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Marc ChagallDecke des Pariser Opernhauses1980s
1980s
Angaben zum Objekt
Decke des Pariser Opernhauses
Dies ist ein Druck, der von Center Art Galleries-Hawaii, Inc. Sie können den Namen googeln, um ein Gefühl für den Rechtsstreit um diesen Hersteller zu bekommen, der Drucke herstellte und sie als echt ausgab.
Der Wert liegt in der schönen Rahmung. Bitte beachten Sie die Versandkosten, da das Stück sehr groß ist (Rahmen ist 47" x 47").
1960 beauftragte der Kulturminister André Malraux in einer für die damalige Zeit ebenso kühnen wie spektakulären Geste Marc Chagall mit der Bemalung einer neuen Decke für die Opéra. Trueing: Es gab einen Präzedenzfall aus jüngerer Zeit, nämlich das eher misslungene Deckengemälde von George Braque für den Salle HENRY II im Louvre aus dem Jahr 1952. Ein Jahr später beauftragte Malraux André Masson mit der Gestaltung einer Decke für das Théâtre de l'Odéon. War dies ein Versuch, die von Charles Garnier geschaffene geordnete, aber geschlossene Welt zu zerschlagen? Ein Mediencoup in einer Zeit, in der die Medien die Welt eroberten.
Ein Akt des Sakrilegs. Chagalls Gemälde überdeckte nun das Werk eines anderen Künstlers, der wie alle Pompiers (wie die akademischen Maler des neunzehnten Jahrhunderts genannt wurden) in Ungnade gefallen war. (Allerdings sollte er dort nicht lange bleiben: weniger als zwei Jahrzehnte später wurde Lenepveus Entwurf die Ehre zuteil, das neue Musée d'Orsay zu schmücken.) Die Aktion war ein Sakrileg, vor allem im Hinblick auf das Harmonieprinzip von Garnier, das von allen Künstlern, die unter ihm arbeiteten, und bis zu einem gewissen Grad auch von Carpeaux befolgt wurde. Aber dann war Garnier natürlich nicht mehr da, um die Einheit seines Palastes der Träume zu bewahren.
Die Decke von Chagall hat das Palais Garnier zweifelsohne wieder in Mode gebracht. So wie zwanzig Jahre später Burens Säulen den Blick auf den Palais-Royal lenkten, den die Pariser völlig vergessen hatten, und eine große Verbesserung gegenüber dem Parkplatz darstellten, der seinen Innenhof jahrzehntelang entehrt hatte, ohne dass es jemanden zu interessieren schien. Genauso wie dreißig Jahre später Peis Pyramide den Louvre zu einem internationalen Gesprächsthema machte: Nicht, dass es dem Museum an Berühmtheit mangelte, aber dieser relativ unbedeutende architektonische Eingriff sorgte dafür, dass das Programm "Grand Louvre" weltweit in den Medien große Beachtung fand. Wie auch immer man zu ihren künstlerischen Vorzügen stehen mag, es lässt sich nicht leugnen, dass diese drei "Gesten" in Bezug auf die Kommunikation sehr erfolgreich waren. Und das, so scheint es, war Malraux' Hauptanliegen an der Opéra.
Ebenso brachten alle drei Interventionen sowohl ein Element der Kontinuität als auch des Bruchs mit sich. Peis Pyramide bricht zwar mit den Renaissance- und Napoleon-III-Fassaden des Louvre, erinnert aber an den Obelisken am Place de la Concorde. Die Säulen von Buren knüpfen eindeutig an die Kolonnade der Galerie d'Orléans an, auch wenn sie abgeschnitten und gestreift sind; und die Decke von Chagall bricht zwar unbestreitbar mit der Harmonie des Zuschauerraums, steht aber in vielerlei Hinsicht in tiefer Kontinuität mit dem Werk von Garnier (Chagall war ein aufmerksamer Leser von "Le Nouvel Opéra").
