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Charles DemuthGarten Blumen für den Garten1933
1933
330.340,01 €
Angaben zum Objekt
Charles Demuth war einer der komplexesten, talentiertesten und sensibelsten Künstler der amerikanischen Moderne. Ob er nun Blumenstilleben, Industrielandschaften oder türkische Badehäuser malte, für Demuth war die Kunst voller persönlicher Bedeutung. Als fester Bestandteil der Avantgarde-Kunstszene in New York bewegte sich Demuth in den Strömungen der Moderne und schuf einige der exquisitesten Aquarelle und Original-Ölgemälde der amerikanischen Kunst des 20.
Demuth wurde in Lancaster, Pennsylvania, als einziges Kind einer wohlhabenden Familie geboren. Er hatte eine unbeholfene und introvertierte Kindheit, die von der Krankheit Perthes geprägt war, einer Hüftkrankheit, die ihn nicht nur dauerhaft lahmte, sondern ihn im Rahmen der "Heilung" auch zwei Jahre lang bettlägerig machte und von seiner Mutter betreut wurde. Diese lange Zeit der Entmündigung hatte tiefe Auswirkungen auf Demuth, der sich selbst als Invalide, als Außenseiter, der anders war als alle anderen, betrachtete. Vielleicht entwickelte sich in dieser Zeit der Enge sein großes Interesse an der Kunst. Mehrere Verwandte väterlicherseits waren Hobbykünstler, und nach seiner Genesung förderte seine Mutter seine künstlerischen Ambitionen, indem sie ihn zu einem örtlichen Maler schickte, um ihn zu unterrichten. Die meisten seiner frühen Bilder zeigen Blumen, ein Thema, für das Demuth eine lebenslange Leidenschaft hegte.
Nach der High School schrieb sich Demuth am Drexel Institute of Art in Philadelphia ein, einer Schule, die für ihr Programm für kommerzielle Kunst bekannt ist. Er durchlief das Programm zügig und begann 1905 auf Ermutigung seiner Ausbilder, Kurse an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts zu belegen. Die beiden führenden Lehrer an der Akademie waren William Merritt Chase und Thomas Anshutz. Anshutz, selbst ein ehemaliger Schüler von Thomas Eakins, war bei seinen Schülern sehr beliebt und ist vor allem als Lehrer von Robert Henri, John Sloan und einigen anderen Künstlern der Ashcan School bekannt. Auch Demuth nahm eine ähnliche Sprache an und arbeitete in einer kontrollierten, realistischen Weise, während er an der Akademie war, wo er bis 1910 blieb.
1907 unternahm Demuth seine erste Europareise und hielt sich in Paris auf. Er verbrachte einige Zeit am Rande der Kunstszene, die sich aus zahlreichen amerikanischen Künstlern zusammensetzte, darunter John Marin und Edward Steichen. Fünf Monate später kehrte er nach Philadelphia zurück und nahm sofort den Unterricht an der Akademie wieder auf. Trotz seiner Einführung in fortgeschrittene moderne Stile in Europa behält Demuths Werk aus dieser Zeit den akademischen Stil bei, den er vor seiner Reise praktizierte. Erst nachdem er 1908 und 1911 in New Hope, Pennsylvania, gesommert hatte, begann sich sein Stil zu entwickeln. New Hope war eine prominente Kunstkolonie der amerikanischen Impressionisten, deren Mitglieder größtenteils mit der Pennsylvania Academy verbunden waren. Demuth ließ den konservativen Ton seines Stils fallen und nahm eine freiere und farbigere Palette an.
Obwohl er weiterhin in Philadelphia lebte, reiste Demuth in dieser Zeit häufig nach New York. Viele der amerikanischen Künstler der Pariser Kunstszene, denen Demuth auf seiner früheren Europareise begegnet war, bildeten nun den Kern der New Yorker Avantgarde, die sich um die Galerie 291 von Alfred Stieglitz gruppierte. Es dauerte nicht lange, bis Demuth begann, von der Moderne inspirierte Strategien auf seine Arbeit anzuwenden. Besonders beeinflusst wurde er von den Aquarellarbeiten von John Marin, ebenfalls ein ehemaliger Schüler von Anshutz, dessen kühne Farbgebung Demuth frei in lockere Farbverläufe überführte.
