Lazzaro Donati
Regina inthronisiert

Name: Regina inthronisiert
Brand: Lazzaro Donati
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Angaben zum Objekt

Lazzaro Donati (Italiener 1926-1977) "La Regina" Bronze Unterzeichnet auf der Basis Größe: ca. 19 x 9 x 9 Zoll Lazzaro Donati (1926-1977) wurde 1926 in Florenz geboren und besuchte die Akademie der Schönen Künste. Er begann 1953 zu malen und hatte 1955 seine erste Ausstellung in der Galerie Indiano in Florenz. Innerhalb von drei Jahren folgten elf Ausstellungen in Italien, und als sein Ruf wuchs, wurde er zu großen Ausstellungen in London, Paris, New York, Chicago, Rio de Janeiro und Montevideo eingeladen. Er gilt als einer der bedeutendsten zeitgenössischen italienischen Maler und seine Gemälde hängen in Museen und Privatsammlungen in ganz Amerika, Europa und Asien. Herr Donati lebte und arbeitete an der Piazza Donatello 24 in Florenz, dem Platz, an dem Generationen von Künstlern Werke geschaffen haben, die der großen florentinischen Tradition würdig sind. Als man den schmalen Flur zu seinem Studio betrat, winkte einem ein vergoldeter, lebensgroßer venezianischer Engel zu seiner Tür. Im Inneren des Gebäudes verblasst die Gegenwart und man findet sich in einem Atelier wieder, in dem die frühen Meister der Renaissance gearbeitet haben könnten. Im Inneren setzen luxuriöse Perserteppiche die unzähligen Kunstgegenstände und antiken Möbel in Szene. Durch die schräge Glaswand an der Nordseite drang Licht ein. Eine dramatische Treppe führte zu einem überhängenden Balkon, der als private Galerie diente, in der der Künstler einige seiner frühen Lieblingswerke aufhängte. Links vom Eingang befand sich ein kleineres Studio, in dem Donati Bildhauer war, mit einem Fenster, das den berühmten alten englischen Friedhof überblickte, auf dem Touristen Blumen auf das Grab von Elizabeth Barrett Browning legten. Im Hauptstudio selbst, wo Donati seine Kunden in einer Atmosphäre empfing, die so poliert war wie das Büro eines Topmanagers, merkte man kaum, dass der Künstler hier tatsächlich malte. Seine Staffelei war mit persisch-blauem Samt bezogen, das Gemälde auf der Staffelei war bereits gerahmt, sein Stuhl war mit rotem Samt gepolstert und auf seiner Palette waren die Farben mit der Präzision eines byzantinischen Mosaiks angeordnet. In einer Ecke standen seine neuesten Werke, gerahmt und bereit, zu seiner nächsten Ausstellung in Europa oder Amerika verschickt zu werden. Donati war der geborene Gastgeber mit einem herzlichen Empfang, ein eleganter Mann mit viel Charme, einem guten Wesen und einem ausgeprägten Sinn für Humor. Offensichtlich schüchtern, zog er es vor, über Themen zu sprechen, die nichts mit seiner Kunst zu tun hatten, und lenkte den Betrachter absichtlich von seinen Gemälden ab, um ihn dann taktvoll und ohne Überheblichkeit zu ihnen zurückzuführen. Er sprach fließend Französisch und Englisch, außerdem etwas Spanisch und Deutsch. "Schließlich", so Gotting, "muss man wissen, wie man ein Bild an alle verkauft." Er hatte kein Verständnis für die "drip and splash"-Studios seiner Zeitgenossen und zog es vor, sein Studio ordentlich und makellos zu halten. "Malen ist eine Frage der Präzision", sagte er, "wenn ein Maler seine Farbe nicht dorthin bringen kann, wo er sie haben will, dann kann er sich nicht Maler nennen. Für mich ist es absolut notwendig, die Farbe zu kontrollieren." Auf die Frage nach der Technik, mit der er die für seine Gemälde typische Emaille-ähnliche Oberfläche erzielt, antwortete er: "Das ist ein Geheimnis zwischen mir und meinem Butler. Eigentlich sind die meisten meiner Bilder von ihm!" Doch hinter der