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Roberto CortazarRoberto Cortazar: Büste einer Frau1990
1990
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Büste einer Frau, Bronzeskulptur.
Bronze mit dunkelbrauner Patina, auf der Rückseite signiert R. Cortazar 1/9.
Ursprünglich stammt er aus Tapachula, Chiapas, Mexiko, und wurde 1962 in eine Familie hineingeboren, die sich direkt oder indirekt dem Kunsthandwerk widmet. Seine tiefe künstlerische Berufung führte dazu, dass er im Alter von 14 Jahren zu malen begann. 1976 begann er sein Studium an der Nationalen Schule für künstlerische Initiation Nr. 2, INBA-SEP; 1977 trat er in die Nationale Schule für Malerei, Bildhauerei und Gravur La Esmeralda (INBA) ein, und 1980 erhielt er sein erstes Stipendium in "Production Artistic" der Nationalen Directional of Plastic Arts der INBA.
Noch vor seinem Abschluss an der Nationalen Schule begann er seine berufliche Laufbahn mit der Teilnahme an verschiedenen Wettbewerben, wobei seine Präsenz in der Zweiten Jahresausstellung des Museums für plastische Künste des Nationalen Palastes der Schönen Künste (1980) als Finalist in der Sektion Neue Figuration und Neoexpressionismus hervorgehoben wurde. Ebenso wurde es 1981 auf der Zweiten Nationalen Begegnung junger Kunst präsentiert und gewann 1982 den Sonderpreis der Ersten Zeichnungsbiennale der Nationalen Ausstellung Plastischer Künste des INBA, was die Aufmerksamkeit der Fachkritik auf sich zog, insbesondere die der Meisterin Raquel Tibol und des legendären mexikanischen Videofilmers Fernando Gamboa. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1983 in der Sloanne Racotta Gallery in Mexiko-Stadt.
Im Jahr 1984 präsentierte er eine Einzelausstellung in der Reynold Kerr Soho Gallery (New York, NY) und der Misrachi Gallery (Mexiko, D.F.). Teilnahme an einer Vielzahl von Gruppenausstellungen in verschiedenen Museen und Galerien, vor allem in Mexiko, Mittelamerika und den Vereinigten Staaten. 1988 präsentierte er eine Einzelausstellung im Museum für Moderne Kunst in Mexiko-Stadt.
mit dem Titel Anatomien, die später auch in anderen Einrichtungen wie dem Museum von Monterrey (Monterrey, N.L.) und dem Regionalmuseum von Guadalajara (Guadalajara, Jal) gezeigt wurde.
1991 stellte er in der Eröffnungsausstellung des Museums für Zeitgenössische Kunst von Monterrey (MARCO) mit dem Titel Mythos und Magie in Amerika aus: Die achtziger Jahre. 1995 organisierte das Nationalmuseum des Palastes der Schönen Künste eine Retrospektive seines Werks mit dem Titel Postmoderne, gefolgt von einer intensiven Tätigkeit in verschiedenen Galerien und auf Kunstmessen in ganz Amerika.
In diesem Jahrzehnt war er als Gründungsmitglied der Beratenden Kommission des Nationalen Fonds für Kultur und Kunst (FONCA, Mexiko, DF.) beteiligt; von 1990 bis 1994 war er außerdem akademischer Tutor und Jurymitglied der gleichen Institution. Er unterrichtete zahlreiche Konferenzen und Kurse, sowohl für die akademische Weiterbildung als auch für Bachelor-Abschlüsse in verschiedenen Institutionen wie der Nationalen Schule für Bildhauerei, Malerei und Gravur La Esmeralda, der Universität des Klosters von Sor Juana, dem College von San Ildefonso, dem Museum für moderne Kunst von Mexiko-Stadt und dem Museum für zeitgenössische Kunst von Monterrey (MARCO). Er war der Hauptberater für die Umstrukturierung der Nationalen Schule für Malerei und Bildhauerei und für verschiedene Diplomarbeiten sowie Jurymitglied bei einer Vielzahl von Kunstwettbewerben wie dem Nationalen Treffen für junge Kunst, der Biennale Advance I, der Kunst von Zacatecas und anderen mehr.
Im Jahr 2000 nahm er an der Gruppenausstellung Soleils Mexicans im Museum Petit-Palais, Paris, Frankreich, teil und erhielt gute Kritiken.
Seit 2004 hat er eine besonders reiche Reihe von Einzelausstellungen gemacht.
Seine tiefgreifende ästhetische Forschung sowie seine unermüdliche Produktionskraft ermöglichen es ihm, ein Werk in Malerei, Fotografie, Skulptur und Montage zu entwickeln, das zuerst 2006 im Museo de la Fundación Amparo (Puebla, Mexiko) in einer Ausstellung mit dem Titel Saturn in der Welt der Paradoxe präsentiert wurde, die dann 2007 im Museum für Zeitgenössische Kunst von Monterrey, MARCO (Monterrey, Mexiko), gezeigt wurde.
sofort die Aufmerksamkeit der Fachwelt kritisiert und der Kunst.
