Ralph Rosenborg (Amerikaner, 1913-1992) Mountain Weed with Two Clouds (Bergkraut mit zwei Wolken), Öl auf Juteleinwand, Leinwand recto und verso handsigniert, Künstleretikett und Snyder Fine Art Gallery Label, Das Gemälde ist datiert 1965.
Abmessungen: 24 x 36 Leinwand, gerahmt 44,5 x 32,5.
Ralph Rosenborg (1913-1992) war ein amerikanischer Künstler, dessen Bilder sowohl als expressionistisch als auch als abstrakt bezeichnet wurden und der in den 1940er und 1950er Jahren ein Kollege der New Yorker Abstrakten Expressionisten war. Im Gegensatz zu ihnen bevorzugte er jedoch kleine Werke und griff für seine abstrakten Sujets ausdrücklich auf natürliche Formen und Figuren zurück. Als "sehr persönlicher Künstler" bezeichnet, entwickelte er einen einzigartigen Stil, der als mystisch und magisch galt. Seine Karriere war außergewöhnlich lang und erstreckte sich über mehr als 50 Jahre.
Rosenborg wurde am 9. Juni 1913 in Brooklyn, New York, geboren. Im Jahr 1929, als er noch Schüler war, begann er mit der Designerin, Künstlerin und Lehrerin Henriette Reiss zu arbeiten. Als Rosenborg ihr begegnete, war Reiss als Ausbilderin für die School Art League im American Museum of Natural History tätig. Danach unterrichtete sie sowohl Schüler als auch deren Lehrer im städtischen Schulsystem nach einer Methode, die sie Rhythmisches Design nannte. Sie glaubte, dass die Inspiration für abstrakte Entwürfe in Rhythmen zu finden sei - Rhythmen, die in der gewöhnlichen Wahrnehmung wahrgenommen werden können, ähnlich wie beim Hören von Musik. Im Mai 1930 wählte I. Reiss eine Zeichnung von Rosenborg aus, die in einer Ausstellung mit kreativen Entwürfen von Schülern der städtischen High School gezeigt werden sollte. Von 1930 bis 1933, im Alter von 17 bis 20 Jahren, studierte Rosenborg bei Reiss in einer Beziehung, die Vivien Raynor von der New York Times als "Schüler-Lehrling" bezeichnete. Während dieser Zeit unterrichtete sie ihn in Musikverständnis, Literatur und Kunstgeschichte und gab ihm auch eine technische Ausbildung in Kunst.
Im April 1934 war Rosenborg einer von 1.500 Künstlern, die an der jährlichen Ausstellung Salons of America teilnahmen, die in diesem Jahr im Rockefeller Center RCA Building stattfand. Jeder zahlte zwei Dollar für das Privileg, bis zu drei Werke aufhängen zu dürfen, wobei keines der Werke gegenüber den anderen hervorgehoben wurde. Die New York Times berichtete, dass bis zur Schließung der Ausstellung einen Monat später etwa 30.000 Menschen die Ausstellung gesehen hatten. Im folgenden Jahr erhielt er eine Einzelausstellung (seine erste) in der Lounge Gallery des Eighth Street Playhouse. Im darauffolgenden Jahr nahm er an einer Gruppenausstellung des städtischen Kunstkomitees teil und erhielt 1937 eine zweite Einzelausstellung, diesmal in der Künstlergalerie. In diesem Jahr wurde er auch Gründungsmitglied und nahm an einer Gruppenausstellung der American Abstract Artists teil, einer losen Vereinigung von Künstlern, die die abstrakte Kunst und Künstler in New York fördern wollte. Zu ihren Gründern gehörten Josef Albers, Ilya Bolotowsky, Werner Drewes, Ibram Lassaw, Mercedes Matter, Louis Schanker, Vaclav Vytlacil und Rudolph Weisenborn.
Etwa zur gleichen Zeit schloss sich Rosenborg einer Gruppe von Abstrakten an, die sich "Die Zehn" nannte (zu ihr gehörten Ben-Zion, Mark Rothko, Adolph Gottlieb und Joe Solman) und trat im Mai 1938 zusammen mit den anderen Mitgliedern zum ersten Mal in einer kommerziellen Galerie auf: der Galerie Georgette Passedoit. 1938 waren seine Werke in einer Gruppenausstellung in der Lounge Gallery zu sehen, 1939 in Gruppenausstellungen in der Artists Gallery und in der Bonestell Gallery mit David Burliuk, Earl Kerkam, Karl Knaths und Jean Liberte, und 1940 in einer weiteren Gruppenausstellung im American Fine Arts Building.
