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Paula CraioveanuUnder the Veil 2, Akt, Original-Kunstwerk in Öl/Leinwand von Paula Craioveanu2024
2024
Angaben zum Objekt
"Under the Veil 2 (Break Free)" - Original Kunst - Öl auf Leinwand, 70x60cm/ 27.5x23.5in
Weiblicher Akt mit Schleier über ihrem Kopf.
Dieses Gemälde war das 2. in einer Serie von Gemälden, die weibliche Akte mit einem Schleier darstellten, das erste war "Nude in the Mirror". beide inspiriert von Renne Magrittes berühmtem Werk "Die Liebenden" von 1928. Das Gemälde von Renne Magritte zeigt einen Mann und eine Frau, die sich in einer Umarmung befinden und sich durch um den Kopf gewickelte Tücher küssen. Die mysteriöse Szene lädt den Betrachter dazu ein, sich zu fragen, warum die Liebenden nicht in der Lage sind, wirklich zu kommunizieren oder sich zu berühren.
Wird so versandt, wie er ist, gestreckt. Expressversand 7-10 Tage, Paket wiegt etwa 10lbs.
"Under the Veil 2" aus derselben Serie setzt die Erkundung der menschlichen Form, des Verbergens und unterbewusster Themen durch den Künstler fort, allerdings mit einer deutlicheren Atmosphäre und dynamischeren Energie als in der vorherigen Arbeit "Under the Veil 2".
Der weiße Schleier wirkt in diesem Werk weniger statisch als vielmehr lebendig, als würde er von einer Brise erfasst oder in Bewegung versetzt werden. Im Gegensatz zu dem roten Schleier des früheren Gemäldes wirkt dieser Schleier leichter und ätherischer und symbolisiert eine fließendere und vorübergehende Verbindung zum Unterbewusstsein. Die Wahl der Farbe Weiß steht für Reinheit, Klarheit und Neutralität und kontrastiert mit der intensiven Emotionalität des roten Schleiers. Der weiße Schleier suggeriert eine eher introspektive oder ruhige Erkundung der verborgenen Aspekte der Identität, mit weniger Spannung oder Dramatik.
Die entblößten Schultern und der Rücken verleihen der Figur einen Hauch von Sinnlichkeit und Verletzlichkeit, während der drapierte Schleier einen Kontrast schafft. Dieses Wechselspiel von Verbergen und Freilegen setzt das Interesse des Künstlers an der Spannung zwischen dem, was gesehen wird und dem, was verborgen bleibt, fort. Die Pose der Figur ist etwas offener und dynamischer als in "Under the Veil 2" mit einem ausgestreckten Arm, der eine Bewegung andeutet, als ob die Figur einen Schritt nach vorne macht oder die Hand ausstreckt. Dadurch entsteht ein Gefühl der Interaktion mit dem sie umgebenden Raum.
Der architektonische Hintergrund mit seinem vertikalen Streifenmuster verleiht dem Gemälde eine moderne, fast klinische Note. Diese Szenerie suggeriert eine städtische oder strukturierte Umgebung, die im Kontrast zu der fließenden Bewegung der Figur und des Schleiers steht. Die kalte Palette von Blau- und Weißtönen im Hintergrund erweckt Gefühle von Distanziertheit oder Introspektion. Dieses Setting kann einen mentalen oder emotionalen Zustand der Isolation oder Selbstreflexion widerspiegeln, wobei die Figur wie zwischen der äußeren Welt und ihrer inneren Psyche gefangen ist.
Der Schleier scheint sich zu heben oder zu lüften, was für Offenbarung und Verwandlung, Unsicherheit und Übergang steht. Das Unterbewusstsein wird zugänglicher, und die Schichten des Verborgenen werden gelüftet. Die Bewegung des Schleiers schafft Unklarheit - ob er enthüllt oder verbirgt, bleibt unklar. Dies spiegelt den komplexen Prozess der Selbstfindung wider, bei dem die Klarheit oft flüchtig ist.