1912 ging Demuth erneut nach Paris, diesmal zum Studium an der Académie Moderne, der Académie Colorossi und der Académie Julian. In Paris lernte Demuth den amerikanischen Modernisten Marsden Hartley kennen. Hartley, eine der wichtigsten Persönlichkeiten des Künstlerkreises im Ausland, fungierte als Mentor für Demuth und führte ihn in die breite Palette der modernen Stile ein, die in Europa praktiziert wurden. Hartley machte Demuth auch mit vielen Mitgliedern der Pariser Avantgarde bekannt, darunter Gertrude Stein. Demuth war ein aufstrebender Schriftsteller, und er verbrachte viele Stunden im Gespräch mit Stein. In dieser Zeit schrieb er viel, und kurz nach seiner Rückkehr nach Amerika veröffentlichte er zwei Werke. Er entwickelte auch ein Interesse an der Illustration von Szenen aus literarischen Texten. Von 1914 bis 1919 schuf Demuth eine Reihe von Aquarellen mit Szenen aus Büchern wie Emile Zolas Nana und Henry James' The Turn of the Screw.
Nach seiner Rückkehr nach Amerika ließ sich Demuth in New York nieder. 1914 hatte Demuth seine erste Einzelausstellung in der Galerie von Charles Daniel, die aufstrebende moderne amerikanische Künstler förderte, darunter Man Ray, Rockwell Kent, Yasuo Kuniyoshi, Stuart Davis und Max Weber. Demuth näherte sich der künstlerischen Avantgarde in New York und freundete sich mit vielen aus den Kreisen von Stieglitz und Daniel an, darunter Georgia O'Keeffe, Marcel Duchamp, Carl Van Vechten und Edward Fiske.
Die kosmopolitische Atmosphäre und das rege Nachtleben New Yorks gefielen Demuth sehr. In einem skizzenhaften Stil, der sich gut für Aquarelle eignet, malte er viele Varieté- und Zirkusthemen sowie Nachtclub-, Café- und Badehausszenen. Zusammen mit Duchamp nahm Demuth oft an einer urbanen Subkultur teil, in der es viele Nachtclubs, Bars, Drogen und sexuelle Freizügigkeit gab, die einem homosexuellen Künstler wie ihm Raum für einen bis dahin unerreichten persönlichen Ausdruck bot. Demuths Bilder von Matrosen, Badehäusern und Zirkusartisten verkörpern eine sinnliche und sexuelle Unterströmung und drücken das Gefühl des Künstlers aus, sich in der New Yorker Bohème wohlzufühlen und dazuzugehören.
Gleichzeitig vertiefte Demuth sein Interesse an Blumenbildern und malte diese fast ausschließlich in Aquarell. Sein Stil entwickelte sich von den breiten Farbflächen seiner früheren Bilder zu sparsameren, flächigeren und gewundeneren Kompositionen, die von den Zeichnungen Aubrey Beardsleys und anderer Künstler der Ästhetischen Bewegung inspiriert waren. Demuths Blumenaquarelle sind stimmungsvoll und atmosphärisch, sinnlich und elegant, introspektiv und doch voller Ausdruckskraft. Außerdem sind sie wunderschön und gehören zweifellos zu den schönsten Stillleben der amerikanischen Kunst. Trotz zahlreicher späterer künstlerischer Unternehmungen, die ihn in verschiedene Richtungen führten, hörte Demuth nie auf, Blumenbilder zu malen, und nahm schließlich auch Früchte und andere Stillleben in sein Repertoire auf.
1916 begann Demuth, einen Stil zu entwickeln, der später als Precisionism bekannt wurde, eine vom Kubismus beeinflusste Form der Landschaftsmalerei, in der der Raum in präzise gezeichnete geometrische Farbbereiche unterteilt ist. Während einer Reise mit Hartley auf die Bermudas begann Demuth erstmals, die Landschaft in einem kubistischen Stil zu malen. In diesen frühen Landschaften, in denen sich die geschwungenen Formen der Bäume mit den geometrisch gegliederten architektonischen Formen kreuzen, erkundete Demuth Ideen, die die zukünftige Entwicklung des Modernismus in Amerika prägten.
