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Bella FeldmanBrutalistische Bella Feldman-Skulptur ohne Titel, Stahl, Eisen
8.381,02 €
Angaben zum Objekt
Bella Feldman (Amerikanerin, geb. 1930), Ohne Titel, zweirädriger Metallwagen mit Metallkabeln, (Provenienz: Allan Stone Gallery, New York, NY) Verso angebrachtes Label der Galerie, insgesamt: 37 "H x 48 "L x 37 "B. Provenienz: Private Collection'S
Bella Feldman ist eine amerikanische Bildhauerin, die sich in ihren Werken mit den Themen Sexualität, Krieg und der anhaltenden Angst vor dem Industriezeitalter auseinandersetzt. Feldman ist bekannt für seine Pionierarbeit bei der Verwendung von Glas und Stahl. Ihr Werk ist dem Surrealismus, dem Postminimalismus und der feministischen Kunstbewegung nahestehend, obwohl sie keine formale Verbindung zu diesen Bewegungen hat. Der emeritierte Professor am California College of the Arts lebt und arbeitet in Oakland, Kalifornien, und London, England.
Bella Feldman wurde 1930 in New York City als Tochter einer jüdischen Arbeiterfamilie aus Polen geboren. Sie wuchs in den Mietskasernen der Bronx auf. Feldman besuchte während des Zweiten Weltkriegs die High School of Music & Art in Manhattan. Der Besuch von Museen und Galerien stand auf dem Lehrplan. Als Feldman dreizehn Jahre alt war, besuchte sie ihr erstes Kunstmuseum, das Museum of Modern Art. Dort sah sie Meret Oppenheims Object (1936), die pelzgefütterte Tasse und Untertasse, und war von ihrer starken psychologischen Reaktion auf dieses Werk beeindruckt. Andere frühe Einflüsse waren Alberto Giacomettis The Palace at 4 a.m. (1932) und die Skulpturen von David Smith. Eine von Feldmans frühesten Skulpturen Warrior (1952) ist eine Hommage an Giacometti.
Während des Holocausts verlor Feldman zahlreiche Familienmitglieder, die in Polen geblieben waren, eine Erfahrung, die ihre Weltanschauung prägte. Dazu gehört ihre lebenslange Beschäftigung mit dem Krieg und den überwältigenden Auswirkungen des militärisch-industriellen Komplexes.
Feldman erhielt einen BA vom Queens College, City University of New York. Im Alter von 18 Jahren heiratete sie Leonard Feldman und zog 1951 mit ihm nach Kalifornien, wo sie beide eine Stelle als Lehrer annahmen. Feldman hat zwei Kinder, Nina Feldman, geboren 1954, und Ethan Feldman, geboren 1956.
1965 begann Feldman am California College of the Arts zu unterrichten. 1971 zogen sie und ihre Familie mit einem Stipendium des E. L. Cabot Trust Fund der Harvard University nach Uganda, Ostafrika. Feldman verbrachte zwei Jahre als Kunstlehrer in Uganda, bevor der völkermörderische Krieg in diesem Land begann. Nach ihrer Rückkehr zu CCA wurde sie aufgrund ihres Geschlechts diskriminiert und ihr Arbeitsplatz war bedroht. Ihr erfolgreicher Kampf um die Erhaltung ihrer Position veranlasste sie später, sich für andere weibliche Lehrkräfte einzusetzen, denen sie zu Gleichberechtigung und Arbeitsplatzsicherheit verhalf. Feldman erwarb 1973 einen MA an der San Jose State University. Ihre Lehrer waren Sam Richardson, John Battenberg und Fletcher Benton.
