Dibujos y acuarelas abstractos del siglo XX

"Propósito" es un dibujo original al pastel al óleo sobre una bolsa de la compra de Reginald K. Gee. El artista firmó la pieza en el reverso. Esta pieza presenta formas abstractas en...

Margules, De Hirsh Margules. COMPOSICIÓN INTIMADA, Tinta sobre papel, 1962. Inscrito y firmado a lápiz dentro de la imagen. 28 x 37 pulgadas, 711 x 940 mm. En muy buen estado. Margu...

"Recordar los primeros años 80" es un dibujo original en pastel al óleo y tinta de Reginald K. Gee. El artista firmó la obra en la parte inferior derecha. Esta colorida pieza abstrac...

Pintura abstracta no objetiva de campo de color de mediados del siglo XX James Daugherty James Daugherty (1887 - 1974) "Objeto volador no identificado", 12 x 16 pulgadas. Inicial in...

Óleo sobre papel Francine Ledieu es una artista francesa nacida en 1931 que vive y trabaja en París, Francia. En los años 50, fue alumna de Maurice Rocher, especializado en arte sac...

Acuarela sobre papel, Enmarcado 48 x 44 x 2 cm

Acuarela sobre papel, Enmarcado 54 x 44 x 2 cm

Esta obra está registrada como obra auténtica de Alexander Calder (1898 - 1976) en los archivos de la Fundación Calder (NY), con el número de solicitud A.24492. Creado en 1967, este...

"Mientras pierdo el tiempo en la Tierra" es un dibujo original al pastel al óleo sobre tabla de trapo de Reginald K. Gee. El artista lo firmó en el reverso. Esta pieza representa dos...

"Movimiento súbito" es un dibujo original al pastel al óleo sobre una bolsa de supermercado de Reginald K. Gee. El artista firmó la obra en la parte inferior derecha. Esta pieza pres...

"Pausa para el almuerzo" es un dibujo original al pastel al óleo sobre tabla de trapo de Reginald K. Gee. Esta pieza es una amalgama abstracta de muchos colores y técnicas de marcado...

"Mujer reclinada con pez" Cuadro en acuarela 11 x 14,5in by Shaker El Maadawy firmado y fechado Shaker El Maadawy se licenció en pintura en la Facultad de Bellas Artes de Alejandrí...

"Composición abstracta VII" Cuadro acuarela 14" x 10" in by Shaker El Maadawy firmado y fechado Shaker El Maadawy se licenció en pintura en la Facultad de Bellas Artes de Alejandrí...

Dibujo original en color sobre papel. Firmado a mano en la parte inferior delantera por Roberto Matta. Tamaño de la imagen 12 x 16 pulgadas. Tamaño del marco aprox. 23,25 x 27,5 ...

"Segundo Tema" 1949 Abstracto Mediados del Siglo XX Geométrico No Objetivo Borde Duro Burgoyne A. Diller (estadounidense, 1906-1965) "Segundo Tema" 1949. Lápiz y lápiz de color sobre papel. Firmado y fechado "D. A. 49" (abajo a la derecha). Imagen: 9 1/2 x 5 1/2 pulg. Galería Andre Emmerich, Nueva York. Galería Martha Jackson, Nueva York. Galería Anderson, Búfalo, Nueva York. Fideicomiso de los Nietos de David K. Anderson. BURGOYNE DILLER (1906-1965) Reconocido como el primer pintor estadounidense que abrazó los principios del neoplasticismo, Burgoyne Diller realizó una importante contribución al desarrollo del arte no objetivo en Estados Unidos. Trabajando en un estilo geométrico de bordes duros, produjo pinturas, dibujos y collages que allanaron el camino para el desarrollo del Minimalismo estadounidense durante las décadas de 1960 y 1970. Nacido en Nueva York en 1906, Diller empezó a pintar y dibujar de adolescente en Battle Creek, Michigan. Más tarde, mientras asistía a la Universidad Estatal de Michigan, en East Lansing, con una beca deportiva, hizo visitas de fin de semana al Instituto de Arte de Chicago, donde se familiarizó con la pintura impresionista y postimpresionista. Le atraían especialmente los paisajes y bodegones de Paul Cézanne, que modelaba el color para crear estructura y volumen. En 1929, Diller se trasladó a Manhattan y se matriculó en la Liga de Estudiantes de Arte, donde tuvo como profesores a pintores progresistas como Jan Matulka, Hans Hofmann y George Grosz. El concepto de Hofmann del efecto "tira y afloja" de la forma y el color ejerció una fuerte influencia en sus primeros trabajos, al igual que su creciente familiaridad con el Cubismo Analítico y Sintético, el Expresionismo Alemán y otros estilos europeos de vanguardia. Diller tuvo la oportunidad de ver algunas de estas obras de primera mano, pero también se mantuvo al corriente de los avances en el extranjero leyendo revistas como Cahiers d'Art. Diller terminó sus estudios en la Liga en 1933, año en que realizó su primera exposición individual en la Galería de Arte Contemporáneo de Nueva York. Fue en esta época cuando sus cuadros empezaron a mostrar la influencia de las composiciones geométricas reductivas y recortadas del constructivista holandés Piet Mondrian y de las composiciones igualmente sobrias de Kasimir Malevich y El Lissitsky, exponentes del suprematismo ruso. En los años siguientes, Diller sintetizó las formas geométricas nítidas y los colores primarios y blancos y negros del Constructivismo con su propio enfoque personal de la línea, el espacio y la forma, y al hacerlo llegó a un estilo muy personal. Además de defender la causa de la abstracción con su propia obra, Diller promovió la pintura no objetiva a través de su papel como administrador artístico. De hecho, a pesar de su reputación de innovador, no consiguió vender ninguno de sus cuadros durante la década de 1930, una época de penurias para muchos artistas. En 1935 fue contratado como Director de la División de Murales del Proyecto Federal de Artes de la WPA y, en calidad de tal, proporcionó encargos a compañeros abstraccionistas como Arshile Gorky, Stuart Davis, Willem de Kooning, Ilya Bolotowsky y otros. Diller también promovió el arte no tradicional a través de su pertenencia a American Abstract Artists (fundado en 1936), con el que expuso de 1937 a 1939. Diller trabajó en el Proyecto Federal de las Artes hasta 1940. Continuó pintando durante las décadas de 1940 y 1950, aunque su producción disminuyó considerablemente. En su obra posterior, recurrió a composiciones cada vez más simplificadas y los movimientos y ritmos de sus formas adquirieron un tono más sosegado. Durante la Segunda Guerra Mundial, Diller fue director de la Sección de Arte del Servicio de Guerra en Nueva York. También estuvo vinculado a la división de ayudas visuales de la marina, donde diseñó un sistema de señales en blanco y negro para la comunicación entre barcos. En 1945 se incorporó al departamento de diseño del Brooklyn College, donde permaneció hasta 1964. Desde su muerte en Nueva York en 1965, la obra de Diller se ha incluido en muchas exposiciones dedicadas al arte moderno en Estados Unidos, entre ellas Abstract Paintings...

