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Duayne Hatchett
Banner (abstrakte expressionistische Skulptur, Tulsa OK Künstlerin)
1958

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Angaben zum Objekt

Duayne Hatchett ((1925-2015). Banner, 1958. Geschweißtes Metall, Skulptur misst 11 H. x 9 B. x 3,75 T. Zoll. Messen insgesamt 17,5 Zoll hoch auf Basis. Basis misst 5,5 x 5,5 x 6 Zoll h. Signiert, datiert und betitelt auf der Unterseite des Sockels. Ausgezeichneter Zustand ohne Beschädigung oder Konservierung. Duayne Hatchett war ein bildender Künstler, dessen Werk Drucke, Gemälde, Skulpturen und gefundene Objekte umfasst. Er wurde am 12. Mai 1925 in Shawnee, Oklahoma, geboren. Er meldete sich bei der Luftwaffe, wo er Ausbildung zum Kampfpiloten. Nachdem er das Militär verlassen hatte, studierte er Design an der Universität von Oklahoma. Seine hochtechnische Militärausbildung verband eine mathematische Intelligenz mit einer Liebe zur Physik und einer kühnen Umarmung neuer Erfahrungen, die bald die Werkzeuge für seine künstlerische Entwicklung sein sollten. Zwei wichtige Einflüsse wirkten sich auf seine frühe Entwicklung an der OU aus. Emelio Omero, ein Kollege und enger Freund von Diego Rivera, führte ihn in die revolutionären Kunstideen von Mexiko-Stadt ein und lehrte ihn eine breite Palette von Drucktechniken, die 1952 in einem Master-Abschluss in Malerei gipfelten. In dieser Zeit lernte er Bruce Goff kennen, einen renommierten Wright-Schüler, der an der OU Architektur unterrichtete und mit Hatchett befreundet war und ihn in die avantgardistischste Architektur jener Zeit einführte. Während seines Studiums an der OU verbrachte er die Sommermonate damit, für ein kleines Schildergeschäft zu entwerfen, das ihn mit neuen Materialien für den Bau von Neon-, Plastik- und Metallschildern bekannt machte. Die Verwendung neuer MATERIALIEN und ein ausgeprägtes Gespür für Design sollten bald zu unschätzbaren Bausteinen für die künftige Bildhauerei werden. Während dieser Zeit lernte er Mary Ellen Jeffries kennen und heiratete sie. Sie verbrachten ihr Leben gemeinsam und zogen drei Kinder groß: David (mich), meinen Bruder Dana und meine Schwester Jeffri. Als Kinder wurden sie von Kindesbeinen an mit Kunst konfrontiert und profitierten sehr von diesem liebevollen künstlerischen und häuslichen Umfeld. Hatchett interessierte sich schon immer für die Techniken des Bauens, beobachtete oft verschiedene Handwerker bei ihrer Arbeit und verstand, wie die Materialien zusammengefügt werden, um die von Menschenhand geschaffene Umgebung zu gestalten, die ihn umgab. Während er von 1951 bis '54 an der Oklahoma City University Druckgrafik unterrichtete, begann er, Skulpturen zu bauen und dabei einige der Materialien und Techniken zu verwenden, die er bei den Arbeitern sah. Er begann, die Aufmerksamkeit der Architekten auf sich zu lenken, und interessierte sich für deren Arbeitsprozesse, die von den Entwürfen bis zur Konstruktion reichten. 1954 nahm er eine Einladung von Alexander Hogue an, an der Universität Tulsa Bildhauerei zu unterrichten. Er zog mit seiner Familie nach Tulsa, wo er die nächsten zehn Jahre unterrichten sollte. Während seiner Zeit in Tulsa wurde er als Lehrer und Bildhauer bekannt und hielt häufig Vorträge auf verschiedenen Bildhauerkonferenzen im ganzen Land. Er begann auch, Aufträge für Skulpturen zu erhalten, während sich seine Interaktion mit der Architektur weiterentwickelte. Er begann, einige der einflussreichsten New Yorker Künstler zu treffen und sich mit ihnen auszutauschen, darunter David Smith, Louise Nevelson, Noguchi und der Chicagoer Künstler Richard Hunt. Das "gefundene Objekt" wurde für viele Künstler, darunter auch Hatchett, zu einem wichtigen Thema. Seine häufigen Ausflüge zu Schrottplätzen lieferten das Material für geschweißte Skulpturen, die abstrakte Formen erforschten, die an die Welt um ihn herum erinnern. Die Inspirationsquellen reichten von einer toten Katze, die auf der Straße zerschmettert wurde, bis zum Sputnik, der die Erde umkreist. Die Alan Stone gallery in New York City arrangierte 1963 eine Ausstellung von zwei dieser Werke im Museum of Modern Art. 1964 wurde ihm ein Lehrauftrag an der Ohio State University angeboten, wo er die nächsten drei Jahre Bildhauerei unterrichtete und einen Sprung der Vorstellungskraft machte, der seine Kunst in die Museen und Galerien von New York City und darüber hinaus bringen sollte. Er begann damit, gefundene Gegenstände nicht mehr zu kombinieren, sondern aus gefundenen Materialien Objekte herzustellen, die er "Totems" nannte. Die Royal Marks Gallery in New York City begann 1964, Hatchett zu vertreten und sorgte dafür, dass er in die Ausstellung "Young American Sculpture East to West" aufgenommen wurde, die die Vereinigten Staaten auf der New Yorker Weltausstellung 1964 repräsentierte. Dann ließ er (bis in die 90er Jahre) jede Andeutung eines Fundstücks oder