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Harry Nadler
Spiral der Zeit II

1986

Angaben zum Objekt

Spiral der Zeit II Mischtechnik mit Acryl auf Papier, 1986 Signiert unten rechts (siehe Foto) Zustand: Ausgezeichnet Bildgröße: 35 x 15 1/2 Zoll Provenienz: Peter Marciniak, New Hampshire Herausragende Midwest Private Collection'S Ausstellung auswählen: 1991 Franz Bader Gallery, Washington, D.C. (solo) 1980 Guggenheim Museum, New York, NY 1974 Bertha Schaefer Gallery; New York, NY (Einzelausstellung) 1972 Childe Hassam-Ankaufsausstellung, National Institute of the Arts and Letters 1971 "Das türkische Bad von Ingres, Louvre Museum, Paris, Frankreich 1971 Gastkünstler, Tamarind Institute; Albuquerque, NM 1970 "Amerikanische Zeichnungen der sechziger Jahre", New School Art Center; New York, NY 1966 Dorsky Gallery, New York, NY (Einzelausstellung) 1962 Dwan Gallery; Los Angeles, CA (Einzelausstellung) 1959 Dwan Gallery, Los Angeles, CA (Einzelausstellung) Museum Collection'S: Smithsonian Museum für Amerikanische Kunst Albuquerque Museum, Albuquerque, NM Cincinnati Kunstmuseum, Cincinnati, OH Detroit Institute of Arts, Detroit, MI Museum der Schönen Künste, Santa Fe, NM Guggenheim Museum, New York, NY Kunstmuseum der Universität von New Mexico, Albuquerque, NM Oklahoma Art Center, Oklahoma City, OK Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Storm King Art Center, Mountainville, NY Wesleyan-Universität, Middletown, CT Harwood Museum für Kunst, Taos Harry Nadler, ein abstrakter Maler, der in New York City, Amagansett, Long Island, und Albuquerque, New Mexico, lebte, wird als "formalistischer abstrakter Maler der 1960er- bis 1990er-Jahre" beschrieben, dessen Werke durch ihre satten Farben, Transparenzen und labyrinthischen Konstruktionen gekennzeichnet sind. -Der Versuch, die wesentliche Qualität des Lichts und der Konturen, die von einer bestimmten Landschaft ausgehen, in einer rein abstrakten Bildsprache einzufangen, ist ein gefährliches bildnerisches Unterfangen, aber Herr Nadler hat sich dieser Herausforderung mit bemerkenswertem Erfolg gestellt.˜ (Hilton Kramer, The New York Times, 27. April 1974) Noted Fine Print Publications: Lincoln Center/Fine Art Prints, 1990, "Live aus dem Lincoln Center", Siebdruck, Auflage72 Harry Nadler Lebenslauf BESCHREIBUNG OHNE ORT Eine Geschichte, die Harry mir erzählte und die er als eine Metapher für sein Leben und seine Arbeit empfand, handelte von seinem "goldenen Vogel". Eines Tages, als er acht Jahre alt war, ging er von der Schule nach Hause, eine gefährliche Aufgabe für einen jüdischen Jungen im Osten von Los Angeles in den 30er Jahren. Er hatte ein Bild dabei, das er in der Schule gemalt hatte. Er musste durch einen dunklen Tunnel gehen und hatte Angst. Sein Bild eines wunderschönen, goldenen Vogels, der tropische Farben ausstrahlt, leuchtete in der Dunkelheit und er verlor alle Angst. Das Bild der Schönheit, des Fluges, der Dunkelheit und der Macht seiner eigenen Bildgestaltung begleitete ihn sein ganzes Leben lang. In der Schule entdeckte er eine Art von Freiheit; mit 16 Jahren machte er seinen Abschluss, besuchte eine Kunstschule, verdiente seinen Lebensunterhalt als Illustrator für eine Zeitung und entdeckte dann an der University of California, Los Angeles, die weite Welt der Literatur und