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Giuliano Bekor„Modernismo M2“ Abstrakte Fotografie 40" x 80" Zoll Ed. 2/10 von Giuliano Bekor2012
2012
Angaben zum Objekt
„Modernismo M2“ Abstrakte Fotografie 40" x 80" Zoll Ed. 2/10 von Giuliano Bekor
Druckformat 40x80 Zoll Beschnittzugabe
Kunstwerk fertige Größe 42x82 Zoll
Limitierte Auflage 2 von 10
Künstlerischer Nachweis 2
Medium:
Dieses Kunstwerk wurde auf hochauflösendem Kodak Metallic-Pearl-Pigment-Papier gedruckt und mit einer Hochglanzoberfläche versehen. Montiert auf einem halben Zoll dickem Dibond. Wird mit einem maßgeschneiderten Galerie-Stil glänzend weißen Roma-Rahmen geliefert. Das Kunstwerk ist mit hochwertigem, nicht reflektierendem Optium-UV-Acryl in Museumsqualität gefertigt. Die Rückseite des Kunstwerks wird mit einer robusten Aufhängung aus rostfreiem Metall für die Schwimmermontage geliefert.
Serie MODERNISSIMO
Modernismo wurde zwischen 2012 und 2014 als reine Fotoserie konzipiert, die Elemente der historischen Pop-Art-Bewegung und rohe, wellenförmige Formen des menschlichen Körpers miteinander verbindet. Die Muster stehen im Mittelpunkt, während die Linien des Körpers zur Leinwand werden. Modernismo hat seine Wurzeln im High-Fashion-Bereich und zelebriert die optische Täuschung in Verbindung mit leuchtenden Farben in einer einzigartigen und formbaren Interpretation. Bekor konzentrierte sich darauf, eine Serie von Intrigen und Minimalismus zu schaffen, indem er mit den klassischen Elementen der Schwarz-Weiß-Fotografie arbeitete und mit der Verletzlichkeit seines Motivs spielte. Bilder, die aus einzigartiger Beleuchtung, kontrastreichen Farben und nackter Haut bestehen, evozieren Dramatik und Sinnlichkeit innerhalb der Serie.
ÜBER DEN KÜNSTLER
Der international anerkannte Fotograf Giuliano Bekor verfügt über ein Portfolio, das Arbeiten aus den Bereichen Mode, Schönheit, Prominente, Werbung und bildende Kunst umfasst.
Giulianos Fotografien wurden in Top-Publikationen rund um den Globus veröffentlicht, und seine Kundenliste umfasst eine endlose Reihe von führenden Unternehmen der Schönheitsindustrie, Werbeagenturen, Prominenten, Produzenten und Künstlern.
Mit 30 Jahren Erfahrung in der Branche hat Giuliano sein Handwerk auf einem außergewöhnlichen Niveau perfektioniert. Mit Licht, Farbe, Raum und Form setzt Giuliano in seinem Werk Ideen um, die er in seiner eigenen Vorstellung konzipiert hat.
Giuliano lebt derzeit zwischen New York und Los Angeles und ist häufig auf Reisen, um zu arbeiten und sich inspirieren zu lassen. Als rastloser Visionär hört er nicht auf, seinen frischen und nuancierten Stil immer wieder neu zum Ausdruck zu bringen.
Für Giuliano Bekor ist eine Fotografie ein bewusst entstandenes Bild, das sich aus Licht, Farbe, Raum und Form zusammensetzt. Wie ein Maler skizziert er und verfeinert seine Ideen mit Stift und Bleistift, lange bevor der Auslöser klickt. Die Kamera ist lediglich ein Mittel zum Zweck, eine Möglichkeit, eine Idee, die in seinem Kopf heranreift, durch seine Hand Gestalt annimmt und sich durch sein Auge beim Blick durch die Linse auflöst, visuell festzuhalten.