Dieses Gemälde stellt Themen wie Freiheit, Selbstentdeckung und Interaktion mit der Außenwelt vor. Die Bewegung des Schleiers deutet auf einen Kampf oder ein Wechselspiel zwischen äußeren Kräften (symbolisiert durch den Wind) und dem inneren Selbst hin. Die teilweise Entblößung und die offene Pose der Figur deuten auf die Bereitschaft hin, in einen Moment der Selbsterkenntnis einzutreten, doch der Schleier bleibt bestehen und symbolisiert die ständige Präsenz des Unterbewusstseins.
Die kontinuierliche Verwendung der weiblichen Form unterstreicht die Themen Weiblichkeit, Verletzlichkeit und Stärke. Die Entscheidung, sie teilweise verdeckt darzustellen, ermöglicht es der Künstlerin, die Spannung zwischen gesellschaftlichen Erwartungen und persönlicher Identität zu erforschen, insbesondere für Frauen, die sich oft zwischen auferlegten Rollen und Selbstdarstellung bewegen.
Als Teil der Serie ergänzt dieses Gemälde "Under the Veil 1", indem es einen kontrastierenden emotionalen Ton bietet. Während "Under the Veil 1" mit einer gewissen Intensität und Introspektion in das Unterbewusstsein eindringt, wirkt dieses Stück eher wie eine Erkundung und ein Übergang. Sie überbrückt die Grenzen zwischen innerer und äußerer Welt und bietet einen Moment der Dynamik und Bewegung, der Fortschritt oder Transformation suggeriert.
Dieses Gemälde fügt der Serie eine faszinierende Ebene hinzu, indem es Bewegung und eine offenere, vorübergehende Energie einführt. Der weiße Schleier kontrastiert mit dem roten und bietet eine sanftere und neutralere Erkundung von Verborgenheit und unterbewussten Themen. Die dynamische Pose und der moderne, strukturierte Hintergrund erzeugen eine Spannung zwischen der fließenden inneren Welt der Figur und der Starrheit der äußeren Kräfte, was dieses Werk zu einer überzeugenden Meditation über Identität und Selbstbewusstsein macht.
Künstlerisches Statement
"Ich habe mit der Innenraummalerei begonnen, da ich mich schon während meines Studiums für Raum und Perspektive interessiert habe. Diese Szenen entwickelten sich, als ich die menschliche Figur hinzufügte. Ich habe mich mehr auf die menschliche Figur und ihr Verhältnis zum Hintergrund konzentriert. Die menschliche Figur ist in meinen Bildern jetzt präsenter denn je.
Als Künstlerin beschäftige ich mich mit der weiblichen Form und ihrer Bildsprache. Eines meiner Ziele war es, die einsamen Momente und die Beziehung des Aktes zum umgebenden Raum einzufangen.
Mein Interesse richtete sich nicht mehr auf die Darstellung des Raums, sondern auf die Wiedergabe der Atmosphäre und der Szene als Ganzes, auf das Gefühl, das eine Frau der Umgebung verleiht: Wärme, Sehnsucht, Freude, ein Gefühl von Macht und Kontrolle oder das Gegenteil - Traurigkeit, Verzweiflung.
Hier ist eine Sammlung von figurativen Gemälden, die die Akte in Innenräumen erforschen und die Akte aus meiner Perspektive als Künstlerin betrachten, die die physischen und spirituellen Realitäten des weiblichen Körpers in einer neuen Ebene der Intimität betrachtet. Meine Bilder sind das Gegenteil von der Objektivierung der Anatomie einer Frau oder eines Mannes. Gemalte Werke, die sowohl weibliche als auch männliche Akte zeigen, kehren das Schema männlicher Künstler/weibliche Muse um und bestätigen die weibliche Erfahrung, indem sie sich über sie definieren.
