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(after) Sonia DelaunayDelaunay - Farbkompositionen - PochoirC.1930
C.1930
Angaben zum Objekt
Nach Sonia Delaunay - Farbkompositionen - Pochoir
Abmessungen: 32 x 24 cm.
Von DELAUNAY, Sonia (1885-1979). Farbige Kompositionen. Paris
Éditions d'Art Charles Moreau.
Sonia Delaunay war bekannt für ihre lebhafte Verwendung von Farben und ihre kühnen, abstrakten Muster. Als Künstlerin, Designerin und Grafikerin durchbrach sie die traditionellen Grenzen zwischen den schönen und den angewandten Künsten.
Sarah Stern wurde am 14. November 1885 in Gradizhsk in der Ukraine geboren und 1890 von ihrem Onkel mütterlicherseits, Henri Terk, einem Rechtsanwalt in St. Petersburg, adoptiert, wo sie aufwuchs und sich mit Musik und Kunst beschäftigte und mehrere Fremdsprachen lernte. 1903 zog sie nach Deutschland, um an der Karlsruher Akademie der Bildenden Künste bei Ludwig Schmidt-Reutler (1863-1909) Zeichnen zu studieren; auch der angehende Komponist Arnold Schönberg (1874-1951) gehörte dort zu ihren Klassenkameraden. 1905 reiste sie nach Paris, wo sie an der Académie de la Palette Kunstunterricht nahm, bei Rudolf Grossman (1889-1941) die Druckgrafik erlernte und Amédée Ozenfant (1886-1966), André Dunoyer de Segonzac (1884-1974) und Jean-Louis Boussingault (1883-1943) kennenlernte. Sonia verbringt einen Großteil ihrer Zeit auf Ausstellungen und in Galerien in Paris, die Werke von Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Pierre Bonnard und Edouard Vuillard sowie von Les Fauves, Henri Matisse und André Derain zeigen. Sie hielt jedoch den Kontakt zu Deutschland aufrecht und stellte 1913, 1920 und 1921 in der Galerie Der Sturm in Berlin aus.
In ihrem ersten Jahr in Paris lernte Sonia den deutschen Sammler und Kunsthändler Wilhelm Uhde (1874-1947) kennen, den sie am 5. Dezember 1908 heiratete und in dessen Galerie Notre-Dame des Champs in Montparnasse ihre erste Einzelausstellung stattfand. Durch Uhde begegnete Sonia vielen Malern, darunter Pablo Picasso, Georges Braque, Maurice de Vlaminck und Robert Delaunay (1885-1941). 1910 ließ sich Sonia einvernehmlich von Uhde scheiden, heiratete noch im selben Jahr Delaunay und brachte im Januar 1911 den gemeinsamen Sohn Charles zur Welt.
Gemeinsam widmeten sich Sonia und Robert Delaunay dem Studium der Farbe, beeinflusst durch die Theorien von Michel-Eugène Chevreul (1786-1889). Sonias Interesse am Simultankontrast, das sich in ihren frühen Collagen, Bucheinbänden, kleinen bemalten Schachteln, Kissen, Westen und Lampenschirmen zeigt, führte zu einem ihrer ersten großformatigen Werke, dem Gemälde des Bal Bullier (1912-1913), eines beliebten Pariser Tanzlokals. Aus dieser Zeit stammen Sonias erste "Simultankleider", eine Mischung aus Quadraten und Dreiecken aus Taft, Tüll, Flanell, Moiré und Seidenschnüren.
Die Freundschaft mit dem Dichter Blaise Cendrars (1887-1961) führte zu Sonias farbigem Stoffeinband für sein Gedicht Pâques à New York (1912) und zu ihrer Mitarbeit an einem akkordeonartigen Buch mit Cendrars' Langgedicht La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France (1913), dessen einzigartiges Format, eine fast zwei Meter lange vertikale Schriftrolle, von der Faszination der Delaunays für den Eiffelturm inspiriert worden sein soll. Weitere Aspekte des modernen städtischen Lebens, die Sonia zu ihrer Arbeit inspirierten, waren die elektrischen Straßenlaternen (Prismes électriques, 1914) und die Werbung, obwohl die verschiedenen Studien, die sie für Projekte für Chocolat, Zenith und Le Rêve Gasöfen anfertigte, alle unrealisiert blieben.
Als 1914 der Erste Weltkrieg erklärt wird, hält sich Sonia Delaunay mit ihrem Mann in der baskischen Grenzstadt Fuenterrabía auf und kehrt erst 1920 nach Paris zurück. Während dieser Zeit reisten sie nach Madrid und in das portugiesische Dorf Vila do Condo sowie nach Valença da Minho, wo sie Stillleben und Marktszenen malte. Während ihres Aufenthalts in Madrid interessierte sie sich für Flamenco-Sängerinnen und -sänger und setzte ihre Arbeiten zu diesem Thema in Portugal fort (Flamenco Singer, 1916). Sonia Delaunay behauptete, das Leben auf der Iberischen Halbinsel habe ihr die Augen für den Ursprung des Lichts geöffnet.
