Chris Barnard
Stiefeln und schreien
2017

Name: Stiefeln und schreien
Brand: Chris Barnard
Price: 3779.09 CHF
Availability: InStock
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Angaben zum Objekt

Basierend auf einer der Gemäldegalerien in der Met, aber mit einer fiktionalisierten Skulptur, deren Form auf einem ikonischen Foto von Will Counts basiert, das zeigt, wie ein weißer Rassentrenner am 23. September 1957 Alex Wilson, einen schwarzen Journalisten, in den Kopf tritt. Alex Wilson war in Little Rock, Arizona, als die "Little Rock Nine" versuchten, in die öffentlichen Schulen mit Rassentrennung einzutreten. [geb. 1977 - New York, NY ::: lebt und arbeitet - New Haven, CT] CHRIS BARNARD erhielt seinen BA in Yale und seinen MFA an der University of Southern California (USC) in Los Angeles. Barnard hatte zuvor Lehrtätigkeiten an der Denison University, der Indiana University und der USC inne und ist derzeit außerordentlicher Professor für Kunst am Connecticut College in New London. Barnards Arbeiten wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. in Los Angeles, New York, Chicago und New Haven gezeigt und sind in öffentlichen und privaten Sammlungen im In- und Ausland zu finden. Seine Arbeiten werden von der Fred Giampietro Gallery in New Haven vertreten, wo er und seine Partnerin leben. erklärung des Künstlers In meiner Arbeit konzentriere ich mich auf die Beziehung der weißen Vorherrschaft zu den privilegierten Räumen meiner Erfahrungen, wie private Kunst- und Bildungseinrichtungen. In einer Zeit, in der die Unterschiede in Bezug auf Wohlstand und Chancen immer größer werden, sind Diskussionen über Rasse, Macht, Gerechtigkeit und Repräsentation - auch in der visuellen Kultur - wichtiger denn je. In vielen meiner Kompositionen, die sich auf reale Orte beziehen, habe ich fiktive Elemente eingefügt, um Fragen über die Zugehörigkeit und die Prioritäten dieser Institutionen sowie über die Menschen - mich eingeschlossen - aufzuwerfen, die von ihnen profitiert haben oder sie weiterhin unterstützen. Die daraus resultierenden Werke sind gegenständlich, aber durch gestalterische Übergänge sowie Farb- und Oberflächenmanipulationen möchte ich Instabilität, Korrosion und Verfall suggerieren. Letztendlich ist es mein Anspruch, ansprechende Bilder zu schaffen, die Dissonanzen und Ambivalenzen suggerieren, die den Betrachter anlocken und herausfordern, so wie es die Malerei für mich tut. Diese Gemälde wurzeln in meinem Nachdenken über Weißsein und entstehen aus dem Ringen mit der Politik der Malerei - den Verbindungen und Lücken zwischen Malerei und gelebter Erfahrung. Sie spiegeln auch die Liebe zur Farbe, zum Akt des Malens und zur Macht des gemalten Bildes wider, den Respekt vor den Künstlern der Vergangenheit und der Gegenwart sowie vor denjenigen, denen die Ausübung nicht möglich war, und das Eingeständnis der Komplizenschaft der Malerei mit der hegemonialen Macht. Wie immer wird meine Arbeit von Fragen bestimmt. In diesem Fall geht es um Fragen wie: Welche Rolle spielt die Malerei angesichts der konkreten sozialen Krisen? Wie können meine Bilder maßgebliche und zum Nachdenken anregende Inhalte und Bilder respektvoll einbeziehen - anstatt sie auszunutzen? Was bedeutet es, über Rassismus, Entmenschlichung, Ungerechtigkeit usw. nachzudenken und dann solche Bilder zu malen, insbesondere als heterosexueller, weißer Mann? Diese Fragen und diese Arbeit verdanken wir der Arbeit anderer, vor allem vier Büchern von Wissenschaftlern: The History of White People, von Nell Irvin Painter; Ebony and Ivy: Race, Slavery, and the Troubled History of America's Universities von Craig Steven Wilder; The New Jim Crow: Mass Incarceration in the Age of Colorblindness, von Michelle Alexander; und White Rage, von Carol Anderson. Ich bin sehr dankbar für die gründliche Recherche und die Einblicke, die in diesen Büchern zu finden sind; jedes einzelne war ebenso inspirierend wie erschütternd. Die Arbeiten dieser und anderer Künstler haben meine eigene Arbeit unermesslich beeinflusst, indem sie konkrete Ideen für Kompositionen lieferten und - was ebenso wichtig ist - einen Standard, einen Ton und einen Geist im Studio vorgaben, den ich hochhalte. Es ist immer gefährlich, Kunst als Antwort auf Unmenschlichkeit und Leid zu machen. Ich tue dies aufrichtig und bescheiden, ohne Anspruch auf Erfolg oder Gewissheit. Und natürlich erkenne ich an, dass die Malerei im Vergleich zur direkten sozialen Aktion ihre Grenzen hat. Dennoch glaube ich, dass Kunst Interaktion und Selbstreflexion für den Einzelnen ermöglicht und Möglichkeiten für Dialog und Diskussion schafft. Ich hoffe, dass diese Werke ein gewisses Maß an innerem Kampf - zwischen Kompositionen, Materialien, Prozessen, Absichten und Erfahrungen - vermitteln, aber, was noch wichtiger ist, Gespräche und kritisches Denken anregen.

Schöpfer*in:

Chris Barnard (Amerikanisch)

Entstehungsjahr:

2017

Maße:

Höhe: 121,92 cm (48 in)Breite: 91,44 cm (36 in)

Medium:

Leinwand,Öl,Täfelung

Bewegung und Stil:

Zeitgenössisch

Zeitalter:

21. Jahrhundert