Sein Thema ist der menschliche Körper, fast immer nackt. Diese Bilder erforschen die Pracht des Körpers - wie er die innere Bedeutung dessen ausdrücken kann, was wir sind. Gliedmaßen, Torsos, Muskeln und Knochen liegen frei, als wären sie aus einem geschmeidigen, glühenden Stein gemeißelt, der sich biegt und windet. Viele dieser Fotografien zeigen Personen, die mit verdeckten Augen und bedecktem Gesicht posieren.
Wenn wir genau hinschauen, sagt Bekor, können wir erkennen, dass der Körper ebenso ein Fenster zur Seele ist wie die Augen. Dies ist eine Galerie der Seele, die in die Formen geätzt wurde, die wir in der physischen Welt annehmen. Durch übertriebene Kontraste zwischen hell und dunkel, glatt und strukturiert, dunstig und taktil, filtert Giuliano bewusst das Fremde.
Die Kamera fängt das Bild ein, aber für Bekor ist jede Aufnahme eine Verwandlung - von ihm selbst, seinen Motiven und uns. Er begibt sich auf ein unruhiges, spannungsgeladenes Terrain: männlich/weiblich, heldenhaft/feidig, schamlos/schändlich, ewig/flüchtig. Die Intensität der Details, die unerbittlich exquisite Perfektion der Körper selbst, die unbeirrbare, skrupellose Hingabe des Objektivs, negiert jeden Anschein von Höflichkeit. Wir werden damit konfrontiert und aufgefordert, hinzusehen. Das müssen wir. Und das tun wir. Und wir erleben die schönen menschlichen Formen, die wir bewohnen, und die stille, beredte Sprache, die sie sprechen.
- Schöpfer*in:
- Entstehungsjahr:2012
- Maße:Höhe: 101,6 cm (40 in)Breite: 203,2 cm (80 in)Tiefe: 5,08 cm (2 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Culver City, CA
- Referenznummer:1stDibs: LU108513946222
Giuliano Bekor
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Sein Thema ist der menschliche Körper, fast immer nackt. Diese Bilder erforschen die Pracht des Körpers - wie er die innere Bedeutung dessen ausdrücken kann, was wir sind. Gliedmaßen, Torsos, Muskeln und Knochen liegen frei, als wären sie aus einem geschmeidigen, glühenden Stein gemeißelt, der sich biegt und windet. Viele dieser Fotografien zeigen Personen, die mit verdeckten Augen und bedecktem Gesicht posieren.
Wenn wir genau hinschauen, sagt Bekor, können wir erkennen, dass der Körper ebenso ein Fenster zur Seele ist wie die Augen. Dies ist eine Galerie der Seele, die in die Formen geätzt wurde, die wir in der physischen Welt annehmen. Durch übertriebene Kontraste zwischen hell und dunkel, glatt und strukturiert, dunstig und taktil, filtert Giuliano bewusst das Fremde. Die Kamera fängt das Bild ein, aber für Bekor ist jede Aufnahme eine Verwandlung - von ihm selbst, seinen Motiven und uns. Er begibt sich auf ein unruhiges, spannungsgeladenes Terrain: männlich/weiblich, heldenhaft/feidig, schamlos/schändlich, ewig/flüchtig. Die Intensität der Details, die unerbittlich exquisite Perfektion der Körper selbst, die unbeirrbare, skrupellose Hingabe des Objektivs, negiert jeden Anschein von Höflichkeit. Wir werden damit konfrontiert und aufgefordert, hinzusehen. Das müssen wir. Und das tun wir. Und wir erleben die schönen menschlichen Formen, die wir bewohnen, und die stille, beredte Sprache, die sie sprechen.