Rosenborg hatte nie eine langfristige Exklusivbeziehung mit einer kommerziellen Galerie. Im Laufe seiner Karriere wurden seine Werke sowohl in Gruppen- als auch in Einzelausstellungen in einer Vielzahl von Galerien und Museen in New York und anderen Teilen der USA gezeigt. Beispiele sind die Phillips Memorial Gallery (Gruppe, 1941), die Yale University Art Gallery (Gruppe, 1942), Brandt (Gruppe, 1944), die Pinacotheca (Solo, 1945), Troeger-Phillips (Solo, 1946), Chinese Gallery (Solos, 1946 und 1947), Art Institute of Chicago (Gruppe, 1948), Corcoran Gallery of Art (Gruppen, 1949 und 1959), Seligmann (Solo, 1950), Davis (Solos, 1953 und 1954), Delacorte (Solo, 1955) und Landry (Solo, 1959, 1960 und 1962).[Anm. 14] 1946, 1953, 1956, 1957, 1976 und 1990 beteiligte er sich mit Gemälden an Ausstellungen im Whitney Museum of American Art.[3] Retrospektive Ausstellungen gab es 1982 in der Schlesinger-Boisanté Gallery und 1983 in der Princeton Gallery of Fine Art.[51][4]
Artistik und kritische Rezeption
In den 1930er und 1940er Jahren bewegte sich Rosenborg frei zwischen expressionistischen Aquarellen, die den Rhythmus und die Farben der Natur evozierten (wie das Aquarell ohne Titel von etwa 1938), und bewusster strukturierten Ölgemälden wie The Far-away City, in dem tief getönte, traumhafte Landschaften die Farben und die Architektur von expressiven Glasmalereien annehmen. Er schenkte den modernistischen Theorien von Oberfläche und Struktur, die viele seiner Zeitgenossen faszinierten, wenig Beachtung. Später, in den 1950er Jahren, spiegeln Rosenborgs Gemälde zunehmend die Energien und die Erscheinungen der Natur wider. Stürmische Seestücke, heitere Landschaften und farbenfrohe Blumenstillleben wurden alle mit einem Augenmerk auf reich strukturierte, stark bemalte Oberflächen ausgeführt[1].
Virginia M. Mecklenburg, The Patricia and Phillip Frost Collection: Amerikanische Abstraktion 1930-1945 (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1989)
Im Gegensatz zu den bekannteren abstrakten Expressionisten malte Rosenborg kleine Bilder und zog Gouachen und Aquarelle den Ölgemälden vor.[52][38] Von seiner Mentorin Henriette Reiss hatte er einen Abstraktionsstil erlernt, der die symbolische Interpretation von Naturrhythmen beinhaltete.[10] Kritiker bemerkten eine Vorliebe für eine gestische Abstraktion anstelle einer geometrischen.[30][53] Sie sahen auch eine beständige Verwendung von Symbolen und bemerkten eine Ähnlichkeit mit dem Werk von Wassily Kandinsky und Paul Klee.[Anm. 15] Während seiner gesamten Karriere sahen Kritiker außerdem einen ausgeprägten Lyrismus in Rosenborgs Werk.[Anm. 16] Rosenborgs Aquarell von 1937, "Abstracts in Blues and Greens" (oben links), veranschaulicht seinen frühen Aquarellstil. "The Far-away City" von 1941 (oben rechts) veranschaulicht seinen frühen Stil in Öl. Die "Amerikanische Landschaft" (oben links) veranschaulicht seinen späten Stil in Öl. Die "Landschaft mit Rosa, Grün und Blau" (oben rechts) veranschaulicht seinen späten Aquarellstil.