Sie ließ sich in Madrid nieder und begann, sich neben dem Entwerfen von Kleidern und Kostümen auch mit Inneneinrichtung zu beschäftigen (Casa Sonia). 1918 beauftragte Serge Diaghilev (1872-1929) sie mit den Kostümen für eine Produktion der Ballets Russes von Cléopatre, die in London Premiere hatte. Die Sopranistin Aga Lahovska überredet Delaunay, die Kostüme für eine Inszenierung der Oper Aida im Liceo in Barcelona zu entwerfen. Nach der Aida wurde sie eingeladen, einen neuen Nachtclub, das Petit Casino, zu dekorieren, der in einem umgebauten Theater in Madrid eröffnet werden sollte. Zwischen 1918 und 1935 gab sie die Malerei praktisch auf, als sie mit dem Ausbruch der russischen Revolution 1917 die finanzielle Unterstützung ihrer Verwandten in St. Petersburg verlor.
Als Sonia und Robert Delaunay 1920 nach Paris zurückkehrten, nahmen sie eine Wohnung am Boulevard Malesherbes 19, die Sonia komplett mit selbst entworfenen Möbeln einrichtete - die meisten Stücke befinden sich heute im Musée des Arts Décoratifs in Paris. Das Delaunay-Haus stand den Mitgliedern der dadaistischen und surrealistischen Gruppen offen: Tristan Tzara (1896-1963), Philippe Soupault (1897-1990), André Breton (1896-1982), Louis Aragon (1897-1982), René Crevel (1900-1935), usw. Delaunays Freundschaft mit Tzara dauerte mehr als vierzig Jahre: Sie lancierten die berühmten "Gedichtkleider" (Worte und Farben in immer neuen Beziehungen durch Körperbewegung), und im Juli 1923 entwarf Delaunay die Kostüme für Tzaras Stück Coeur à gaz, das im Rahmen eines experimentellen Theaterabends mit Musik von Georges Auric (1899-1983) und Crevel in einer der Rollen aufgeführt wurde.
Delaunays Engagement für Stoffe begann bereits 1923 mit mehr als fünfzig Entwürfen, die sie einem Seidenhersteller in Lyon zur Verfügung stellte. Im Jahr 1924 gründete sie ihr eigenes Unternehmen mit vier Direktoren, darunter der bekannte Modeschöpfer und Kürschner Jacques Heim (1899-1967). Ihren größten Erfolg hatte sie 1925 auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, für die sie ihre Boutique Simultanée entwarf und dekorierte, die sie mit Hilfe von Heim führte.
Sonia Delaunay war bis zur Weltwirtschaftskrise 1930 außerordentlich produktiv; ihre Arbeiten wurden in London bei Liberty's und in New Yorker Kaufhäusern bekannt, ganz zu schweigen von ihrer 1925 begonnenen, profitablen Zusammenarbeit mit dem Amsterdamer Kaufhaus Metz & Co. Sie entwirft nicht nur Stoffe und Mode, sondern auch Teppiche, Paneele und Handtaschen, sowie die Kostüme für zwei Filme: Vertige, unter der Regie von Marcel L'Herbier (1888-1979), und Le p'tit Parigot von René Le Somptier (beide 1926). Aufgrund ihrer Bekanntheit für ihre Stoffe und Kleider wurde sie eingeladen, am 27. Januar 1927 an der Sorbonne einen Vortrag über "Der Einfluss der Malerei auf die Bekleidungskunst" zu halten, in dem sie die revolutionäre Idee des Prêt-à-porter (Konfektionskleidung) vorstellte.
In den 1930er Jahren verbrachte Sonia Delaunay ihr Leben mit Modedesign, Zeitschriftenartikeln, Innendekoration, Schaufenster- und Plakatentwürfen. 1937 bittet die Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne, die von der Volksfrontregierung von Léon Blum (1872-1950) unterstützt wird, die Delaunays um ihre Beteiligung an der Dekoration von zwei temporären Ausstellungsgebäuden: dem Pavillon des Chemins de Fer und dem Palais de l'Air. Voyages lointains und Portugal, die Sonia für den Eisenbahnpavillon malte, wurden mit einer Goldmedaille ausgezeichnet.
Die Delaunays waren glühende Verfechter der abstrakten Kunst: Sie wurden 1931 Mitglieder der Gruppe Abstraction-Création und organisierten 1939 den ersten Salon des Réalités Nouvelles. Nach dem Tod ihres Mannes im Jahr 1941 setzte Sonia ihre tatkräftige Unterstützung der abstrakten Kunst fort, während sie Roberts Ruf mit einer Reihe von Ausstellungen seiner Werke und Vermächtnissen seiner und ihrer Werke an öffentliche Einrichtungen wiederherstellte. In den 1950er Jahren beginnt Delaunay, ihre eigenen Werke wieder auszustellen, insbesondere in der Galerie von Colette Allendy in Auteuil. Im Jahr 1953 veranstaltet die Galerie Bing eine Einzelausstellung, die ihr neue Aufmerksamkeit verschafft, und sie ist auch bei Ausstellungen in Paris (Musée National d'Art Moderne und Galerie Suzanne Michel) und Rom vertreten. Im Jahr 1955 zeigte die Rose Fried Gallery in New York ihre erste Einzelausstellung in den Vereinigten Staaten. Im folgenden Jahr hatte sie Ausstellungen in Grenoble, Havanna, Venedig, Rom und Mailand. Im Jahr 1958 veranstaltete das Städtische Kunsthaus in Bielefeld eine große Ausstellung ihrer Werke, die rund 260 Arbeiten umfasste, und danach nahm sie regelmäßig an Ausstellungen teil, die den Werken der Moderne gewidmet waren.
