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Serge Belloni, Der Rosenstrauß, Frankreich, 1980er-Jahre
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Wunderschönes Gemälde eines Rosenstraußes in einer Vase von dem Künstler Serge Belloni (1925-2005). Gerahmt unter Glas. Rahmen vergoldet. Signiert "Serge Belloni".
In gutem Zustand. Leichte Gebrauchsspuren auf dem Goldrahmen.
Abmessungen in cm des Stücks (H x L) : 27 x 22
Abmessungen in cm des Rahmens (H x L) : 46,5 x 41
Sicherer Versand.
Serge Belloni, geboren am 25. Februar 1925 in Piacenza und gestorben am 28. Oktober 2005 in Menton, ist ein französischer Maler italienischer Herkunft.
Serge Belloni, bekannt als der Maler von Paris, ist der Sohn des Tapezierers Luigi Belloni und Elvira Belloni, geborene Molinari. 1933 kam er nach Paris, wo er an der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris Malerei studierte. Von 19463 an stellte er seine Bilder aus.
Mehrere seiner Werke werden im Museum Carnavalet in Paris aufbewahrt.
Er ist auf dem Friedhof Père-Lachaise (12. Division) begraben.
(Wikipedia)
Die Morgendämmerung scheint ihm zu zögern, der Tag scheint sich nur schwer zu erheben. Er betrachtet und liebt diese Geburt, die gleichzeitig schön und schmerzhaft ist. Sein Kopf ist schwer, weil er schlecht geschlafen hat: so viele Projekte drängen sich in seinem Kopf, so viele Wünsche, bis hin zum Schwindel, Landschaften und Kompositionen in Angriff zu nehmen und zu vollenden.
Es ist Herbst. Herbst in Paris in diesem Licht mit schillernden Farben, in denen die Violett- und Blaugrautöne dominieren, die so gut mit der Poesie von Verlaine und Rimbaud übereinstimmen, die in seinem Herzen singt.
Das Licht der Welt geht auf. Es ist notwendig, anzugreifen. Eine tägliche Sporteinheit, damit "Bruder Körper" den Anforderungen der folgenden Stunden gewachsen ist; eine Tasse starken italienischen Kaffees, die er schnell verschlingt, und er läuft zu seinem Termin mit dem Motiv. Er läuft mit der gleichen lebhaften Freude wie vierzig Jahre zuvor dorthin, mit der gleichen Liebe im Herzen, aber auch mit der gleichen Angst: Wird er der Aufgabe gewachsen sein?
Die Erinnerung an die Lektionen der Alten, an das, was sie waren, lastet schwer auf ihm.
Paris! Die Stadt klebt an seiner Haut. Wie jede Liebe, Anziehung des Herzens wie des Geistes, Ruf des Fleisches, ist sie unerklärlich. Diese Stadt, in der die Fenster so viele Augen sind, die dich anstarren. Wählt er sein Thema? Er ist sich des Gegenteils sicher: Es ist die Person, die ihn ausgewählt hat und ihn bittet, ihr Porträt zu malen. Denn was er malen will, was er malt, sind Porträts von Paris. Paris und seine Stimmungen. Seine Vorzüge. Seine Sorgen. Seine Melancholie. "Die Schreie von Paris", um es mit Paul Fort zu sagen.
Hier liegt er auf dem Boden. Er fertigt Skizzen an, vorbereitende Zeichnungen. In der Tat heiratet er sein Thema, wird zu seinem Thema, das er aus dem Gedächtnis schöpfen kann. Dann nimmt er eine kleine Leinwand in Angriff, die er lange bearbeitet, festgenietet an das Motiv. Er zeichnet nicht auf die Leinwand, weil die Kohle die Farbe verschmutzen würde und der Bleistift Gefahr liefe, einen Schatten darunter zu werfen. Er skizziert das Thema, indem er die Leinwand vollständig bedeckt. Von da an hielt er an seinem Leitfaden fest, der ihn von der kleinen Leinwand zu größeren Formaten führte, auch wenn er seine Technik änderte, um die Emotionen besser wiederzugeben: Eitempera, dann Öl oder direkt Ölfarben.
Er verwendet eine sehr feinkörnige Leinwand und "Zobelpinsel", die ihm das Gefühl geben, seine Leinwand, sein Motiv, liebevoll zu streicheln.
Er ist allein auf dieser Brücke, auf diesem Kai, auf der Spitze dieser Terrasse. Allein in der Kälte, die ihn bis auf die Knochen durchdringt, unter dem Regen, der über sein Gesicht und seine Hände fließt, seinen Hals hinunterrinnt und auf seine Leinwand gleitet. Allein vor dieser hohen Sonne, deren Strahlen hart auftreffen. Das Motiv, nichts als das Motiv: Keine Leinwand wird im Studio bearbeitet oder retuschiert. Sein Studio befindet sich unter freiem Himmel. Auf dem Boden zu malen bedeutet, die Wahrheit zu finden und eine Emotion zu empfinden, die sich in den Tabellen niederschlägt. Ein unerschütterlicher Anspruch, der Francis Carco aufgefallen war, als er schrieb: "Ich glaube, es ist schwierig, mehr in seine Kunst verliebt zu sein als er und mehr zu fordern. Wie viele Malerinnen und Maler dieser Qualität wären in der Lage, bis zu vierzig Sitzungen demselben Motiv zu widmen? Seine Grau- und Blautöne sind unnachahmlich, und, warum soll man es verschweigen, seine Liebe zu Paris hat ihn dazu gebracht, seine besten Gemälde zu malen.