Zunächst einmal führt Chagall mit seinen scharfen, frischen Farbtönen - seinen "bewundernswerten prismatischen Farben" (André Breton) - die Wiedereinführung der Farbe, die für Garnier so wichtig war, fort und vollendet sie. Chagalls eigene Gabe für Farben hatte er entdeckt, als er nach Paris kam: "In Russland ist alles dunkel, braun, grau. Als ich nach Frankreich kam, war ich beeindruckt von den schimmernden Farben, dem Spiel des Lichts, und ich fand, wonach ich blindlings gesucht hatte, diese Verfeinerung der Materie und die ungehemmte Farbe." In Paris "wurden die Dinge, die Natur, die Menschen von dieser 'Lichtfreiheit' erleuchtet und schienen in einem Farbbad zu baden". Außerdem vervollständigt diese Decke das "Pantheon" des Palais Garnier, das berühmte Komponisten aus allen Epochen vereint.
Auf diese Weise werden einige Zeitgenossen des Architekten, wie Wagner und Berlioz, die in seinem ikonografischen Programm "übersehen" wurden, hinzugefügt (Verdi war der einzige lebende Komponist, der bei der Einweihung 1875 mit einer Statue vertreten war). Außerdem werden einige bedeutende Komponisten des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts vorgestellt, darunter drei Vertreter der relativ jungen russischen Schule (die in Frankreich bis zur Zeit Diaghilews unbekannt war). Darüber hinaus erinnert Chagall an diese Komponisten durch einen "Olymp" von Figuren aus ihren Opern. Wie sich die Leser erinnern werden, war "Olympus" Garniers Oberbegriff für Theaterdecken.
Chagall war ein lyrischer Maler, und die Korrespondenz, die Sympathie, die seine Decke mit dem Gebäude von Garnier verbindet, geht tiefer als man denkt. Chagalls Malerei ist, um das Wort von Guillaume Apollinaire zu gebrauchen, der 1912 zum ersten Mal das Atelier des Künstlers in La Ruche besuchte, "übernatürlich" (diese Welt sollte später durch "surrealistisch" ersetzt werden), und so ist auch Garniers verwunschener Palast. Chagall war ein religiöser, ja mystischer Geist, für den die Liebe die Kraft war, die alles im Universum zusammenhielt und bewegte, dessen Geschöpfe und Objekte Teil einer Gesamtbewegung ohne Oben oder Unten, ohne Schwerkraft oder Widerstand waren - perfekt, um eine Operndecke zu malen!
Mehr noch, Chagall fühlte sich von einem Ideal des totalen Theaters angezogen. Schon in seiner Heimatstadt Witebsk hatte er während seiner kurzen Amtszeit als Direktor der Akademie der Schönen Künste die kommunistische Führung empört, als er alle örtlichen Maler dazu brachte, ihm bei der Dekoration mit grünen Kühen und fliegenden Pferden zur Feier des ersten Jahrestages der Oktoberrevolution zu helfen. Und als er zwischen 1919 und 1921 an der Renovierung des Jüdischen Staatstheaters in Moskau arbeitete, umfasste seine Vision den gesamten Zuschauerraum, so dass die Zuschauer von Tafeln umgeben waren, deren Design die Bühnenbilder und Kostüme auf der Bühne widerspiegelte. Totales Theater, genau wie Garnier. Wie er träumte auch Marc Chagall von einem Theater, in dem Kulisse und Handlung eine Einheit bilden.
Chagall weigerte sich, für seine Decke bezahlt zu werden. Der Staat übernahm nur die MATERIAL-Kosten für die Arbeiten, die zwischen Januar und August 1964 ausgeführt wurden. Der Maler arbeitete im Musée des Gobelin, dann in dem von Gustav Eiffel errichteten Atelier in Meudon (das später ein Luftfahrtmuseum wurde) und schließlich in Vence. Die Chagall-Decke wurde am 23. September 1964 eingeweiht.
Die Decke besteht aus zwölf Leinwänden und einer runden zentralen Platte mit einer Gesamtfläche von etwa zweihundertvierzig Quadratmetern, die auf einer Kunststoffstruktur montiert sind.
ZENTRALPANEL
Im Uhrzeigersinn, von der rechten Seite der Bühne aus, werden auf der mittleren Tafel die folgenden Komponisten und Werke genannt:
Bizet, "Carmen". Dominante Farbe: rot. Carmen mit Stierkampfarena, einem Stier und einer Gitarre.
Verdi, Werk nicht angegeben, möglicherweise "La Traviata". Dominante Farbe: gelb. Hinter einem jungen Paar hält ein bärtiger Mann (Germonts Vater) eine halb entrollte Schriftrolle.