Ich interessierte mich dafür, wie man den Körper in einer sinnlichen Form erlebt, und konzentrierte mich später auf meinen eigenen Körper, wie ich ihn selbst erlebe, indem ich in den Spiegel schaue und mich wieder mit ihm verbinde.
Meine Arbeit stellt die Tradition des Aktes in Frage, indem sie meinen Standpunkt, den Blick einer weiblichen Malerin, einfängt, indem sie Fotografie, Zeichnungen, Skizzen und Malerei auf Leinwand zur physischen und psychologischen Erforschung einsetzt.
Meine Kunst versucht, eine visuelle Sprache für Emotionen, Schönheit, Gefühle von Intimität und gleichzeitig Autonomie zu schaffen, eingefangen mit Farbe und lebendigen Farben. Mein intensives Interesse an Farben und die Gesten der Pinselstriche sind die Mittel, mit denen ich die Themen im Raum als lebendige, leidenschaftliche Wesen sehe und wiedergebe."
Paula Craioveanu
Biographie:
Paula Craioveanu ist eine rumänische Künstlerin, geboren 1976. Sie wuchs umgeben von Kunst und Inspiration in einer Künstlerfamilie auf. Ausgebildet in Bukarest und New York als Architekt und Maler. Er hat einen Abschluss in Architektur und einen Doktortitel in Bildender Kunst. Zurzeit arbeitet er als Vollzeitkünstler.
Im Alter von 16 Jahren zog Paula Craioveanu nach New York, wo sie mit dem pulsierenden New Yorker Leben in Berührung kam. In der Kunstszene machte sie ihren Schulabschluss und studierte anschließend an der Parsons School of Design. Dann zog sie zurück nach Rumänien, wo sie die nächsten 6 Jahre an der Architekturuniversität in Bukarest studierte und im Jahr 2000 einen Abschluss in Architektur machte. 2013 promovierte sie in Bildender Kunst an der Universität der Künste in Bukarest mit dem Thema "Geometrie der Der Raum in der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts". Danach widmete sie sich voll und ganz der Kunst und zeigte ihr Talent in der Kunstwelt.
Paula Craioveanu arbeitet mit Acryl- und Ölfarben, aber auch mit Feder und Tinte oder Temperafarben auf Papier. Sie nimmt regelmäßig an Ausstellungen in Galerien an der Ost- und Westküste der Vereinigten Staaten teil, wie bG Gallery Santa Monica, Dacia Gallery und Perseus Gallery in New York.
Die Werke von Paula Craioveanu werden auf den beiden exklusivsten Online-Kunstmarktplätzen 1stDibs und Artsy angeboten.
Im Laufe von 20 Jahren hat Paula Craioveanu mehrere Bildserien geschaffen: "Abstrakt", "Interieur", "Akt im Interieur", "NeoMythologie". Die Werke von Paula Craioveanu befinden sich in Privatsammlungen auf der ganzen Welt, sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten.
Heute hat Paula Craioveanu Studios eingerichtet und arbeitet in Bukarest und New York.
Finden Sie originale Paula Craioveanu Gemälde, Arbeiten auf Papier und andere Kunst auf 1stDibs.
Nächste: Ausgestellte Werke - Dezember 2024, Context Art Miami.
- Schöpfer*in:Paula Craioveanu (1976, Rumänisch)
- Entstehungsjahr:2024
- Maße:Höhe: 80,01 cm (31,5 in)Breite: 59,69 cm (23,5 in)Tiefe: 2,54 cm (1 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Forest Hills, NY
- Referenznummer:Anbieter*in: Romanian-American artist. PhD in Visual Arts.1stDibs: LU2240214582412
Paula Craioveanu
Ausgebildet in Bukarest und New York als Architekt und Maler. Er hat einen Abschluss in Architektur und einen Doktortitel in Bildender Kunst. Zurzeit arbeitet er als Vollzeitkünstler.
Anbieterinformationen
5,0
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