Die volle Verwirklichung von Demuths Erkundungen erfolgte nach seiner Rückkehr nach Amerika im Jahr 1917, als er seine Aufmerksamkeit auf industrielle Themen richtete. Diese Werke gehen auf eine "Maschinenästhetik" zurück, die von New Yorker Künstlern wie Francis Picabia, Joseph Stella, Albert Gleizes und Duchamp vertreten wurde und in der die Künstler den Maschinen eine mystische, fast religiöse Bedeutung als Symbole der modernen Welt zuschrieben. Statt die Wolkenkratzer und Brücken von New York zu malen, wie es die meisten seiner gleichgesinnten Zeitgenossen taten, kehrte Demuth in seine Heimatstadt Lancaster zurück, wo er Fabriken und Lagerhäuser in einer präzisistischen Formensprache malte. Die Titel dieser Bilder enthalten oft literarische Anspielungen, die dem Betrachter als Hinweise dienen, um die Bedeutung des Künstlers zu entschlüsseln.
1923 plante Demuth eine Serie von abstrakten "Posterporträts" seiner Freunde und Zeitgenossen aus der New Yorker Kunst- und Literaturszene. In diesen "Porträts" kombinierte Demuth Text und symbolische Elemente, um das Wesentliche der charakteristischen Merkmale seiner Porträtierten hervorzuheben. Auf diese Weise malte er Porträts von Künstlern wie Georgia O'Keeffe, John Marin und Arthur Dove. Sein berühmtestes Plakatporträt, I Saw the Figure 5 in Gold (1928, The Metropolitan Museum of Art, New York), stellt seinen Freund, den Dichter und Arzt William Carlos Williams, dar und ist nach Williams' Gedicht The Great Figure" betitelt Demuths Pläne, eine Reihe von Porträts zu vollenden und auszustellen, waren jedoch größtenteils erfolglos, und er gab das Projekt 1929 auf.
1927 kehrte Demuth zu den architektonischen Themen von Lancaster zurück und erreichte den Höhepunkt seines präzisistischen Stils. Er schuf die Gemälde, für die er am besten bekannt ist, darunter das ikonische My Egypt (1927, The Whitney Museum of American Art, New York). Seine Blumenbilder aus dieser Zeit, zu denen auch das vorliegende Bild gehört, weisen Elemente seiner späten präzisionistischen Ästhetik auf, in der die Blumen stärker als in seinen früheren Bildern wiedergegeben werden. Diese späten Bilder, die auf Beardsley zurückgehen, sind sowohl kraftvoller als auch ausdrucksstärker als frühere Werke. Garden Flowers, gemalt 1933, ist eines der relativ seltenen Werke aus Demuths später Schaffensperiode. In diesen letzten Jahren fällt es dem Künstler immer schwerer zu arbeiten, da er an Diabetes erkrankt, die ihn 1935 das Leben kostet.
Nach der Familientradition wurde das vorliegende Gartenblumenstillleben in den 1930er Jahren von einem Sammler aus Manasquan, New Jersey, von Demuths Mutter Augusta erworben. Dieser Sammler schenkte es dann einem anderen Privatsammler, bei dem es bis 2004 blieb.
- Schöpfer*in:Charles Demuth (1883-1935, Amerikanisch)
- Entstehungsjahr:1933
- Maße:Höhe: 35,26 cm (13,88 in)Breite: 25,4 cm (10 in)
- Medium:
- Bewegung und Stil:
- Zeitalter:
- Zustand:
- Galeriestandort:New York, NY
- Referenznummer:Anbieter*in: APG 8499.0011stDibs: LU234069881
Charles Demuth
Gefeiert für seine lebendigen Impressionistischen Aquarelle - sowie für seine wichtige Rolle in Precisionism, einer Bewegung, die die Geometrie betonte und Gemeinsamkeiten mit Cubism und Futurism hatte - schuf der amerikanische Maler Charles Demuth einige seiner bekanntesten Werke auf Zeit. In seinem letzten Lebensjahrzehnt, das von einer angeschlagenen Gesundheit geplagt war, malte Demuth seine berühmten präzisionistischen Werke wie I Saw the Figure 5 in Gold und My Egypt. Mit jedem Gemälde füllte Demuth ein Leben aus, das von Krankheiten gezeichnet war - Krankheiten, die seine künstlerische Karriere beflügelten und sie schließlich beendeten.