der schönen Künste. Er erwarb einen B.A. und einen M.A., und sein künstlerisches Talent manifestierte sich in Lehrassistenzen sowie in Malereipreisen und frühen Ausstellungen. Seine Affinität zur europäischen Malerei war groß, und er sehnte sich danach, nach New York zu gehen und in die Museen und die aktuellen Arbeiten der abstrakten Expressionisten einzutauchen. Als Harry Harris 1960 ein Fulbright-Stipendium für Spanien erhielt, erfüllte er sich den Traum, nach Europa zu reisen und Goyas Kriegskatastrophen im Prado zu studieren. In dieser Zeit begann er, eine visuelle Sprache zu finden, um seine tiefen ethischen Bedenken auszudrücken. Er schuf eine Reihe von Werken, die den Opfern des Holocausts gewidmet sind, die so genannten Buchenwald-Landschaften, und stellte dieses Werk am Ende seines Jahres in Spanien aus. Er quälte sich damit herum, weil er das Gefühl hatte, dass die Bilder zu wörtlich waren. Er war auf der Suche nach etwas - einem formalen Instrument, das eine Bedeutung jenseits des offensichtlichen Schreckens des Themas erreichte. Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten ließ er sich in New York City nieder, weil er glaubte, dort seine künstlerischen Wurzeln zu haben. Zunächst verdiente er seinen Lebensunterhalt mit dem Unterrichten von Fortbildungskursen, während er in den Museen der Stadt große Gemälde studierte, am aktuellen Kunstgeschehen teilnahm und seine eigenen Werke entwickelte. Zwischen 1961 und 1965 schuf Harry Gemälde von seltsamen Räumen, die mit autobiografischen Objekten gefüllt waren. Die Poesie von Wallace Stevens hat ihn besonders stark beeinflusst. Für Harry war die Malerei eine Möglichkeit, getrennte Realitäten miteinander zu verbinden. Die Arbeit der Vorstellungskraft, der Metapher oder des "Scheins", wie Stevens es beschrieb, findet in der Lücke zwischen disparaten Elementen statt und stellt Verbindungen von Bedeutung auf einer tieferen Ebene her. In dieser Lücke kämpfte er darum, sein Verständnis für seine Werkzeuge präzise zu formulieren: seine Materialien, sein Wissen über Philosophie und Kunstgeschichte, seine religiöse Tradition, seine Lebenserfahrung. In dieser Lücke lebte er mit der Angst vor dem Wissen, mit dem Glauben an einen Prozess, der größer ist als er selbst. Und er arbeitete. Die Geometrie wurde zu einem Mittel, um über die ultimative Reinheit, Ganzheit und Verbundenheit zu sprechen; das sinnliche MATERIAL der Farbe und die besondere Art und Weise, wie er diese Materialien kombinierte, wurde zu einem Mittel, um die Qualität seiner eigenen Erfahrung auszudrücken. Zu Ehren von Stevens nannte er eine Gemäldeserie Beschreibung ohne Ort. In dieser Serie enthalten Fenster und Kästen Bilder von Erfahrungen (gemalte Objekte, die die Räume des Bildes sowohl trennen als auch verschmelzen). Er kombiniert Bilder der Kreuzigung und der Schwärze mit der Vitalität des Lebens in Objekt und Farbe. Die Überwindung von Grenzen und Abgrenzungen, die Verschmelzung von Raum und Zeit, zog sich durch sein ganzes Leben. Im Jahr 1965 wurde ihm ein Lehrauftrag an der Wesleyan University in Connecticut angeboten. Dort begann er seine Serie Hommage an Ingres, die 1969 in New York City gezeigt wurde, gefolgt von einer Sportserie und Collagen, die auf biomorphen Formen basieren. In dieser Zeit ging es ihm darum, den Raum zu verweben und die Mehrdeutigkeit von Figur und Grund zu schaffen. 