Im Jahr 2007 nahm er an der Kollektivausstellung Pinta NY im Metropolitan Pavilion, NY, USA, teil.
Die einzigartige Beziehung zwischen klassischen Strukturen und deren Verschmelzung mit den weiterentwickelten Formen der plastischen Sprache des 20. Jahrhunderts hat ihn dazu gebracht, einen einzigartigen Stil zu entwickeln, den man als neomodernistisch bezeichnen könnte, der sich in einer persönlichen Untersuchung über vier Meisterwerke des mexikanischen Wandmalers José Clemente Orozco (1883-1949) verdichtet, wobei er die Staffeleimalerei des Meisters des Muralismus in seinen letzten beiden Werken neu interpretiert.
Lebensjahren.
Nach dem Studium eines Meisterwerks des mexikanischen Wandmalers José Clemente Orozco mit dem Titel El Desmembrado, das der Staffelei seines letzten Lebensjahres entspricht, entwickelt er 2009 eine Reihe von Variationen aus der Perspektive des heutigen Lateinamerikas
Cortázar stützte sich hauptsächlich auf ein Gemälde mit dem Titel "El dismembrado", an dem er eine Reihe wichtiger Variationen arbeitete, die in einer Einzelausstellung mit dem Titel
Los Desmembrados, die im Nationalen Kunstmuseum MUNAL (Mexiko, D.F.) präsentiert wurde.
Robert Cortázar ist ein mexikanischer Konzeptkünstler. Er spielt gerne mit abstrakten Elementen im Gegensatz zu einer akademischen Figuration, er malt mit einer fast monochromen Palette, die mit einem Hauch von hellen Farben eindringt und die Lichter und Schatten ausgleicht, um Kontraste zu schaffen.
Cortázar begann mit der Verformung des menschlichen Körpers zu experimentieren, indem er die Linien und die ausdrucksstärksten Punkte der Gemälde des Meisters José Clemente Orozco analysierte. Unter diesem Einfluss veränderte er die Kompositionen und schaffte es, den Rhythmus der menschlichen Figur über das Traditionelle hinaus zu betonen.
Gegenwärtig zählt Cortázar zu den herausragendsten zeitgenössischen Künstlern Lateinamerikas, und sein Werk ist weltweit anerkannt; er ist bekannt für seine Malerei und Bildhauerei.
- Schöpfer*in:Roberto Cortazar (1962, Mexikanisch)
- Entstehungsjahr:1990
- Maße:Höhe: 41,91 cm (16,5 in)Breite: 41,91 cm (16,5 in)Tiefe: 22,86 cm (9 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:Lake Worth Beach, FL
- Referenznummer:1stDibs: LU19223805412
Anbieterinformationen
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Es handelt sich um eine Bronzeguss-Skulptur von Philip Pavia, die zu seiner Serie "Imaginary Portraits from the Club" gehört, einer Einzelausstellung in der Max Protetch Gallery, New York, 1982. Die Darstellung der Figur ist grotesk, und die Gesichtszüge sind so stark verzerrt, dass das Porträt zu einer abstrakten Interpretation der Person wird.
Als Künstler und Schriftsteller war Philip Pavia während seiner langen und bedeutenden Karriere ein engagiertes Mitglied der Gemeinschaft der Abstrakten Kunst. Pavia war bis zu seinem Tod im Jahr 2005 in der Kunstwelt aktiv und wurde von der Kritik für seine künstlerischen und literarischen Beiträge hoch gelobt. Bekannt für sein Hauptwerk The Ides of March, schuf er monumentale Werke, die zwischen figurativen und abstrakten Stilen wechselten. Neben seiner Tätigkeit als Bildhauer widmete sich Pavia auch dem Schreiben und veröffentlichte It is: Eine Zeitschrift für abstrakte Kunst.
Der 1911 in Stratford, Connecticut, geborene Künstler provenzalisch-italienischer Abstammung wurde schon früh von seinem Vater, einem professionellen Steinmetz, inspiriert. Pavias Skulpturen sind von rauer, gemeißelter Bronze und Marmor geprägt, das Handwerk seines Vaters war zweifellos ein wichtiger Einfluss. Tatsächlich war sein Vater 1934 so begeistert von der Leidenschaft seines Sohnes, dass er den jungen Philip ermutigte, an der Academia delle Belle Arti in Florenz, Italien, zu studieren.