Der in Lancaster, Pennsylvania, geborene Demuth war schon in jungen Jahren, etwa mit vier oder fünf Jahren, bettlägerig. Er litt an einer Krankheit, die später als Perthes bekannt wurde, die seine Beweglichkeit beeinträchtigte und ihn zwang, einen Großteil seiner Jugend zu Hause zu verbringen. Glücklicherweise versorgte ihn seine Mutter mit reichlich Kunstzubehör und förderte seine Leidenschaft für die Malerei, die er im Laufe seines Lebens beibehielt.
Obwohl Demuth die meiste Zeit seines Lebens auf einen Stock angewiesen war, war er gesund genug, um das Franklin and Marshall College zu besuchen und sowohl an der Drexel University als auch an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts Kunst zu studieren. 1907 stellte er sein erstes Self-Portrait in Öl fertig und lernte in dem amerikanischen Künstler William Merritt Chase und dem amerikanischen Maler und Kunstverwalter Thomas Anshutz den ersten einer Reihe von einflussreichen Freunden kennen.
Nach Abschluss seines Studiums verlagerte Demuth seinen Schwerpunkt von Ölgemälden auf Aquarelle und schuf Werke, die Jazzclubs aus der Zeit der Harlem Renaissance darstellten und die tabuisierte schwule Subkultur in New York City dokumentierten. Der Künstler war offen schwul, und Werke dieser Art, auch wenn sie damals nicht für eine öffentliche Ausstellung bestimmt waren, beeinflussten in den folgenden Jahrzehnten Künstler wie Andy Warhol. Zu seinem Netzwerk gehören auch die Künstler Alfred Maurer, Patrick Henry Bruce, John Marin und der Fotograf Edward Steichen. Der amerikanische Fotograf Alfred Stieglitz und die modernistische Malerin Georgia O'Keeffe erwiesen sich als die künstlerisch einflussreichsten für Demuth. Stieglitz' berühmte Kunstgalerie in New York, 291, wurde zu einem Ort, den der Maler aus Pennsylvania häufig aufsuchte und an dem er sein Interesse an den Aquarellen von Auguste Rodinund dem Precisionism von O'Keeffe entwickelte.
Demuth freundete sich 1905 auch mit dem wohlhabenden Apotheker Dr. Albert Barnes an. Nachdem der Künstler seine Diabetes-Diagnose erhalten hatte, die damals ein Todesurteil darstellte, bat Barnes Demuth um eine Konsultation mit Dr. Frederick Allen, dem damals führenden Experten für Diabetes in Amerika. Barnes half bei der Finanzierung von Demuths Insulinbehandlung - der Maler war einer der ersten Patienten, die in den Vereinigten Staaten Insulin erhielten. Demuth wandte sich vor allem der Malerei von Blumen- und Obststillleben zu, die seine Mutter ins Haus brachte. Er starb im Jahr 1935.
Heute beherbergt die Barnes Foundation die größte Sammlung von Demuths Kunstwerken. Seine Gemälde befinden sich auch in den Sammlungen des Philadelphia Museum of Art und des Demuth Museum, das sich in Demuths ehemaligem Studio und Wohnhaus befindet und 2014 mit dem Lancaster Museum of Art zusammengelegt wurde.
Auf 1stDibs finden Sie eine Sammlung von Charles Demuth Zeichnungen und Aquarellbildern.