Anbieterinformationen
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Jack Butler war von 1988 bis 2010 Professor für Kunst an der California State University Los Angeles. Er erhielt 1972 seinen Master of Arts von der California State University Los Angeles und erwarb 1979 seinen Master of Fine Arts an der UCLA. Von 1971 bis 2010 war er ein engagierter Lehrer und unterrichtete an zahlreichen Bildungseinrichtungen, darunter die California State University Los Angeles, die University of California, Riverside, UCLA Extension, das Pasadena City College, das East Los Angeles College, das Los Angeles Southwest College und war Gastdozent an der School of the Art Institute in Chicago.
In dieser Zeit hat er an etwa hundert Ausstellungen teilgenommen, darunter sechzehn Einzelausstellungen. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Los Angeles County Museum of Art, in der Fahey / Klein Gallery, Los Angeles, im San Francisco Museum of Art, in der Gallery Min in Tokio, Japan, im Museum of Contemporary Art in Osaka, Japan, im Photo-Tableau in Paris, Frankreich, in der Photographers Gallery in London, England, und im Kansas City Art Institute ausgestellt, The Friends of Photography Ansel Adams Center, das Laguna Beach Art Museum, das Long Beach Museum of Art, Sala Arcs Gallery, Barcelona, Spanien, das California Museum of Photography, das Center of Contemporary Art, Santa Fe, New Mexico, das George Eastman House, Rochester, New York, die Corcoran Gallery, Boston Mass., und das Santa Barbara Museum of Art und wurde von der ehemaligen Sherry Frumkin Gallery vertreten.
Er wurde in zahlreichen Büchern und Katalogen veröffentlicht. Dazu gehören Veröffentlichungen zu so bahnbrechenden Ausstellungen wie "Proof: Los Angeles Art and the Photograph 1960-1980", "Photography and Art: Interactions Since 1946", "Photography and Language" und "Attitudes: Photography in the Seventies" sowie ein von der Min Gallery in Tokio, Japan, veröffentlichter Katalog seiner Werke. Zu den jüngsten Veröffentlichungen gehören Kataloge der Ausstellung "Transfictions" in der Fisher Gallery USC und der Ausstellung "COLA 2004" in der Barnsdall Municipal Art Gallery sowie "The Polaroid Years, Instant Photography and Experimentation", The Francis Lehman Loeb Art Center, Vassar College 2013.
Im Laufe seiner Karriere war er an zahlreichen Workshops und Vorträgen beteiligt und hat zahlreiche Ausstellungen kuratiert. Er nahm 1989 an einem Distinguished Artists Forum, dem 20x24 Polaroid Project, teil und wurde von der Polaroid Corporation unterstützt, um 1990 und 1998 im New Yorker Studio an der 20x24 Polaroid Kamera zu arbeiten. Die Polaroid Corporation war auch maßgeblich an der Produktion seines Projekts Hot Rod "Kulture / Culture" beteiligt. Außerdem wurde er 1980 mit dem SECA Award des San Francisco Museum of Art ausgezeichnet, 1981 erhielt er ein National Endowment for the Arts Fellowship (größere Einzelbeihilfe) und 2004 ein City of Los Angeles Individual Artists Fellowship (COLA Grant).
Seine Werke befinden sich in Sammlungen wie dem Los Angeles County Art Museum, dem San Francisco Museum of Art, dem California Museum of Photography, dem Grunwald Center for the Graphic Arts UCLA, dem La Jolla Museum of Contemporary Art, dem Georges Pompidou National Center for Art and Culture, dem Seattle Art Museum, dem Kiyosato Museum of Photographic Art, Japan, der Graham and Susan Nash Collection, der Aaron Spelling Collection sowie in zahlreichen anderen privaten Sammlungen. Bereits in den 1840er Jahren, den Anfängen der Fotografie, manipulierten Leute wie Fox Talbot, Hippolyte Bayard und Oscar Gustave Rejlander Bilder und produzierten Werke, die sie als Kunst oder "Lichtzeichnungen" bezeichneten. In den 1920er und 30er Jahren entdecken wir Menschen wie Kurt Schwitters, Christian Schad...
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