In den 1970er Jahren realisierte Feldman mehrere Installationen, die verschiedene Stadien der Tiermetamorphose darstellen. Diese zeigten hybride, mutierte Kreaturen, die an Hieronymus Boschs Triptychon Der Garten der Lüste erinnern - Ratten, die sich in Fische verwandeln, und Schildkröten mit menschlichen Zügen. Die kleinformatigen Skulpturen wurden in großen Gruppen ausgestellt, ihre Vielzahl rief Aggression und Ungeziefer hervor. Birds (1970), ein Schwarm toter Vögel aus Metallguss, ging Kiki Smiths Jersey Crows (1995) voraus, während Metamorphic Turtles (1973-75) Smiths Sirenen und Harpyien (2002) vorwegnahm.
Kriegsspielzeug und Kriegsspielzeug Redux
War Toys (1992) ist eine Serie, die als Reaktion auf den ersten Golfkrieg entstand. Feldman war empört über den bewundernden Ton, den sie in der Stimme von Präsident George Bush hörte, als er sich auf die Patriot-Rakete bezog. Diese Werke spotteten über die Verlockung der Waffen und den vermeintlichen Ruhm der Gewalt. Die Serie War Toys bezieht sich auf die Skulpturen War Games (1989) von Magdalena Abakanowicz, riesige monströse Waffen aus Metall und Holz. Der Umfang und die Sinnlichkeit von Feldmans War Toys nehmen ihnen jedoch ihre Kraft. Die Serie steht in der Tradition der Kriegskritik zeitgenössischer Künstlerinnen, die Bilder von männlicher Sexualität und militärischer Aggression miteinander verweben. Beispiele sind Nancy Speros The War Series (1966-70), eine Reaktion auf den Vietnamkrieg, und Judith Bernsteins Iraq Travel Poster (1969).
War Toys Redux (2003) evozierte eine andere Art von Mutation: Die Metallskulpturen stellten ein Hybrid zwischen organischen und maschinellen Formen dar. Mit dieser Adaption wurde die Serie mit einem neuen Medium fortgesetzt, indem mundgeblasenes Glas mit Stahlarmaturen kombiniert wurde. Die Sinnlichkeit weicher, bauchiger Glasformen verstärkte die Vision früherer Kriegsspielzeuge, indem sie die Objekte der Aggression verweichlichten und sie impotent machten.
Flakons der Fiktion
Feldman leistete in den späten 1990er Jahren Pionierarbeit bei der Technik, Glas in Metallformen zu blasen. Die erste Serie von meist hängenden Skulpturen Flasks of Fiction (1998-2001) wurde ursprünglich von den Laternen in Moscheen inspiriert, die Feldman während seines Aufenthalts in der Türkei besuchte. Sie sagte über diese: "Ich habe Glas und Metall kombiniert, um sowohl Verletzlichkeit und Einschränkung als auch Verführung zu suggerieren." Flasks of Fiction stellt Feldman in eine Reihe mit postminimalistischen Bildhauern wie Eva Hesse, die die inhärenten Eigenschaften von Materialien erforschten und mit den Spannungen experimentierten, die sich aus der Bindung von gewölbten Formen oder der Aufrechterhaltung hängender Formen ergeben. In Flasks of Fiction nehmen gehärtete Materialien wie Glas und Stahl explizit Bezug auf Körper und Sexualität, so dass der Betrachter auf die körperlichen Hybride mit dem Auge reagiert.
Große Skulptur
Seit 2003 hat Feldman eine Reihe von großformatigen Skulpturen geschaffen, die ihr lebenslanges Interesse an Prozessen und Materialien verkörpern. Durch die Kombination von Metall und Glas, organischen Formen und Maschinenteilen, Aggression und Verletzlichkeit verweisen Werke wie Dyad (2003) und Jacob's Ladder (2011) in ihrem Maßstab auf Martin Puryear und in ihrer psychischen Intensität auf Louise Bourgeois.