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Ausgeführt um 1919
EXHIBITED: Hirschl & Adler Galleries, New York, 23. November 1985, 4. Januar 1986, American Masterworks on Paper: Drawings, Watercolors, and Prints, S. 6, 46 Nr. 47 Abb. // (wahrscheinlich) Richard York Gallery, New York, 17. Oktober 1990, Joseph Stella: 100 Works on Paper, Nr. 36
EX COLL.: [Dudensing Galleries, New York]; Verkauf, Christies, New York, 7. Dezember 1984, Los 324; [Hirschl & Adler Galleries, New York, 1984]; in Privatsammlung, 2006 bis heute
Joseph Stella, ein unabhängiger Künstler, der sich dem credo anschloss, dass keine Regeln existieren, erforschte eine Reihe von Stilen, Medien und Themen, wobei er die von ... [den] selbst ernannten dictatoren der Kunsterziehung ignorierte (Joseph Stella, On Painting, Broom 11 [December 1921], S. 12223; Joseph Stella, Discovery of America: Autobiografische Anmerkungen, Art News 59
[November 1960], S. 41). Daraus schuf er ein vielfältiges und sehr eklektisches Werk, das von realistischen Figuren, pulsierenden futuristischen Stadtansichten und religiösen Bildern der Moderne bis hin zu poetischen Darstellungen natürlicher Formen und sinnlicher tropischer Landschaften reicht. Wie auch immer sein Thema oder seine Ausdrucksform war, Stella hat seine Gemälde und Zeichnungen jedoch mit zwei einheitlichen Elementen durchdrungen: einer meisterhaften Linienführung und einer visionären Qualität, die einzigartig für ihn war.
Stella wurde in Muro Lucano, einer Hügelstadt in der Nähe von Neapel, Italien, geboren und war der Sohn von Vincenza Cerone Stella, einem prominenten Anwalt, und seiner Frau Michele. Als junger Junge entwickelte er ein Interesse am Zeichnen und erwarb im Einklang mit seiner reichen künstlerischen Heimat eine starke Wertschätzung für die Werke der Alten Meister, insbesondere für die Künstler der italienischen Renaissance. Nach Abschluss seiner klassischen Ausbildung in Neapel zog Stella 1896 nach New York, wo sein älterer Bruder Antonio eine erfolgreiche medizinische Praxis eröffnet hatte und ein angesehenes Mitglied der italienisch-amerikanischen Gemeinschaft war. Auf Anlehnung an seinen Geschwister begann Stella, Medizin zu studieren. Doch im späten Herbst 1897 gab er diese Bemühungen jedoch auf und studierte gleichzeitig am College of Pharmacy der Stadt New York und an der Art Students League of New York. Wie sich herausstellte, war Stellas Verbindung zu beiden Institutionen nur kurz. 1898 schrieb er sich für eine künstlerische Laufbahn ein und schrieb sich an der New York School of Art (heute Parsons, die New School for Design) ein, wo er im Laufe von drei Jahren seine Fähigkeiten als Zeichner unter der Anleitung von William Merritt Chase verfeinerte, der seine Bewunderung für die Malerei alter Meister teilte. Unter der Leitung von Chases entwickelte Stella eine Leidenschaft für die Linie, die für den Rest seiner Karriere bei ihm blieb. Stella wurde schließlich zu einem der besten Zeichner seiner Generation, der für seine akribische Technik bekannt war.
Während seiner ersten Jahre in New York unterstützte Stella sich selbst, indem er als Illustrator für linke Publikationen wie The Outlook und Everybodys Magazine arbeitete und detaillierte und sehr sensible Zeichnungen von Arbeitern, Fabriken und europäischen Einwanderern anfertigte, die neu in New York eintrafen. In seiner Freizeit malte er urbane Themen und ahmte den abstrakten Realismus von Malern der Ashcan School wie Robert Henri nach. 1909 erlebte Stella einen Wendepunkt in seiner Karriere, als Stella nach Europa zurückkehrte und seine Zeit zwischen Italien und Frankreich teilte. Während seines Aufenthalts in Paris tourte er durch die Galerien und betrachtete Beispiele des Fauvismus, des Orphic Cubismus, des Symbolismus und des italienischen Futurismus, die später seine neue Begeisterung für vorrangige Vorsätze von Form und Farbe auslösten.
