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Roberto EstopiñanGroßer abstrakter kubanischer Meister der lateinamerikanischen Moderne aus Bronze, Roberto Estopinan
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Roberto Estopinan, Kubaner, 1920 - 2015
Abmessungen: 24,5" breit x 13" hoch plus 6" hoher Sockel.
Roberto Estopiñán (1921-2015) war ein kubanisch-amerikanischer Bildhauer, der für seine Skulpturen menschlicher Formen, darunter auch politische Gefangene, bekannt war. Er wurde in Camaguey, Kuba, geboren und lebte über fünfzig Jahre lang in den Vereinigten Staaten. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Institutionen wie dem Museum of Modern Art, dem Whitney Museum und dem Smithsonian Museum of American Art.
Roberto Gabriel Estopinan, ein Bildhauer, Zeichner und Grafiker, wurde am 18. März 1921 in Havanna, Kuba, geboren. Estopiñán schrieb sich im Alter von 14 Jahren an der Akademie San Alejandro ein und wurde Protegé und Studioassistent des Bildhauers Juan José Sicre. Nach seinem Abschluss reiste er zunächst nach Mexiko, wo er Francisco Zuniga kennenlernte und sich mit ihm anfreundete, und studierte präkolumbianische Skulpturen. Im Jahr 1949 reiste er nach Europa und besuchte England, Frankreich und Italien. Auf diesen Reisen begegnete er der Bildhauerei von Henry Moore und Marino Marini, deren humanistische und zugleich formale Visionen Estopinans Werk prägen sollten. Estopiñán war ein Pionier der direkten Schnitzerei aus Holz und der Schweißtechnik in Lateinamerika. In den 1950er Jahren erhielt Estopiñán wichtige Preise bei verschiedenen nationalen Ausstellungen in Havanna. Im Jahr 1953 war er der einzige Halbfinalist aus Lateinamerika beim internationalen Skulpturenwettbewerb der Tate Gallery für ein Denkmal für den unbekannten politischen Gefangenen. Im Jahr 1961 zog der Künstler nach New York, wo er bis 2002 lebte.
Roberto Gabriel Estopiñán, ein emigrierter kubanischer Bildhauer, der kurz nach der Revolution von Fidel Castro im Jahr 1959 in die Vereinigten Staaten ins Exil ging, gilt als einer der wichtigsten lateinamerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Sein Werk, das Zeichnungen und Drucke sowie Holz- und Bronzeskulpturen umfasst, befindet sich unter anderem in den Sammlungen des New Yorker Museum of Modern Art, des Smithsonian's American Art Museum, des Art Institute of Chicago und des Detroit Institute of Art. Am bekanntesten ist er für seine schroffen, verstörenden Darstellungen politischer Gefangener, die auf seine eigenen Erfahrungen als Dissident sowohl unter Castro als auch unter seinem Vorgänger, dem Diktator Fulgencio Batista, zurückgehen, und für seine Darstellungen des weiblichen Torsos, die den Betrachter sowohl an die klassische Bildhauerei als auch an das hochmoderne, abstrakt gestreckte Werk von Henry Moore erinnern können.mEr wurde in Havanna als Sohn eines Vaters aus Asturien im Nordwesten Spaniens und einer Mutter afrikanischer Abstammung geboren. Estopiñán war so etwas wie ein Wunderkind. Im Alter von vierzehn Jahren gewann er den ersten Preis im Zeichnen des Centro Asturiano, einer regionalen Vereinigung für Kubaner asturischer Abstammung. Kurz darauf erhielt er eine Sondergenehmigung für die Akademie der Schönen Künste San Alejandro in Havanna. An der Schule wurde er zunächst von ihrem Leiter, dem Maler Armando Menocal (1863-1941), dann von dem Landschaftsmaler Antonio Rodríguez Morey (1872-1967) und schließlich von Juan José Sicre (1898-1974) betreut, der als einer der größten Bildhauer Kubas gilt. Sicre, Professor für Bildhauerei an der Akademie, hatte