Schrottmaterials hinter sich und ging zur reinen Abstraktion über, was man nur als "moderne" Kunst bezeichnen kann. In Anlehnung an die moderne Architektur begann er, vereinfachte Volumina und Flächen zu zeichnen, die nur minimal wiedergegeben wurden, um sie als Ganzes zu erfassen. Die aus industriellen Materialien, Blechen und Kunststoffen gefertigten Bilder suggerieren den Eindruck von moderner Technologie und architektonischer Genauigkeit in der Umgebung. Diese neuen Arbeiten führten zu mehreren Einzelausstellungen, darunter 1965, '68, '69 und '70 in der Royal Marks Gallery, und definierten einen bedeutenden Wandel in seinem Werk, der sich in den nächsten zwei Jahrzehnten fortsetzen sollte. Er wurde auf dem Titelblatt des Whitney Annual abgebildet, und das Whitney Museum erwarb 1967 eine große Skulptur von ihm. Er wurde in die Ausstellung American Sculpture of the Sixties im Los Angeles County Museum und in die Pittsburgh International im Carnegie Institute Museum of Art im selben Jahr aufgenommen. 1968 nahm er einen Lehrauftrag an der University of Buffalo an, wo er in den folgenden 24 Jahren die Abteilung für Bildhauerei leitete und seine Kunst in verschiedene Richtungen entwickelte. Er begann mit einer Reihe von Gemälden, die die einfachen Strichzeichnungen, die zuvor die Metallskulptur definiert hatten, aufgriffen. Diese Gemälde erforschten die optische Relativität des zwei- und dreidimensionalen Raums, der auf einer flachen Ebene dargestellt wird. Er entwickelte auch seine geometrischen, minimalistischen Skulpturen weiter und erhielt mehrere Aufträge im ganzen Land. 1974 präsentierte die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, NY, Duayne Hatchett: Recent Paintings and Sculpture. In den darauffolgenden Jahren wurden seine Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen im ganzen Land gezeigt. Im Studio fand das Zusammentreffen von Konstruktion und "gefundenem Objekt" auf völlig unerwartete Weise wieder Eingang in seine Arbeit. Die Konstruktion selbst wurde zum kreativen Motor für seine neue Kunst. Neue Werkzeuge und Arbeitsverfahren wurden übernommen oder erfunden, um neue Kunst zu schaffen. Die Kelle ersetzte den Pinsel bei der Herstellung neuer Gemälde. Werkzeuge zum Walzen und Brünieren von Metall werden erfunden und die Nietung wird für den Bau neuer Skulpturen eingesetzt. Beeinflusst wurde er von den Eigenschaften von Materialien und Gegenständen wie Wellblech, den optischen Effekten von Kunststoffen, Metallgittern und Blechdosen, die er in seiner vom Menschen geschaffenen Umgebung vorfand, aber auch von abgeholzten Baumstämmen und Treibholz aus seiner natürlichen Umgebung. Er begann, in der Abgeschiedenheit seines Studios Skulpturen zu bauen, die von der Öffentlichkeit weitgehend unbemerkt blieben. In den späten 90er Jahren tauchte das Fundstück in Form einer neuen Skulptur wieder auf, die aus Eisenbahnnägeln besteht, die zu organischen, an die Natur erinnernden Konglomeraten zusammengeschweißt wurden. Er begann auch, Assemblagen aus gefundenen Objekten und Materialien zu bauen, die eine durchgehende, flache Oberfläche aufwiesen und gleichzeitig Skulpturen und Blöcke für Drucke darstellten. Durch den Einsatz einer breiten Palette von Drucktechniken, die er erfand, fertigte er Monodrucke an, die das Bild der zusammengefügten Materialkonstruktionen aufzeichnen, wodurch er seine früheren Verwendungen des gefundenen Objekts stark erweiterte und die Bildsprache in seiner Druckgrafik stark ausbaute. Von der Druckgrafik und Malerei der späten 40er Jahre, die von der mexikanischen Kunst beeinflusst waren, über die Verwendung von Altmetall aus gefundenen Objekten in den 50er und frühen 60er Jahren, über die minimalistischen Skulpturen und Gemälde, die von der modernen Architektur der 60er und 70er Jahre beeinflusst waren, bis hin zu den Gemälden, Skulpturen und Druckgrafiken der letzten vierzig Jahre hat Duayne Hatchett einen persönlichen Ausdruck entwickelt, der eine universelle Reaktion hervorruft. Seine einzigartige visuelle Sprache ist durch die Erfindung von Werkzeugen, die Manipulation verschiedener Materialien und Objekte entstanden, die er in einer einheitlichen Form präsentiert. Diese Ausdrücke spiegeln unsere Umwelt wider, im Besonderen und im Allgemeinen, als Objekte, die einmal benutzt werden, oder als Muster im Spiel. Hatchetts Kunstwerke sind interaktive Gefäße, die ihren Inhalt als potenzielle Energie in sich tragen und darauf warten, unsere Erinnerungen und unsere Sinne durch den Akt der Betrachtung freizusetzen.

Schöpfer*in:
Duayne Hatchett (1925 - 2015)
Entstehungsjahr:
1958
Maße:
Höhe: 44,45 cm (17,5 in)Breite: 22,86 cm (9 in)Tiefe: 9,53 cm (3,75 in)
Medium:
Metall
Bewegung und Stil:
Abstrakter Expressionismus
Zeitalter:
Mittleres 20. Jahrhundert
Zustand:
Galeriestandort:
Wilton Manors, FL
Referenznummer:
1stDibs: LU245214037752

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