Seine frühen Werke verdeckten die natürlichen Formen, die sie inspirierten, so dass die Kritiker sie als zur reinen Abstraktion tendierend betrachteten. In den frühen 1950er Jahren ging er zu einem deutlicheren figurativen Ausdruck über.[45][47] Von diesen späten Werken sagte man, dass sie einen Hauch von Geheimnis verströmen.[44] Stuart Preston von der New York Times schrieb über eine Einzelausstellung in der Landry Gallery im Oktober 1960: "Das Wesen des Geheimnisses und der Magie ist genau das, was Ralph Rosenborgs meditative halbabstrakte Landschaftsaquarelle auszeichnet... Es sind entrückte kleine Akte visueller und manueller Konzentration, die auf den ersten Blick undurchschaubar sind und sich dann als präzise und anspielungsreich entpuppen.[49] Bennett Schiff, Kritiker der New York Post, schrieb über dieselbe Ausstellung: "Eine mystische Intensität und eine Schönheit, die in Rubin- und Saphirfarben brennt, sind in diesen feinen Gemälden."[55]
Persönliches Leben und Familie
Rosenborgs Geburtsname war Ralph Mozart Rosenborg,[56] er wurde am 9. Juni 1913 als Sohn von Mozart Wolfgang Rosenborg (28. Oktober 1884 bis 4. März 1932) und seiner Frau Helen Rosenborg (20. September 1888 bis 28. September 1947) geboren,[Anm. 17] beide Eltern stammten aus Schweden. Rosenborgs Vater wanderte 1903 nach New York aus und lebte in New York City.[60] Während Rosenborgs Kindheit war er Maschinenschlosser.[57] Später verdiente er seinen Lebensunterhalt als Lagerarbeiter.[58] Seine Mutter war manchmal Hausfrau und verdiente manchmal ihren Lebensunterhalt als Köchin.[Als Kind hatte er gehofft, Geige spielen zu können, aber Privatunterricht war für seine Familie unerschwinglich.[4] Die Kunstprogramme der öffentlichen Schulen der Stadt und die privat finanzierte Art School League gaben ihm die Möglichkeit einer kostenlosen Kunstausbildung und brachten ihn in Kontakt mit Henriette Reiss, die seine Mentorin und Förderin wurde.[4]
Es ist wahrscheinlich, dass der Verkauf von Gemälden Rosenborg nie genug Geld einbrachte, um davon leben zu können. Zwischen 1936 und 1938 unterrichtete er Klassen am Brooklyn Institute of Arts and Sciences und diente anschließend ein oder zwei Jahre lang als Wächter am Museum of Non-Objective Painting.[3] Während seiner gesamten Karriere soll er sich sowohl wirtschaftlich als auch emotional auf die Frauen in seinem Leben verlassen haben - zuerst auf seine Mutter, dann auf Louise Nevelson, mit der er zwischen 1942 und 1948 eine leidenschaftliche Beziehung hatte, dann kurz auf ihre Schwester Anita und schließlich auf seine Frau Margaret, nachdem sie sich 1949 kennengelernt und 1951 geheiratet hatten.[3][62]
Er litt an Alkoholismus und war mit einer unberechenbaren und oft streitlustigen Persönlichkeit belastet und soll keinen einzigen engen Freund gehabt haben.[63]:150 Laut Nevelsons Biograf wurden "Rosenborgs Gaben als Maler durch seinen Alkoholismus, sein jähzorniges Temperament und sein jugendliches Streben nach Unabhängigkeit untergraben...."[63]:151 Ein anderer Autor schrieb, er habe einen "ärgerlichen Charakter" gehabt und sei "in der Kunstwelt eine Legende für sein Misstrauen gegenüber allem, was nach Verstrickung in soziale oder berufliche Beziehungen riecht"[4].
Nachdem er 1991 einen Schlaganfall erlitten hatte, zog Rosenborg mit seiner Frau in ihre Heimatstadt Portland, Oregon, wo er am 22. Oktober 1992 in einem Pflegeheim starb.[2][56]
Anmerkungen
Die School Art League, die aus dem New Yorker Kunstausschuss der Public Education Association hervorging, war eine philanthropische Organisation, die eng mit dem öffentlichen Schulsystem der Stadt und ihren Museen zusammenarbeitete, um die Kunstvermittlung durch Vorträge, Vorführungen, Studiokurse, Auszeichnungen und Stipendien für Schüler in Grund- und Oberschulen zu fördern. Die Liga wurde 1909 gegründet und besteht auch 2018 noch.[7][8][9]
Henriette Reiss (1889-1992) wurde als Tochter von Schweizer Eltern in England geboren. Sie wuchs in der Schweiz auf und studierte Malerei, Bildhauerei und Design in München, Basel und Liverpool. 1913 zog sie mit ihrem Mann, dem Maler Winold Reiss, in die Vereinigten Staaten und wurde nach ihrer Scheidung 1923 zunächst als Designerin und dann als Erfinderin einer Methode des Kunstunterrichts bekannt, die sie "Henriette Reiss Method of Rhythmic Design" nannte. Nachdem sie viele Jahre in der School Art League und in anderen verwandten Positionen unterrichtet hatte, beendete sie ihre Karriere als Dozentin am Fashion Institute of Technology[6].