dazu beigetragen, die Kunst der europäischen Moderne in Kuba einzuführen, und hatte von den 1930er bis zu den 1950er Jahren in Havanna monumentale Figuren von José Martí und anderen kubanischen Nationalhelden geschaffen, die bis heute erhalten sind. Estopiñán war zunächst Sicres Schüler, dann sein Assistent und schließlich für die nächsten fünfzig Jahre sein Kollege. Nach seinem Abschluss in San Alejandro im Jahr 1942 begann Estopiñán gleichzeitig mit dem Kunstunterricht an der Schule für junge Männer in Ceiba del Agua, assistierte Sicre bei öffentlichen Kunstprojekten und entwickelte seine eigene künstlerische Vision. Er reiste auch viel, nach Mexiko, New York, Frankreich und Italien. Von den späten 1940er bis in die 1950er Jahre entwickelte sich seine Bildhauerei von einer frühen neoklassizistischen Phase unter dem Einfluss von Maillol zu dem, was er als "formalistischen Humanismus" bezeichnete: Er betonte die abstrakte Schönheit der Formen, die er bildhauerisch umsetzte, ohne jedoch die menschliche Figur als Grundlage seiner Arbeit aufzugeben. Im Laufe der 1950er Jahre entschied er sich für Schnitzereien aus einheimischen kubanischen Hölzern sowie für das Schweißen von Schrott aus verschiedenen Metallen. Obwohl er offensichtlich von Henry Moore und Julio González (1876-1942), einem spanischen Bildhauer der Moderne, beeinflusst war, dessen Eisenschweißungen Estopiñáns Bronzeschweißungen vorausgingen, hatte er bereits seine eigene Bildsprache entwickelt. Estopiñán schloss sich dem Directorio Revolucionario Estudiantil an, einer antikommunistischen, pro-demokratischen Studentenorganisation, die sich gegen das Batista-Regime stellte. erinnerte sich Estopiñán: "Ich wollte mir selbst treu bleiben, was bedeutete, ein moderner Künstler und ein Gläubiger zu sein. Georges Rouault und Ernst Barlach konnten das, ebenso wie Abstrakte wie Alfred Manessier und Jean René Bazaine. Aber auch Künstler, die nicht traditionell gläubig waren, wie Henri Matisse in der Kapelle von Vence, wie Germaine Richier in Assy. Ich spreche nicht von Grotesken wie der Kirche von Le Corbusier [einer asymmetrischen Betonkapelle mit winzigen Fenstern, die 1955 in Ronchamp, Frankreich, errichtet wurde], sondern von etwas Tiefgründigem, Klarheit und Ausgewogenem."
In den 1970er Jahren wandelt sich Estopiñáns Stil zu einer eher organischen Figuration, die seinen Wunsch widerspiegelt, eine Synthese zwischen dem menschlichen Körper und der Pflanzenwelt zu schaffen. In den 1980er Jahren ist er zu einem neuen, strengen und vereinfachten Klassizismus gelangt, in dem der weibliche Torso, für dessen Darstellung er berühmt wurde, und die politischen Gefangenen, die ihn bis zu seinem Lebensende verfolgten, seine konstantesten Themen sind.
Im Jahr 2002 zogen Estopiñán und seine Frau Carmina Benguría, eine Performance-Künstlerin und ebenfalls Exilantin, von New York nach Miami. Seit den 1980er Jahren beschäftigt er sich mit dem weiblichen Torso als seiner bevorzugten Ausdrucksform. Als Grafiker und Zeichner war seine Produktion thematisch parallel zu seinen Skulpturen. Die vollständigste Sammlung seiner Drucke (1959-96) befindet sich im Jersey City Museum in New Jersey, wo im Frühjahr 1996 eine Ausstellung zu sehen war. Zusammen mit Juan José Sicre, Alfredo Lozano und Agustin Cardenas hat er mit José Bedia, Tomás Sánchez ausgestellt,
Manuel Mendive, Wifredo Lam, Armando Morales und vielen anderen Meistern der kubanischen Kunst. Estopiñán gilt als einer der Pioniere der modernen Bildhauerei in Kuba und Lateinamerika. Der Künstler hat sich kürzlich in Miami, FL, zur Ruhe gesetzt.