Als Stella gegen Ende 1912 nach New York zurückkehrte, stellte Stella auf der bahnbrechenden Armory Show (International Exhibition of Modern Art) ein fauvistisch inspiriertes Stillleben aus und schloss sich dem Kreis progressiver Künstler wie John Marin und Max Weber an, die sich in der Wohnung des Kunstmäzens Conrad Arensberg an der West Side versammelten. Er freundete sich auch mit dem einflussreichen Händler und Fotografen Alfred Stieglitz und dem bahnbrechenden Dadaisten Marcel Duchamp an. Auf Reaktion auf die Energie, das Chaos und die schillernde Anzahl von Lichtern, die er in der städtischen Umgebung encounterierte, malte Stella seine Battle of Lights, Coney Island, Mardi Gras (191314; Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut), eine wirbelnde halb-abstrakte Komposition, in der er die fragmentierten Formen des Kubismus und Futurismus mit einer prismatischen Palette verbindete (I Knew Him When, Daily Mirror [New York], 8. Juli 1924). Das war, sagte er, sein erstes wirklich großartiges Bild, und es wird auch heute noch als eine Ikone der amerikanischen modernistischen Malerei betrachtet (Abb.). In den folgenden Jahren arbeitete Stella weiterhin in einem progressiven Stil und wandte die Prinzipien von Modernismus mit den Bildern von Manhattans Lichtern und Wahrzeichen, insbesondere der Brooklyn Bridge, die er, wie Barbara Haskell hervorgehoben hat, zu einem spirituellen Symbol, das zugleich majestätisch und monströs ist (Barbara Haskell, Joseph Stella, Ausstellungskatalog. [New York: Whitney Museum of American Art, 1994], S. 85). Im Einklang mit seiner nicht-konformistischen Einstellung und seinem Zwang, sich mit einer einzigen Bewegung zu verbinden, ging Stella jedoch auch mit seiner Kunst in völlig andere Richtungen. Stella entwarf um 1919, auf der Suche nach einer glücklichen Umgebung voller Ruhe und Unschuld, eine ruhige Umgebung.
Er richtete seine Aufmerksamkeit auf intime Zeichnungen von Blumen, Vögeln und Schmetterlingen, die er als sparsame, minimalistische Formen vor einem unverzierten Hintergrund konzipierte, die einer asiatischen Kunst nicht unähnlich waren. (Flowers waren für Stella besonders wichtig, denn er sagte einmal: „Mein unermüdlicher Wunsch war, dass mein täglicher Arbeitstag beginnen und ein gutes Zeichen für das leichte, homosexuelle Gemälde einer Blume einlädt und einbringt.“ (Joseph Stella, Thoughts, II, undated Manuscript, zitiert in Haskell, S. 220). Diese mit Silberstift und farbigem Wachsstift mit einem erstaunlichen Grad an Präzision gemalten, persönlichen Ausflüge in den gegenständlichen Realismus strahlen einen kontemplativen Ton aus, wobei ihr sanfter Lyrik Stellas frenetische, bewegungsgeladene Stadtansichten und mechanische Industrieszenen als Folie dienen. Zusammen mit Künstlern wie
Stella, die auch als Thomas Wilmer Dewing und Philip Leslie Hale bekannt war, gehörte zu den amerikanischen Malern des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die sich der Silberspitzekunst zuwandten, einer anspruchsvollen Technik, die zunächst von antiken Schriften und Künstlern und später von alten Meistern verwendet wurde und die Zeichnung mit einer fein getuschten Silberstange auf einer Oberfläche umfasste, die oft mit Gesso grundiert wurde. Stella schuf die dünne, reine Linie, die durch die Silberspitze und die den Medien inhärent, die Licht reflektieren, und beschrieb den akribischen Prozess des Schneidens mit der Schärfe meiner Silberspitze einst als sinnlicherthrill. (Siehe Joseph Stella, Autobiografische Notizen, Joseph Stella Papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C., Seil 346, Rahmen 126076. Siehe auch Haskell, S. 12027.)
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