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Unknown
Fotografische Fotografie des Zeitgenössischen, „Pensive Woman“
Circa 1910

Name: Fotografische Fotografie des Zeitgenössischen, „Pensive Woman“
Brand: Unknown
Price: 408.5 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (3 reviews)

Angaben zum Objekt

Piktorialistische Fotografie einer jungen Frau. Silberdruck im Original-Eichenholzrahmen. Rückseitig beschriftet R.S. Paddock, Anfang des 20. Jahrhunderts. Pictorialismus ist die Bezeichnung für eine internationale Stil- und Ästhetikbewegung, die die Fotografie im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert beherrschte. Es gibt keine Standarddefinition des Begriffs, aber im Allgemeinen bezieht er sich auf einen Stil, bei dem der Fotograf das, was sonst ein einfaches Foto wäre, auf irgendeine Weise manipuliert hat, um ein Bild zu "erschaffen", anstatt es einfach aufzunehmen. Typischerweise ist eine Bildfotografie unscharf (manche mehr als andere), sie ist in einer oder mehreren anderen Farben als Schwarz-Weiß gedruckt (von warmem Braun bis zu tiefem Blau) und kann sichtbare Pinselstriche oder andere Manipulationen der Oberfläche aufweisen. Für den Piktorialisten war eine Fotografie wie ein Gemälde, eine Zeichnung oder ein Kupferstich eine Möglichkeit, eine emotionale Absicht in die Vorstellungswelt des Betrachters zu projizieren[1] Der Piktorialismus als Bewegung erlebte seine Blütezeit von ca. 1885 bis 1915, obwohl er von einigen noch in den 1940er Jahren gefördert wurde. Sie begann als Reaktion auf die Behauptung, ein Foto sei nichts weiter als eine einfache Aufzeichnung der Realität, und entwickelte sich zu einer internationalen Bewegung, die den Status der Fotografie als echte Kunstform aufwerten wollte. Mehr als drei Jahrzehnte lang debattierten Maler, Fotografen und Kunstkritiker über gegensätzliche künstlerische Philosophien, was schließlich zum Erwerb von Fotografien durch mehrere große Kunstmuseen führte. Nach 1920 nahm die Popularität des Piktorialismus allmählich ab, auch wenn er bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs nicht an Popularität einbüßte. In dieser Zeit kam der neue Stil der fotografischen Moderne in Mode, und das Interesse des Publikums verlagerte sich auf schärfere Bilder. Mehrere bedeutende Fotografen des 20. Jahrhunderts begannen ihre Karriere im Stil des Piktorialismus, wandelten sich aber in den 1930er Jahren zu einer scharfsinnigen Fotografie. Dieser Stil zeichnet sich zunächst durch einen ausgesprochen persönlichen Ausdruck aus, der die Fähigkeit der Fotografie betont, visuelle Schönheit zu schaffen, anstatt einfach nur Fakten festzuhalten[4]. In jüngster Zeit haben Historiker jedoch erkannt, dass der Piktorialismus mehr ist als nur ein visueller Stil. Er entwickelte sich in unmittelbarem Zusammenhang mit den sich wandelnden sozialen und kulturellen Haltungen der Zeit und sollte daher nicht einfach als visueller Trend bezeichnet werden. Ein Autor hat festgestellt, dass der Piktorialismus "gleichzeitig eine Bewegung, eine Philosophie, eine Ästhetik und ein Stil"[5] war Im Gegensatz zu dem, was in manchen Geschichtsbüchern über die Fotografie dargestellt wird, entstand der Piktorialismus nicht als Ergebnis einer linearen Entwicklung künstlerischer Sensibilitäten, sondern wurde vielmehr durch "eine komplizierte, divergierende, oft leidenschaftlich widersprüchliche Flut von Strategien"[6] geformt. Während Fotografen und andere darüber debattierten, ob Fotografie Kunst sein könnte, wirkte