Beethoven, "Fidelio". Dominierende Farben: Blau und Grün. Leonoras Bewegung in Richtung des blauen Kavaliers, der sein Schwert schwingt.
Gluck, "Orpheus und Eurydike". Dominante Farbe: grün. Eurydike spielt die Leier (das Instrument des Orpheus) und ein Engel bietet Blumen an.
HAUPTPANEL
Moussorgski, "Boris Godunow". Dominante Farbe: blau. In der Mitte sitzt der Zar auf seinem Thron und trägt die Insignien der Macht; über ihm sehen wir einen geflügelten, monsterköpfigen Ruhm und, in Grün, die Stadt Moskau; rechts, auf der anderen Seite der "Hebe" von Walter und Borgeois, im Zentrum der Szene, das Volk (Chagall: "Ich halte das Volk für das empfindlichste Element der Gesellschaft").
Mozart, "Die Zauberflöte". Dominante Farbe: hellblau. Wie in "Die Erscheinung" (1917, Sammlung Gordejew, Moskau) füllt ein riesiger Engel den blauen Himmel, während ein Vogel (nach einigen Sagen ein Hahn) Flöte spielt. Chagall, der 1965-1966 die Bühnenbilder und Kostüme für die Inszenierung der Zauberflöte an der Metropolitan Opera von 1967 entwarf, nimmt sich hier eine liebenswerte Freiheit mit der Oper, in der das Zauberinstrument Tamino und nicht dem Vogelmann Papageno gegeben wird.
Wagner, "Tristan und Isolde". Dominante Farbe: grün. Das Paar lehnt sich an Walter und Borgeois "Daphne" und schmiegt sich an den Arc de Triomphe, der im Rot der Leidenschaft erstrahlt, und an die Place de la Concorde, zwei von Chagalls Lieblingsmotiven, sowie an andere Pariser Monumente ("Meine Kunst braucht Paris wie ein Baum das Wasser", schrieb er).
Berlioz, "Roméo et Juliette". Dominante Farbe: grün. Die sich umarmenden Liebenden sind mit einem Pferdekopf und einem "Zeichen" zu sehen, das an Chagalls Gemälde "Der heilige Kutscher" von 1911 ("Le Saint voiturier au-dessus de Vitebsk", Privatsammlung, Krefeld) erinnert: Es endet in einem Nimbus oder einer Glorie (.), die ihre Gesichter einrahmt.
Rameau, Werk nicht angegeben. Dominante Farbe: weiß. An der beleuchteten Fassade des Palais Garnier, die ebenfalls rot vor Leidenschaft ist, nimmt Carpeaux' "Der Tanz", der mit Gold überzogen ist, monumentale Ausmaße an.
Debussy, "Pelléas et Mélisande". Dominante Farbe: blau. Neben dem von Walter und Borgeois geschnitzten Kopf der "Clytia" liegend, beobachtet Pelléas Mélisande vom Fenster aus in einem spielerischen Rollentausch (Jacques Lasseigne zufolge hat Chagall seinen Pelléas mit der Physiognomie von André Malraux ausgestattet). Über ihnen ein krähender Kopf (König Arkel.).
Ravel, "Daphnis und Chloé". Dominante Farbe: rot. Neben dem (blauen) Schaf und dem Tempel des ersten Aktes ist die außergewöhnliche Figur des siamesischen Paares ("Es gab eine Zeit, da hatte ich zwei Köpfe / Es gab eine Zeit, da waren diese beiden Gesichter / mit amourösem Tau überzogen / Und schmolzen wie der Duft einer Rose..." - Gedicht von Chagall), die Chagall bereits in dem Vorhang, den er 1858 für die Opéra malte, einbezog und die als Vollendung der amourösen Osmose gesehen werden kann, die in "Der Spaziergang", einem Gemälde von 1929, das ein Paar zeigt, das Kopf an Fuß auf der Straße steht, begonnen wurde. Es wird natürlich von einem Eiffelturm begleitet, einem wiederkehrenden Motiv in Chagalls Gemälden. 1958 entwirft Chagall das Bühnenbild und die Kostüme für Georges Skibines Neufassung der Choreographie von "Daphnis et Chloé" [3 1961 illustriert er die Ausgabe des Verlags Tériade des Longus zugeschriebenen Originalmärchens.