Vor seinem Studium in Europa studierte Pavia für kurze Zeit an der Yale University, brach das Studium jedoch schnell ab und schrieb sich an der New Yorker Art Student League ein. Während seiner Schulzeit freundete er sich mit den Künstlern Jackson Pollock und Arshile Gorki an. Alle drei wurden zu wichtigen Akteuren der dynamischen neuen abstrakten Kunstbewegung. Auf Anraten seines Vaters machte Pavia seine ersten Erfahrungen in Europa und lernte andere einflussreiche Künstler seiner Zeit kennen. Auf seinen Reisen zwischen Italien und Paris traf Pavia John Ferren, John Graham, Landes Lewitin und den Schriftsteller Henry Miller.
In den 1940er Jahren nahm Pavias Karriere Gestalt an und er wurde Gründungsmitglied der Kunst- und Intellektuellengruppe The Club. Zu den Mitgliedern der Gruppe gehörten legendäre Künstler und Denker wie Willem und Elaine de Kooning, Franz Kline, John Cage, Robert Motherwell, Joseph Campbell, Barnett Newman, Hannah Arendt und Leo Castelli. Die Gruppe organisierte Diskussionen, die sich als entscheidend für die Verbreitung der abstrakten Kunst erwiesen. Diese Erfahrung sollte Pavia zu seinen späteren Schriften inspirieren. Neben seiner Tätigkeit als Vermittler von Kunsttheorie stellte Pavia 1946 auch seine Skulpturen in der Ausstellung "Five Americans: Sculpture Heads".
Bis weit in die 1950er Jahre hinein beendete Philip Pavia seine Arbeit mit The Club und gründete 1956 die Zeitschrift It is: Eine Zeitschrift für abstrakte Kunst. In der Publikation bekräftigte er sein Bekenntnis zur abstrakten Kunst und äußerte eine abweichende Meinung zum Surrealismus und anderen Kunststilen, die eine träumerische, phantasievolle Richtung bevorzugten. Während dieser Zeit des literarischen Fortschritts nahm er an einer Reihe von Ausstellungen teil, darunter die Jahresausstellung der Stable Gallery und zwei selbstbetitelte Ausstellungen in den Galerien Great Jones und Samuel Kootz in New York. Pavia hatte auch einen Fernsehauftritt in der Sendung Twelve Sculptors für NBC.
Pavias künstlerischer Erfolg setzte sich in den 1960er Jahren mit einer Gruppenausstellung im New Yorker Museum of Modern Art fort. Außerdem war er 1963 in der BBC-Fernsehsendung Twentieth Century American Sculptors zu sehen. Pavia nahm an einer weiteren Gruppenausstellung in der New Yorker Green Gallery teil und kehrte für die Ausstellung "Continuity and Change" in seine Heimat Connecticut zurück: Alte und neue Arbeiten von zeitgenössischen Künstlern". Es gab keinen Mangel an Berichterstattung über Pavia, da er weitere Einzelausstellungen im Guggenheim Museum, im San Francisco Museum of Art und in der Gallery of Modern Art in Washington, D.C. hatte.
Sein durchschlagender Erfolg in den 1960er Jahren ist jedoch nicht vollständig ohne die Produktion des berühmten Werks Die Iden des März. Dieses 1963 gefertigte Stück wurde vom New Yorker Hilton in Auftrag gegeben, um den Eingang seines Hotels zu schmücken. The Ides of March besteht aus vier rautenförmigen Skulpturen in den Größen von 6 bis 10 Fuß und glänzt in den natürlichen Bronzetönen von Moosgrün und rostigem Orange. Das epische Werk weist die für Pavia typische raue, gemeißelte Textur und den abstrakten Stil auf. Das Meisterwerk stand im Hilton, bis es schließlich 1988 in das Hippodrom-Gebäude verlegt wurde.
Im Laufe seiner langen Karriere schuf Pavia eine Reihe unterschiedlicher Werke, darunter abstrahierte Köpfe in Bronze, Marmor und bemalter Terrakotta. Er fuhr fort, abstraktere Werke zu schaffen, die einfache, aber stark strukturierte Formen bevorzugten, und die Skulpturen waren so gemeißelt, dass sie ungeschliffen aussahen und das Zerbrechen von Teilen imitierten. Das Werk verlässt nie den Bereich des Abstrakten und des Figürlichen und beweist seine Hingabe an die Bewegung, die er mitgestaltet hat.
Sein Karriereschub setzte sich in den 1970er Jahren mit der Enthüllung seines John F. Kennedy-Porträts im Metropolitan Museum of Art fort. Die unkonventionelle Porträtskulptur wurde als abstrahierter Kopf aus Bronze in einer Höhe von 1,80 m gefertigt. Pavia schuf weitere großformatige Werke, darunter das kolossale, 10 Fuß hohe Marmorwerk Wind, Sand und Sterne. Weitere Einzel- und Gruppenausstellungen folgten in den 1980er Jahren, und seine charakteristischen Bronzeköpfe wurden in einer eigenen Ausstellung, Five Bronze Heads...
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