1964 wurde Delaunay als erste lebende Künstlerin mit einer Retrospektive im Louvre ausgestellt, dank ihrer Schenkung von 117 Werken von ihr und Robert (Schenkung Delaunay). Im März 1965 schickt sie eine Gouache und ein Öl zum Salon des femmes peintres, einer Ausstellung, die ausschließlich Malerinnen vorbehalten ist. Im Juli 1965 begann sie zusammen mit Jacques Damase (geb. 1931) die Arbeit an einem Buch mit Gedichten und Pochoiren, für das sie Dokumente aus Roberts Sammlung von Gedichten seiner Freunde verwendete, die sich in ihrem Besitz befanden. Es erschien unter dem Titel Rhythmes-Couleurs, mit einem Vorwort von Michel Hoog.
Eine der ersten bedeutenden Ausstellungen von Delaunays Werk, die 1965 in Paris nach ihrer Begegnung mit Damase stattfand, hieß "L'Expo 1925" im Musée des Arts Décoratifs, wo ein ganzer Saal ihren Stoffentwürfen und Kleidern gewidmet war. 1967 wurde ihr mit Hilfe von Damase die vielleicht größte Ehre zuteil: eine umfassende Retrospektive ihres Werks, die fast zweihundert Werke umfasste, im Musée National d'Art Moderne.
Als Sonia Delaunay am 5. Dezember 1979 zu Hause in Paris starb, hatte sie bereits die Ehrenlegion erhalten und das Plakat für das Internationale Jahr der Frau der UNESCO gemalt (beides 1975), an den Kostümen für eine Inszenierung der Comédie-Française mitgearbeitet (Luigi Pirandellos Sechs Figuren auf der Suche nach einem Autor, 1978) und an der Paris-Moskau-Ausstellung im Centre Pompidou teilgenommen (1979), für die sie 1976 ihr gesamtes grafisches Werk gestiftet hatte. Ihre Anerkennung als Künstlerin war so groß, dass Präsident Georges Pompidou (1911-1974) bei einem offiziellen Besuch in den Vereinigten Staaten eines der Gemälde von Sonia Delaunay als Geschenk der französischen Regierung mitbrachte
- Schöpfer*in:(after) Sonia Delaunay (1885, Französisch)
- Entstehungsjahr:C.1930
- Maße:Höhe: 32 cm (12,6 in)Breite: 24 cm (9,45 in)Tiefe: 1 mm (0,04 in)
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Collonge Bellerive, Geneve, CH
- Referenznummer:1stDibs: LU16123091603
(after) Sonia Delaunay
Sonia Delaunay war eine französische ukrainische Malerin des 19. Jahrhunderts, die für ihre Auseinandersetzung mit dem Simultanismus und ihre Beiträge zur Bewegung des Orphismus bekannt war. Der Simultanismus, also die Gleichzeitigkeit der Farbkontraste, ist eine Unterkategorie des Orphismus, auf die sich Sonia und ihr Mann spezialisiert haben. Ihr abstrakter und kubistischer Kunststil experimentierte oft mit der Wahrnehmung von Farben in verschiedenen Lichtverhältnissen, Schichten und Medien. Guillaume Appollinaire, ein berühmter Kunstkritiker, lobte die Kunst von Frau Delaunay für ihre, wie er sagte, musikalischen und poetischen Qualitäten - Qualitäten, die von Natur aus für die Bewegung des Orphismus bestimmend sind. Delaunay dekorierte ein Haus, entwarf Möbel und ließ sogar eine Boutique nach ihrer Mode einrichten. Sie schuf auch einige einst sehr beliebte Textilmuster - ihr stark von ukrainischen Kleidungsstücken und der ukrainischen Kultur inspirierter Stil wurde von vielen gelobt. Sie war sogar so anerkannt, dass sie 1964 als eine der ersten Frauen eine "retrospektive Ausstellung" (Tate Modern, 2021) im Louvre erhielt. Zwei ihrer bemerkenswertesten Werke sind Electric Prisms von 1914 und Yellow Nude von 1908. Delaunay ignoriert die Notwendigkeit, ihr Publikum mit einer normativen Schönheitsästhetik zufrieden zu stellen, und konzentriert sich darauf, ihr Publikum mit ihrem kühnen Einsatz von Farben und lebhaften Kontrasten zu begeistern.
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