Fassade war Donati ein seriöser Handwerker, der sich der Malerei als Lebenseinstellung und Ausdrucksmittel widmete. Von Beginn seiner Karriere an zeigen seine Bilder ein Streben nach Perfektion und eine ständige Auseinandersetzung mit stilistischen und technischen Problemen. Seine frühen Werke lassen ein vorübergehendes Interesse am Surrealismus und an der abstrakten Kunst erkennen; sie sind überwiegend zweidimensional und beruhen auf Linien und kräftigen Farben. Mit seinem Gemälde Die Dame mit dem Fächer, das er an einem Ehrenplatz auf seinem Balkon aufgehängt hatte, vollzog sich 1958 jedoch ein engagierter Stilwechsel. Es gab ein neues Interesse am Volumen und eine besondere Vorliebe für geschwungene Formen. Zu diesem Zeitpunkt war Donati bereits auf dem besten Weg, seine ganz persönliche Ausdrucksform zu entwickeln, die wenig mit den großen Schulen der zeitgenössischen Malerei zu tun hatte. Sein Vorgehen beim Aufbau des Gemäldes war ungewöhnlich. Nur für seine frühesten Werke verwendete Donati Leinwand. Er malte fast ausschließlich auf speziell behandelten Holzplatten. Er legte die Platte flach auf den Tisch und trug zunächst den Hintergrund mit den reichen, durchscheinenden Glasuren auf, die seinem Werk das charakteristische Aussehen verleihen. Dieser "Hintergrund" lässt sich vielleicht besser als die Atmosphäre beschreiben, in der seine Themen existierten oder aus der sie schließlich hervorgingen. Anschließend zeichnete er die Formen der Komposition mit einer speziellen Kreide ein. Ein Minimum an Linie diente dazu, ein Gefühl von Volumen zu evozieren, Figuren und Hintergrund durchdringen sich gegenseitig. Danach kehrte er zu seinen Gemälden zurück, wobei er verschiedene Techniken einsetzte, um seine brillanten Farb- und Struktureffekte zu erzielen. Die Volumen werden definiert und die Ebenen der Komposition festgelegt. Schließlich vervollständigte er sein Werk mit dem, was er "Lumi" nennt, ein archaisches italienisches Wort, das "Lichter" bedeutet, federleichte Berührungen aus reiner Farbe, die dazu dienten, den Sinn für Volumen zu betonen. Donati fasst seine künstlerischen Absichten folgendermaßen zusammen: "Ich versuche, die Erfahrung der abstrakten Kunst zu nutzen, indem ich eine runde Zeichnung überlagere und dann Lichtpunkte hinzufüge, um ihr mehr Volumen zu verleihen. Ich versuche, das System der Renaissance mit modernen Einflüssen zu nutzen." Das ist der interessante Punkt: dass Donati seine Themen aus der Abstraktion heraus und auf sie aufgesetzt hat. Die vielleicht bemerkenswerteste Fähigkeit Donatis ist seine Beherrschung der Farbe. In seinem Studio hatte er vier Paletten. Zwei waren auf seinem Arbeitstisch im Einsatz, einer für Erdfarben und einer für die hohen Töne. Hinter der Staffelei hingen zwei weitere, jeweils mit einem Kaleidoskop von Farben. Auf die Frage nach dem Grund antwortete Donati: "Ich bewahre diese Paletten über der Staffelei auf, um die Farben festzuhalten, sonst vergesse ich sie. Farbe ist zu wichtig, um sich auf Versuch und Irrtum zu verlassen. Ich sehe eine Farbe auf einer dieser Paletten, setze sie in das Bild vor meinem geistigen Auge ein, und das verhindert, dass ich Fehler mache." So hat Donati mit großer Sorgfalt die Reinheit und Lebendigkeit der Farben und die scheinbare Spontaneität erreicht, die seine Bilder auszeichnen. Die Malerei von Donati lässt sich keiner bestimmten Malschule zuordnen. Über seine künstlerische Inspiration sagte er: "Ich bin mir nicht bewusst, dass ich einen bestimmten Maler nachgeahmt habe oder von ihm beeinflusst wurde, aber jedes Bild enthält die Erfahrungen vieler früherer Maler. Kein Künstler