Strawinsky, "Der Feuervogel". Dominierende Farben: Rot, Grün und Blau. Oben links der Maler (Chagall) mit seiner Palette und dem Vogel, der merkwürdigerweise grün ist; rechts steht ein musizierender Engel, dessen Cello auch sein Körper ist, in der Nähe des magischen Baumes, der den Vogel enthält. Darunter sind die Kuppeln und Dächer zu sehen, die zweifellos zum Zauberschloss gehören, und ein Vogel, diesmal rot, der auf ein gekröntes Paar unter einem Baldachin zufliegt. Auf der einen Seite ein junges Ehepaar, ein Bauer, der einen großen Obstkorb auf dem Kopf trägt, und ein Orchester. Sollte die Nähe des Eiffelturms (im Ravel-Teil der Decke) als Anspielung auf "Les Mariés de la Tor Eiffel" (1928) verstanden werden? Rechts, über dem Kopf von Walters und Borgeois' "Pomona", beugt sich ein Geiger liebevoll über sein Instrument. Chagall entwarf 1945 das Bühnenbild und die Kostüme für die Inszenierung des "Feuervogels" an der Metropolitan Opera (Choreographie von Massine).
Tschaikowsky, "Schwanensee". Dominante Farbe: goldgelb. Unten eine Schwanenfrau auf einem blauen See, die sich nach hinten lehnt und einen Blumenstrauß in der Hand hält; oben ein überraschender Engelsmusiker, dessen Kopf und Körper ein und dasselbe sind wie sein Instrument.
Adams, "Giselle". Dominante Farbe: goldgelb. Der Tanz der Bauern unter den Bäumen des Dorfes am Ende des ersten Aktes.
- Schöpfer*in:Marc Chagall (1887 - 1985, Französisch)
- Entstehungsjahr:1980s
- Maße:Höhe: 119,38 cm (47 in)Breite: 119,38 cm (47 in)Tiefe: 7,62 cm (3 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Boca Raton, FL
- Referenznummer:Anbieter*in: Loho Vetz of Ancaster.1stDibs: LU50411480152
Marc Chagall
Der russisch-französische Modernist Marc Chagall wurde von dem Kunstkritiker Robert Hughes als "der jüdische Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts schlechthin" bezeichnet und arbeitete in fast allen künstlerischen Medien. Beeinflusst von Symbolismus, Fauvismus, Kubismus und Surrealismus, entwickelte er seinen eigenen, unverwechselbaren Stil, der avantgardistische Techniken und Motive mit Elementen der osteuropäisch-jüdischen Volkskunst verbindet.
Der 1887 in Weißrussland (damals Teil des Russischen Reiches) geborene Moishe Segal wird oft für seine figurativen Gemälde gefeiert, aber er schuf auch Glasfenster für die Kathedralen von Reims und Metz in Frankreich, für die Vereinten Nationen in New York und für das Hadassah-Krankenhaus in Jerusalem sowie Buchillustrationen, Bühnenbilder, Keramiken, Wandteppiche und Kunstdrucke. Seine Werke, die sich durch eine kühne Farbpalette und eine skurrile Bildsprache auszeichnen, sind oft erzählerisch und stellen Szenen aus kleinen Dörfern und alltägliche Momente des bäuerlichen Lebens dar, wie in seinem späten Gemälde The Flight into Egypt von 1980.
Vor dem Ersten Weltkrieg reiste Chagall zwischen St. Petersburg, Paris und Berlin hin und her. Als der Konflikt ausbrach, kehrte er in das sowjetisch besetzte Weißrussland zurück, wo er die Kunsthochschule von Witebsk gründete, bevor er 1922 erneut nach Paris ging. Während des Zweiten Weltkriegs floh er in die Vereinigten Staaten, kehrte aber 1947 nach Frankreich zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Seine peripatetische Laufbahn prägte seinen Stil, der ausgesprochen international war und Elemente aus allen Kulturen, die er kennenlernte, enthielt.
Marc Chagall bleibt eines der angesehensten Talente des vergangenen Jahrhunderts - finden Sie seine Kunst auf 1stDibs.
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