"Sein Werk in den frühen 1950er Jahren war eine Anspielung auf Aristide Maillol und seine Resonanzmassen. Im selben Jahrzehnt schuf Estopiñán Totems und kantige Figuren, in denen Einflüsse aus Afrika und Ozeanien widerhallen.
Er war 1988 in der einflussreichen Ausstellung am Miami Dade College vertreten. Eine Ausstellung kubanischer Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts aus der Collection'S von Ramón Cernuda und Nercys Ganem. Zu den Künstlern gehören: Eduardo Abela, Víctor Manuel, Aristides Fernández, Fidelio Ponce, Carlos Enríquez, Amelia Peláez, Mario Carreño, René Portocarrero, Mariano Rodríguez, Cundo Bermúdez, Raúl Millían, Roberto Estopiñan, José Mijares, Agustin Fernández, Angel Acosta León, Gina Pellón und Arturo Rodríguez.
Bibliographie, Xenia Bas de Tamayo: Roberto Estopiñán: El escultor que insiste en buscar la forma más pura. Replica, Miami, FL 1992-1993. in Veigas, J., et al, eds. Memoria, Kubanische Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts. 1. Auflage. Los Angeles, CA: California International Arts Foundation, 2002.
- Schöpfer*in:Roberto Estopiñan (1921 - 2015, Kubanisch)
- Maße:Höhe: 62,23 cm (24,5 in)Breite: 48,26 cm (19 in)Tiefe: 12,7 cm (5 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:Bitte die Fotos heranziehen.
- Galeriestandort:Surfside, FL
- Referenznummer:1stDibs: LU38215945582
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Weitere Beispiele für die neodadaistische "Junk Art" sind Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) und Australia (1951, MoMA, NY), beide von David Smith (1906-1965); Untitled (Holz, Metallteile, Nägel) (1960, Museum of Modern Art NYC) von Jesus Rafael Soto (geb. 1923); und bestimmte "Kombinationen" von Robert Rauschenberg (1925-2008), wie First Landing Jump (aus: Gemälde, Stoff, Metall, Leder, elektrisches Gerät, Kabel, Ölfarbe, Karton) (1961, MoMA, NY). Untitled (industrial felt) (1967, Kunsthalle, Hamburg) von Robert Morris (geb. 1931) ist ein weiteres Beispiel für die Verwendung ungewöhnlicher Materialien in der Bildhauerei, ebenso wie das minimalistische Monument For Vladimir Tatlin (neon-lighting tubes) (1975, Musee National d'Art Moderne, Centre George Pompidou) von Dan Flavin (1933-96).
DADA verherrlichte auch die Nonsens-Kunst, und was ist absurder als eine Skulptur, die sich selbst vernichtet? Zweifellos war dies ein wichtiges Element in der Philosophie des Werks von Jean Tinguely (1925-91), dem unübertroffenen Meister der selbstzerstörenden Skulptur, als dessen Meisterwerk allgemein die Hommage an New York (1960, Museum of Modern Art, New York) gilt.
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Weitere Beispiele für die neodadaistische "Junk Art" sind Hudson River Landscape (1951, Whitney Museum of American Art) und Australia (1951, MoMA, NY), beide von David Smith (1906-1965); Untitled (Holz, Metallteile, Nägel) (1960, Museum of Modern Art NYC) von Jesus Rafael Soto (*1923); und bestimmte "Kombinationen" von Robert Rauschenberg (1925-2008), wie First Landing Jump (bestehend aus: Gemälde, Stoff, Metall, Leder, Elektroinstallation, Kabel, Ölfarbe, Karton) (1961, MoMA, NY). Untitled (industrial felt) (1967, Kunsthalle, Hamburg) von Robert Morris (geb. 1931) ist ein weiteres Beispiel für die Verwendung ungewöhnlicher Materialien in der Bildhauerei, ebenso wie das minimalistische Monument For Vladimir Tatlin (neon-lighting tubes) (1975, Musee National d'Art Moderne, Centre George Pompidou) von Dan Flavin (1933-96).
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