kann malen, ohne von Meistern wie Raphael, Michelangelo, Tizian und außerhalb Italiens von Künstlern wie Rembrandt und Renoir beeinflusst zu werden." In einigen seiner größeren Gemälde mit ihren madonnenhaften Figuren und weitläufigen Landschaftshintergründen ist der Einfluss der italienischen Renaissancemalerei zu erkennen, sowohl in bestimmten Motiven als auch in der Monumentalität der Konzeption. Aber in jedem Fall diente die ursprüngliche Inspiration nur als Ausgangspunkt für ein völlig neues und kreatives Kunstwerk. Die Themen, die Donati bevorzugt malte, spiegeln diesen persönlichen Stil wider. Im Laufe der Jahre hatte er sich mit denselben Themen beschäftigt und sie mit seiner eigenen poetischen Vision umgestaltet. Seine am häufigsten wiederkehrenden Motive, der Akt, das Stillleben und die Stadtlandschaft, spiegeln zum Teil seine stilistische Vorliebe für runde Formen wider. "Ich male die weibliche Form", sagte er, "nicht nur, weil sie schön ist, sondern weil sie im Grunde rund ist." Ein weiteres Lieblingsthema ist die Stadtlandschaft, und auch hier zeigt sich seine Vorliebe für geschwungene Formen in der Wahl zweier Kuppelkirchen, der Salute in Venedig und Santo Spirito in Florenz, die er beide in unzähligen Versionen in leuchtenden, vibrierenden Farben malte. Das Stillleben war sein drittes großes Thema. Immer wieder ließ er sich von einer Obstschale inspirieren und kreierte sie neu, während sich sein eigener Stil ständig weiterentwickelte und veränderte. Bei Donati wurden diese wenigen Themen, die in den Werken großer Meister der Malereigeschichte immer wieder auftauchen, in jedem Fall zu einer neuen Quelle des Vergnügens, zu einer neuen Sichtweise und zu einem Einblick in die kreative Vision des Künstlers. Donati lebte in der Tradition der großen Florentiner Maler der Vergangenheit, die die Malerei als einen Beruf wie jeden anderen betrachteten, bei dem der Erfolg davon abhängt, ob das eigene Werk von anderen Menschen gemocht wird. So arbeitete Lazzaro Donati selbst in seinem Studio und schuf, experimentierte, veränderte, zerstörte die Fehler und hoffte, die Erfolge zu verkaufen. Außerhalb seines Studios genoss er ein aktives gesellschaftliches Leben. Er war warmherzig und charmant und fühlte sich am Tisch des Botschafters ebenso wohl wie in der Trattoria auf dem Platz. Seine Talente waren nicht auf die Malerei beschränkt. Er war auch Bildhauer und ein hervorragender Fotograf, der zwei Fotobände in der Reihe Berühmte Städte der Welt über Venedig und Florenz veröffentlichte. Außerdem promovierte er in Wirtschaftswissenschaften an der Universität Florenz. Obwohl seine Malerei von der europäischen Kultur und den großen Traditionen des Landes, in dem er lebt, genährt wurde, hat Lazzaro Donati eine eigene und kohärente künstlerische Persönlichkeit entwickelt. Seine Gemälde sind im Wesentlichen erfreulich. Einige sind ergreifend, andere wehmütig, die meisten sind fröhlich, und alle schimmern in Licht und Farbe wie eine Art durchsichtiges Juwel.

Schöpfer*in:
Lazzaro Donati (1926 - 1977, Italienisch)
Maße:
Höhe: 48,26 cm (19 in)Breite: 22,86 cm (9 in)Tiefe: 22,86 cm (9 in)
Medium:
Bronze
Bewegung und Stil:
Moderne
Zeitalter:
Spätes 20. Jahrhundert
Zustand:
Galeriestandort:
Missouri, MO
Referenznummer:
1stDibs: LU74735131451

Pierre Jules Mêne
Chien-Armband (Tom), c. 1860

3.000 $

Vorbereitungen für die Fahrt

Vorbereitungen für die Fahrt von. George B. Marks (Amerikaner, 1923-1983) Unterzeichnet und datiert Während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn war George Marks' Werk stets vom ...

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