sich das Aufkommen der Fotografie direkt auf die Rolle und den Lebensunterhalt vieler traditioneller Künstler aus. Vor der Entwicklung der Fotografie war ein gemaltes Miniaturporträt das gängigste Mittel, um das Bildnis einer Person festzuhalten. Tausende von Malern haben sich mit dieser Kunstform beschäftigt. Doch die Fotografie machte den Bedarf an und das Interesse an Miniaturporträts schnell zunichte. Ein Beispiel für diesen Effekt war die Jahresausstellung der Royal Academy in London: 1830 wurden mehr als 300 Miniaturgemälde ausgestellt, 1870 waren es nur noch 33.[7] Die Fotografie hatte eine Kunstform abgelöst, aber die Frage, ob die Fotografie selbst künstlerisch sein konnte, war noch nicht geklärt. Einige Maler nutzten schon bald die Fotografie als Hilfsmittel, um die Pose eines Modells, eine Landschaft oder andere Elemente für ihre Kunst festzuhalten. Es ist bekannt, dass viele der großen Maler des 19. Jahrhunderts, darunter Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Ce'zanne und Gauguin, selbst fotografierten, Fotografien anderer benutzten und Bilder von Fotografien in ihre Werke einbauten.[8] Während die hitzigen Debatten über die Beziehung zwischen Fotografie und Kunst in den Printmedien und in den Hörsälen weitergingen, wurde die Unterscheidung zwischen einem fotografischen Bild und einem Gemälde immer schwieriger zu erkennen. Mit der weiteren Entwicklung der Fotografie wurden die Wechselwirkungen zwischen Malerei und Fotografie immer stärker.[9] Nicht wenige Bildfotografen, darunter Alvin Langdon Coburn, Edward Steichen, Gertrude Ka¨sebier, Oscar Gustave Rejlander und Sarah Choate Sears, waren ursprünglich als Maler ausgebildet oder hatten sich zusätzlich zu ihren fotografischen Fähigkeiten mit der Malerei beschäftigt. In dieser Zeit wurden Kulturen und Gesellschaften auf der ganzen Welt durch eine rasche Zunahme des interkontinentalen Reiseverkehrs und Handels beeinflusst. Bücher und Zeitschriften, die auf einem Kontinent veröffentlicht wurden, konnten immer leichter exportiert und auf einem anderen verkauft werden, und die Entwicklung zuverlässiger Postdienste erleichterte den individuellen Austausch von Ideen, Techniken und - für die Fotografie besonders wichtig - von tatsächlichen Abzügen. Diese Entwicklungen führten dazu, dass der Piktorialismus "eine internationalere Bewegung in der Fotografie war als fast jedes andere fotografische Genre"[10] Kameraclubs in den USA, England, Frankreich, Deutschland, Österreich, Japan und anderen Ländern stellten regelmäßig Werke für Ausstellungen zur Verfügung, tauschten technische Informationen aus und veröffentlichten Essays und kritische Kommentare in den Zeitschriften der jeweils anderen Länder. Angeführt vom "Linked Ring" in England, der "Photo-Secession" in den USA und dem "Photo-Club de Paris" in Frankreich verfolgten zunächst Hunderte, dann Tausende von Fotografen leidenschaftlich gemeinsame Interessen in dieser vielschichtigen Bewegung. Innerhalb von etwas mehr als einem Jahrzehnt entstanden in West- und Osteuropa, Nordamerika, Asien und Australien namhafte Bildfotografen. Sezessionist.

Entstehungsjahr:

Circa 1910

Maße:

Höhe: 25,4 cm (10 in)Breite: 15,24 cm (6 in)Tiefe: 2,54 cm (1 in)

Medium:

Silber-Gelatine

Bewegung und Stil:

Moderne

Zeitalter:

1910–1919

Zustand:

Galeriestandort:

Materialien

Papier

Mammut-Fotografie von Notre Dame, Late 19th Century

695 $

Schwarz-Weiß-Fotografie von Josef Ehm

Von Josef Ehm

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