Ausstellungen, Collections, Auszeichnungen
Feldman hat zahlreiche Preise für ihre Arbeiten erhalten, und ihre Skulpturen sind in Privat- und Museumssammlungen vertreten, darunter die Fine Arts Museums of San Francisco, das di Rosa Preserve, Napa, CA, und das Palm Springs Desert Museum. Ihre Arbeiten wurden national und international in Museen und Galerien ausgestellt, darunter das Oakland Museum of California, das Berkeley Art Museum, das Musée des Beaux Arts, Lausanne, Schweiz, das Alternative Museum, New York, das Contemporary Jewish Museum San Francisco, die Habatat Galleries, Chicago und Royal Oaks, MI, und die Jan Baum Gallery, Los Angeles. Feldman wurde 1986 mit dem National Endowment for the Arts Individual Artists Award ausgezeichnet und erhielt die Distinguished Artist Awards des Kala Art Institute, Berkeley, CA (2004), und des Women's Caucus for the Arts (2005). Im Jahr 2013 fand im Richmond Art Center, Richmond, Kalifornien, eine Übersicht über ihr fünfzigjähriges Schaffen statt.
- Schöpfer*in:Bella Feldman (1930, Amerikanisch)
- Maße:Höhe: 121,92 cm (48 in)Breite: 93,98 cm (37 in)Tiefe: 93,98 cm (37 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Surfside, FL
- Referenznummer:1stDibs: LU38211197262
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Abstrakte Neo-Dada-Skulptur: Assemblagen
Die abstrakte Bildhauerei hingegen nahm einen etwas anderen Verlauf. Statt sich auf ungegenständliche Themen zu konzentrieren, konzentrierte sie sich auf MATERIAL, woraus die Assemblage-Kunst entstand - eine Form der dreidimensionalen visuellen Kunst, die aus alltäglichen, angeblich vom Künstler "gefundenen" Gegenständen (objets trouves) besteht. Die in den 1950er und 1960er Jahren in Amerika populäre Assemblage schloss die Lücke zwischen Collage und Skulptur, während die Verwendung von kunstfremden Materialien - ein Merkmal der Neo-Dada-Kunst - die Verwendung von Massenprodukten in der Pop-Art vorwegnahm. Die Assemblage-Skulptur wird durch die Werke von Louise Nevelson (1899-1988), wie Mirror Image 1 (1969, Museum of Fine Arts, Houston), und von Jean Dubuffet (1901-85) und seinem Monument with Standing Beast (1960, James R. Thompson Center, Chicago) veranschaulicht. Eine wichtige Ausstellung im Museum of Modern Art in New York im Jahr 1961 mit dem Titel "The Art of Assemblage" verlieh diesem Idiom erheblichen Auftrieb.
Weitere Beispiele für die neodadaistische "Junk Art" sind Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) und Australia (1951, MoMA, NY), beide von David Smith (1906-1965); Untitled (Holz, Metallteile, Nägel) (1960, Museum of Modern Art NYC) von Jesus Rafael Soto (geb. 1923); und bestimmte "Kombinationen" von Robert Rauschenberg (1925-2008), wie First Landing Jump (aus: Gemälde, Stoff, Metall, Leder, elektrisches Gerät, Kabel, Ölfarbe, Karton) (1961, MoMA, NY). Untitled (industrial felt) (1967, Kunsthalle, Hamburg) von Robert Morris (geb. 1931) ist ein weiteres Beispiel für die Verwendung ungewöhnlicher Materialien in der Bildhauerei, ebenso wie das minimalistische Monument For Vladimir Tatlin (neon-lighting tubes) (1975, Musee National d'Art Moderne, Centre George Pompidou) von Dan Flavin (1933-96).
DADA verherrlichte auch die Nonsens-Kunst, und was ist absurder als eine Skulptur, die sich selbst vernichtet? Zweifellos war dies ein wichtiges Element in der Philosophie des Werks von Jean Tinguely (1925-91), dem unübertroffenen Meister der selbstzerstörenden Skulptur, als dessen Meisterwerk allgemein die Hommage an New York (1960, Museum of Modern Art, New York) gilt.
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