Seine ersten Bilder waren dunkel. Es stimmt, dass Paris damals gerade aus dem Krieg hervorging und die letzten Renovierungsarbeiten in weiter Ferne lagen. Vielleicht drücken diese gedämpften und dunklen Farben auch eine gewisse Melancholie aus? Im Laufe der Jahre hat er sich dem Licht zugewandt. Haben ihm seine Reisen in den Osten, die orientalische Philosophie, andere Horizonte eröffnet? Das ist möglich. Andererseits ist es sicher, dass der Einfluss derjenigen, die seine Arbeit immer gefördert haben, eine Rolle bei der Entwicklung seiner Palette gespielt hat: Carco, Dorgelès, Paul Fort, Pierre Brisson, Jean Griot, der schrieb: "Wenn ich versuchen würde, die Natur und die Qualität des Dialogs zu definieren, der zwischen Serge Belloni und denen besteht, die sein Werk lieben und bewundern, würde ich sagen, dass dieser Dialog poetischer Natur ist.
Poesie ist ein Lied. Seine Leinwand zum Singen zu bringen: das ist sein Anliegen und seine Begeisterung. Die Leinwand muss vibrieren, singen. Ein einziger falscher Ton und alles fällt auseinander: die Akkorde klingen nicht mehr richtig, die Architektur des Bildes bricht zusammen, Farben, Zeichnungen, Volumen gehen an dem vorbei, was harmonisch und ausgeglichen sein sollte.
Mittags. Er kehrte nach Hause zurück und begnügte sich mit einer spärlichen Mahlzeit. Seine Freunde sagen ihm, dass er weder Gourmet noch Gourmand ist, dass er keinen Gaumen hat. Er antwortet, dass die Freuden der Tafel die sind, die er durch die Freundschaft seiner Gäste erfährt, und dass die Entbehrungen, die er als Jugendlicher im Krieg erlebt hat, ihn zu dieser spartanischen Ernährung erzogen haben. Er drehte seine Leinwand gegen die Wand: wenn er sie ansah, würden mehr Zweifel in ihn eindringen, sie würden wachsen und ihn in der Nacht dazu bringen, das zu zerstören, was er ein paar Stunden zuvor getan hatte.
Am Nachmittag geht er mit einer anderen Leinwand weg: alles ist anders, weil es nicht mehr das gleiche Licht ist.
Er liebt Paris im Herbst und Winter: Die entlaubten Bäume zeigen ihm die Architektur und die Seele der Stadt. Er malt gerne Porträts und Akte, die ihn an seine Forschungen erinnern, als er sich mit der Anatomie des Körpers beschäftigte. Er malt auch Blumen auf Goldgrund, eine Technik, die er seit mehr als dreißig Jahren praktiziert und ständig zu verbessern sucht.
Zweiter Pol seiner Tätigkeit: Venedig, mehrere Monate im Jahr, in einer totalen Einsamkeit, die er für die Schöpfung für unerlässlich hält. Sein Geschmack führt ihn nach Venedig Minor, das älteste, wo er die Kühnheit und die Kraft der ersten Baumeister entdeckt, die der Stadt ihre Seele gaben. Die Weichheit des Marmors mit der Patina der Zeit, in der das Licht spielt, die Harmonie des Himmels und des Wassers, diese ständige festliche Atmosphäre geben ihm eine vollkommene Freude. Schon in jungen Jahren hatte er die Gelegenheit, mit Professor Guido Perocco und seinem Bruder, dem Magistrat der Wasserwerke der Serenissima, Venedig zu entdecken.
Verschlingt ihn diese Leidenschaft für die Kunst so sehr, dass er zum Egomanen, zum Egoisten wird? Ist die Kunst nicht eine Art Wasserstelle: Je näher man ihr kommt, desto mehr zieht sie einen an, ihn und nur ihn? Die Antwort auf diese Fragen ist einfach: Wenn er noch einmal ganz von vorne anfangen und den Weg, den er eingeschlagen hat, noch einmal gehen müsste, würde er nicht zögern. Und in diesem Moment erinnert er sich an seine Freunde aus der Vergangenheit: Gérard Blondel, der zu jung starb, Lucien Philippe Moretti, der ein großer Maler wurde.
Und doch würde ein Neubeginn bedeuten, sehr früh aufzustehen, hart zu arbeiten, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, ohne jemals Zugeständnisse an sein künstlerisches Ideal zu machen; nachmittags in die Beaux-Arts zu gehen, abends in die Akademie, um erschöpft, aber mit Träumen im Kopf in dieses winzige Zimmer zurückzukehren, in dem er seine schönen Jugendjahre verbracht hatte, ohne jede mögliche Ablenkung.
Ja, all das werde ich wieder tun, mit der gleichen Liebe, der gleichen Ausdauer.
Während ich mit ihm spreche, betrachte ich ihn im Spiegel: er steht vor mir und ich sehe ihn wieder bei seiner ersten Ausstellung in Paris zu seinem zwanzigsten Geburtstag und ich denke an die im Museum Carnavalet vierzig Jahre später. Der Everest ist nicht der einzige Gipfel, den es zu erreichen gilt.
Er hat helle Augen und graue Haare und ich sage zu ihm: "Hallo, Serge Belloni".
Serge Belloni
1986.
- Maße:Höhe: 46,5 cm (18,31 in)Breite: 41 cm (16,15 in)Tiefe: 5 cm (1,97 in)
- Materialien und Methoden:
- Herkunftsort:
- Zeitalter:1980–1989
- Herstellungsjahr:1980s
- Zustand:
- Anbieterstandort:PARIS, FR
- Referenznummer:1stDibs: LU8131233358712
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Alle anzeigenSerge BELLONI (1925-2005), Die japanische Brücke in Giverny, 1989
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