progetto del parco, l'ultimo prima della sua morte, comprendeva non solo la creazione del mosaico centrale, il più grande murale pedonale del mondo con un'altezza di 345.000 metri, ma anche la progettazione del parco stesso di 65 acri. Le sue altre attività comprendono l'insegnamento del disegno presso la sua università, la creazione di un programma per il ministero della radio del Messico nel 1973, la partecipazione a un documentario sulla litografia in Messico nel 1980 e la creazione di diversi programmi speciali per l'ufficio Radio, Televisione e Cinematografia. Nel 1995 è stato nominato membro del Consejo Nacional de Arte y Cultura dello stato di Hidalgo. Nel 1997 ha partecipato a uno scambio culturale con la Fondazione Valparaíso in Spagna. Galvez ha ricevuto più di quindici premi e tributi onorari durante la sua vita. Tra i riconoscimenti per il suo lavoro ci sono il primo premio di scultura in un concorso organizzato dall'azienda Ford nel 1966, il primo premio di scultura dell'Instituto Nacional de Juventud nel 1967, la menzione d'onore in un concorso promosso dalla Comisión Federal de Acero di Città del Messico (1971) e il primo posto al Salon Annual de la Plástica Mexicana di Città del Messico nel 1972, 1975 e 1986. Nel 1968 diventa membro del Salón de la Plástica Mexicana. Nel 1996, il Palacio de Bellas Artes ha organizzato una retrospettiva intitolata Semblanza de 30 años. Due libri pubblicati sulla sua vita nel 1982 e nel 1997. Dopo la sua morte, la sua città natale gli ha intitolato il centro culturale e il governatore dello stato gli ha conferito una medaglia al merito postuma.

Creatore:

Byron Galves (1941 - 2009, Messicano)

Anno di creazione:

1989

Dimensioni:

Altezza: 111,76 cm (44 in)Larghezza: 91,44 cm (36 in)Profondità: 3,81 cm (1,5 in)

Movimento e stile:

Moderno

Periodo:

Fine XX secolo

Condizioni:

Località della galleria:

San Francisco, CA

Numero di riferimento:

Venditore: gal/pin/wom/011stDibs: LU666315796312

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Linea temporale 1911 - Nasce a Lanús, Argentina. 1919 - Si trasferisce in Brasile. 1921 - Il nome Carybé gli viene dato per la prima volta dal gruppo di scout del Clube do Flamengo, a Rio de Janeiro. 1925 - Inizia la sua attività artistica, frequentando il laboratorio di ceramica del fratello maggiore, Arnaldo Bernabó, a Rio de Janeiro. 1927-1929 - Studia alla Scuola Nazionale di Belle Arti di Rio de Janeiro. 1930 - Lavora per il giornale Noticias Gráficas, a Buenos Aires, Argentina. 1935-1936 - Lavora con lo scrittore Julio Cortázar e come disegnatore per il quotidiano El Diario. 1938 - Inviato in Salvador dal giornale Prégon. 1939 - Prima mostra collettiva, con l'artista Clemente Moreau, al Museo di Belle Arti della Città di Buenos Aires, Argentina; illustra il libro Macumba, Relatos de la Tierra Verde, di Bernardo Kardon, pubblicato da Tiempo Nuestro. 1940 - Illustra il libro Macunaíma, di Mário de Andrade. 1941 - Disegna l'Almanacco Esso, il cui pagamento gli permette di intraprendere un lungo viaggio attraverso Uruguay, Brasile, Bolivia e Argentina. 1941-1942 - Viaggio di studio in diversi paesi del Sud America. 1942 - Illustrazione per il libro La Carreta di Henrique Amorim, pubblicato da El Ateneo (Buenos Aires, Argentina). 1943 - Insieme a Raul Brié, traduce in spagnolo il libro Macunaíma, di Mário de Andrade; realizza le illustrazioni per le opere Maracatu, Motivos Típicos y Carnavalescos, di Newton Freitas, pubblicate da Pigmaleon, Luna Muerta, di Manoel Castilla, pubblicata da Schapire, e Amores de Juventud, di Casanova Callabero; pubblica e illustra anche Me voy al Norte, per la rivista trimestrale Libertad Creadora; ha ricevuto il Primo Premio dalla Cámara Argentina del Libro (Consiglio del Libro Argentino) per l'illustrazione del libro Juvenília, di Miguel Cané (Buenos Aires, Argentina). 1944 - Illustra i libri The Complete Poetry of Walt Whitmann e A Cabana do Pai Tomás, entrambi pubblicati da Schapire; e Los Quatro Gigantes del Alma di Mira y Lopez, Salvador BA; frequenta corsi di capoeira, visita riunioni di candomblé e realizza disegni e dipinti. 1945 - Realizza le illustrazioni per Robinson Crusoe di Daniel Defoe, per la casa editrice Viau. 1946 - Aiuta a fondare il giornale Tribuna da Imprensa, a Rio de Janeiro. 1947 - Lavora per il giornale O Diário Carioca, a Rio de Janeiro. 1948 - Realizza testi e illustrazioni per il libro Ajtuss, Ediciones Botella al Mar (Buenos Aires, Argentina). 1949-1950 - Invitato da Carlos Lacerda a lavorare presso la Tribuna da Imprensa, a Rio de Janeiro. 1950 - Invitato dal Segretario all'Educazione Anísio Teixeira, si trasferisce a Bahia e realizza due pannelli per il Centro Educativo Carneiro Ribeiro (Park School), a Salvador, Bahia. 1950-1997 - Si stabilisce a Salvador, Bahia. 1950-1960 - Partecipa attivamente al movimento di rinnovamento delle arti plastiche, insieme a Mário Cravo Júnior, Genaro de Carvalho e Jenner Augusto. 1951 - Realizza testi e illustrazioni per le opere della Coleção Recôncavo, pubblicata dalla Tipografia Beneditina e illustrazioni per il libro Bahia, Imagens da Terra e do Povo, di Odorico Tavares, pubblicato da José Olímpio a Rio de Janeiro; per quest'ultima opera riceve la medaglia d'oro alla I Biennale del Libro e delle Arti Grafiche. 1952 - Realizza circa 1.600 disegni per le scene del film O Cangaceiro, di Lima Barreto; lavora anche come direttore artistico e come comparsa nel film (São Paulo, SP). 1953 - Illustrazioni per il libro A Borboleta Amarela, di Rubem Braga, pubblicato da José Olímpio (Rio de Janeiro, RJ). 1955 - Illustra l'opera O Torso da Baiana, edita dal Museo d'Arte Moderna di Bahia. 1957 - Realizza incisioni, con disegni originali, per l'edizione speciale di Macunaíma di Mário de Andrade, pubblicata dalla Sociedade dos 100 Bibliófilos do Brasil. 1958 - Realizza un murale a olio per l'ufficio Petrobras di New York, USA; illustra il libro As Três Mulheres de Xangô, di Zora Seljan, pubblicato da Editora G. 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(Rio de Janeiro, RJ); riceve una borsa di studio a New York, USA. 1959 - Partecipa al concorso per il progetto dei pannelli dell'Aeroporto Internazionale di New York, a New York, USA, vincendo il primo e il secondo premio. 1961 - Illustra il libro Jubiabá, di Jorge Amado, pubblicato da Martine Fontes (San Paolo, SP). 1963 - Viene insignito del titolo di cittadino onorario di Salvador, Bahia. 1965 - Illustra A Muito Leal e Heróica Cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, pubblicato da Raymundo Castro Maya (Rio de Janeiro, RJ). 1966 - Con Jorge Amado, è coautore di Bahia, Boa Terra Bahia, pubblicato da Image (Rio de Janeiro, RJ); scrive e illustra il libro Olha o Boi, pubblicato da Cultrix (São Paulo, SP). 1967 - Riceve il Premio Odorico Tavares - Miglior Artista Plastico del 1967, in un concorso indetto dal governo statale per stimolare lo sviluppo delle arti plastiche a Bahia; realizza i Pannelli Orixás per il Banco da Bahia (attualmente al Museo Afro-Brasiliano UFBA) (Salvador, BA). 1968 - Illustra i libri Carta de Pero...

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