Die Zeichnungen der Schüler wurden zunächst im American Museum of Natural History und später im Grand Central Palace ausgestellt. Zu den Organisationen, die dazu beitrugen, gehörten die School Art League am Samstagmorgen, die von Reiss unterrichtet wurde, die New York Evening School of Industrial Art, die von Jennie Greenberg geleitet wurde, und die Girls' Commercial High School, die von Margaret Rigney unterrichtet wurde[12].
Die 1922 von Hamilton Easter Field gegründeten Salons of America sollten den Künstlern eine Alternative zur Society of Independent Artists bieten, deren Finanz- und Werbemethoden er für bedenklich hielt. Ein Reporter sagte, er wolle "jedem Mitglied die gleichen Chancen geben, egal ob er oder sie ein Konservativer oder ein Post-Dadaist ist"[16].
Die Galerie, die manchmal Lounge Gallery und manchmal Playhouse Gallery genannt wurde, befand sich im Eighth Street Playhouse in Greenwich Village,[17] das ursprünglich Film Guild Cinema hieß und das erste Kino war, das ausschließlich zur Vorführung von Filmen gebaut wurde. Ab 1933 veranstaltete sie Ausstellungen in gemeinsamer Trägerschaft mit dem Artists' Aid Committee von Vernon C. Porter. Der Ausschuss wählte Künstler aus, die Schwierigkeiten hatten, Ausstellungsorte zu finden, und verlangte von ihnen keinerlei Honorar. Obwohl sie gelegentlich Gruppenausstellungen veranstaltete, spezialisierte sie sich darauf, jungen Künstlern, die sonst keinen Platz in einer Galerie finden konnten, Einzelausstellungen zu bieten.[17] Bis 1938 hatten 120 Künstler dort ihre erste Einzelausstellung.[18]
Bürgermeister Fiorello La Guardia gründete im Herbst 1934 das Municipal Art Committee, um New Yorks Musikern, Künstlern und anderen arbeitslosen Kunstschaffenden eine Beschäftigung zu bieten. Künstlergruppen reichten ihre Bewerbungen beim Ausschuss ein, und die Ausstellungen in den Galerien wechselten alle zwei Monate[20][21].
Die 1936 von Hugh S. Stix gegründete und von Frederica Beer geleitete Artists Gallery wurde durch Spenden finanziert und erhob keine Gebühren für die Verkäufe der Künstler.[22][23]
Edward Alden Jewell von der New York Times nannte die Ausstellung eine "oft schallende Massendemonstration dekorativen Designs" und meinte, die meisten Werke stammten aus europäischen Quellen und zeigten wenig Individualität[25].
Nur ein weiteres Mitglied von The Ten, Louis Schanker, war ebenfalls in American Abstract Artists vertreten. Die 1935 gegründeten The Ten galten als abstrakt und expressionistisch, obwohl der Begriff "abstrakter Expressionist" damals noch nicht gebräuchlich war.[27] Trotz des Namens bestand die Gruppe normalerweise nicht aus zehn Mitgliedern. In der ursprünglichen Gruppe waren es nur neun, und als Rosenborg dazukam, waren es nur noch acht. Gründungsmitglieder waren Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Jack Kufeld, Marcus Rothkowitz (später bekannt als Mark Rothko), Louis Schanker, Joseph Solman und Nahum Tschacbasov[28].
Der Kritiker der New York Sun bemerkte einen insgesamt düsteren Ton in dieser Ausstellung und sagte: "Die Namen der Künstler deuten auf eine kürzliche Akklimatisierung hin, und es ist nicht immer so, dass die Neuankömmlinge sofort in die Herrlichkeiten und Freuden des Lebens in Amerika übergehen."[29]
Lounge 1938,[18] Artists Gallery 1938,[30] Bonestell 1939,[31] American Fine Arts 1940[32]
Willard heiratete Dan Rhodes Johnson in den frühen 1940er Jahren und wurde so zu Marian Willard Johnson.
East River,[34] Neumann-Willard,[35] 1942 Willard,[36] 1943 Willard[37]
Phillips,[40] Yale,[3] Brandt,[3] Pinacotheca,[41] Troeger-Phillips,[3] Chinese,[42][43] Art Institute of Chicago,[3] Corcoran,[3] Seligmann,[44] Davis,[45][46] Delacorte,[47] Landry[48][49][50]
Siehe z. B. New York Post 14. Mai 1938,[26] New York Times 9. November 1941,[39] und New York Times 11. November 1946[54]
Siehe z. B. New York Times 5. Juli 1936,[19] New York Sun 14. Mai 1938,[29] New York Times 11. November 1945,[41] und New York Times 15. Oktober 1982[51].
Mozart Geburt,[57] Mozart Tod,[58] Helen Geburt und Tod[59]
Referenzen