1971 nahm Harry eine Stelle an der Universität von New Mexico an, mit der Absicht, in Teilzeit zu arbeiten und ein Haus und Studio in Amagansett, New York, zu unterhalten. Er setzte das Ausschneiden von Bildern (abgeleitet von seinen Ingres-Gemälden) fort und fertigte im Tamarind Institute in Albuquerque eine Lithografie auf der Grundlage dieser Arbeit an. In dieser Zeit arbeitet er auch an neuen Rasterbildern, wobei er von biomorphen Formen zu einer abstrakteren Betonung des Licht- und Raumfeldes übergeht. Seine Bilder aus New Mexico stellte er 1974 in New York City aus. Auf diese leuchtenden Werke folgten sehr dunkle Gemälde mit ähnlicher Bildsprache. 1975 drehte er seine Leinwände auf die Diagonale und begann eine Serie von Rautenbildern, bei denen er zunächst schwarze und weiße, dann graue Farbe auftrug. Er hatte immer mit der mystischen kabbalistischen Symbolik des "weißen Feuers/schwarzen Feuers" zu tun. Seine Bilder verstricken sich in der Zweideutigkeit zwischen zwei- und dreidimensionalem Raum. 1976, nachdem er den Sommer in Amagansett verbracht hatte, begann er eine neue Serie von Diamantbildern mit dem Titel Ocean Rhythms. Auf der Suche nach der Qualität des Ozeans, ohne ihn wörtlich darzustellen, nutzte er die Wellen der Bewegung, um das Feld/den Raum zu schaffen, das sein formales Anliegen war. 1977 setzte er das Rautenformat fort, interessierte sich aber mehr für symbolische und kalligrafische Bilder, wobei er weiterhin auf die Schaffung dieses flachen Feldes achtete. Ende 1977/78 kehrte er zum quadratischen Format zurück; die Bilder wurden piktografisch, und eines seiner alten Anliegen tauchte wieder auf: die Frage nach den Rändern und dem Zentrum. Dies war der Beginn der Labyrinth-Serie. Er beschäftigte sich mehr mit dem Reichtum der Oberfläche und ging zur Farbe über, um eine dunkle Leuchtkraft zu erzeugen. Damals bemerkte er in seinem typischen Humor, dass das Labyrinth eine Metapher für sein Leben sei; er wisse nicht, wohin er gehe. Er stellte diese Werke 1979 in New York City aus und war von der Resonanz sehr angetan. Im Jahr 1980 wechselte er das Format in die Vertikale und das Medium zu Eitempera auf Reispapier, das auf die Leinwand gespannt wurde. Auf diese Weise konnte er transparente Farben übereinander schichten und so die von ihm angestrebte Leuchtkraft auf eine neue Weise erreichen. Er fügte die vertikalen Tafeln zu Triptychen zusammen, wiederum in dem Wunsch nach einem transzendenten Gefühl. Als er das Ende dieser Serie erreicht hatte, musste er plötzlich wieder Farben schaffen, die aus der Dunkelheit auftauchten. Er begann eine Serie großer quadratischer, dunkler Werke mit einem labyrinthischen Feld aus leuchtenden, farbigen Objekten, die wiederum auf ein zweideutiges zwei- und dreidimensionales Gefühl hinweisen, alles in dicker Enkaustik gemalt.
  • Schöpfer*in:
    Harry Nadler (1930, Amerikanisch)
  • Entstehungsjahr:
    1986
  • Maße:
    Höhe: 88,9 cm (35 in)Breite: 39,37 cm (15,5 in)
  • Medium:
    Mixed Media
  • Bewegung und Stil:
    Abstrakt
  • Zeitalter:
    1980–1989
  • Zustand:
  • Galeriestandort:
    Fairlawn, OH
  • Referenznummer:
    Anbieter*in: FA109171stDibs: LU14016250172

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