Paul Jenkins Sin título, 1971 transmite una fuerte sensación de movimiento a través de una audaz composición central dominada por tonos amarillos, morados y negros. Rodeada de un fon...

Dibujo original en color sobre papel. Firmado a mano en la parte inferior delantera por Roberto Matta. Tamaño de la imagen 12 x 16 pulgadas. Tamaño del marco aprox. 23,25 x 27,5 ...

Acrílico, Tinta, Pastel y collage sobre papel de archivo - Obra original sobre papel, obra única. La obra está en muy buen estado y está firmada abajo a la derecha "Patricia R.". De...

Edmond Xavier Kapp (británico, 1890 - 1978) ¡Sin duda! Tinta sobre papel Firmado y fechado "Kapp '71" (abajo a la izquierda), titulado en el reverso 14.3/4 x 11.7/8 in. (37.5 x 30.3 ...

Paul Colin (1892-1986), pintor, ilustrador, escenógrafo y gran cartelista del siglo XX, es conocido por su influencia en el Art Déco. Creció en Nancy, centro neurálgico del arte de v...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), El Trapecista, Pastel sobre papel, 1953, firmado a lápiz y fechado abajo a la izquierda, en paspartú, sin enmarcar. I...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Paisaje marino en la playa, Carboncillo sobre papel, con la firma del artista estampada abajo a la derecha, sin enmar...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Paisaje marino en la playa, Carboncillo sobre papel, con la firma del artista estampada abajo a la derecha, sin enmar...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Paisaje marino en la playa, Carboncillo sobre papel, con la firma del artista estampada abajo a la derecha, sin enmar...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Paisaje marino de Rockwall, Carboncillo sobre papel, con la firma del artista estampada abajo a la derecha, sin enmar...

"Abstracto confuso" es un pastel al óleo original sobre bolsa de supermercado de Reginald K. Gee. El artista firmó la pieza en el reverso. Presenta un diseño abstracto en amarillo, r...

"Glower" es un dibujo original al pastel sobre una bolsa de la compra, de Reginald K. Gee. El artista firmó la pieza en el reverso de la obra. Esta pieza presenta marcas abstractas e...

Dorothy Dehner (1901-1994) fue una influyente artista multidisciplinar estadounidense que trabajó el dibujo, la pintura, el grabado y, sobre todo, la escultura. A pesar de sus contr...

Esta obra de arte abstracto forma parte de un grupo de más de 100 piezas seleccionadas personalmente por el artista y regaladas a un amigo íntimo en 1969. Ten en cuenta que este cuad...

En esta pequeña obra, podemos ver a Sylvia Spicuzza experimentando con la acuarela, intentando conseguir una textura dentada, parecida a la roca. En la imagen predominan los ocres y ...

Dibujo original a lápiz de color sobre papel. Firmado a mano en el anverso por Purvis Young. Tamaño de la obra 11 x 8 pulgadas. Tamaño del marco aprox. 17 x 14 pulgadas. La obra ...

acuarela sobre Arches, enmarcada A lo largo de su carrera, Mala Breuer realizó más de 400 acuarelas y obras sobre papel que precedieron a todas y cada una de sus grandes obras sob...

"Viñeta para vidriera" es un dibujo original en rotulador sobre papel de David Barnett, firmado en la esquina inferior derecha. La imagen muestra un par de figuras representadas con ...

Dorothy Dehner (1901-1994) fue una influyente artista multidisciplinar estadounidense que trabajó el dibujo, la pintura, el grabado y, sobre todo, la escultura. A pesar de sus contr...

"Una brillante noche soleada" es un dibujo original al pastel al óleo sobre cartulina de Reginald K. Gee. El artista firmó la pieza en el reverso. Esta pieza presenta formas biomórfi...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Paisaje marino de Rockwall, Carboncillo sobre papel, con la firma del artista estampada abajo a la derecha, sin enmar...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Tondo celeste, composición puntillista, aguada sobre papel, aparentemente sin firmar, sello de la propiedad del artis...

Los grandes dibujos al pastel de Valerie Christell de principios de los 80 toman el paisaje y lo hacen abstracto. En ellas, intenta emular la experiencia de ver la tierra mientras co...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Composición puntillista Rivulet, aguada sobre papel, 1962, firmado y fechado abajo a la izquierda, marco de madera. I...

Manfred Schwartz (estadounidense, nacido en Polonia, 1909-1970), Composición abstracta de puntillismo, técnica mixta sobre papel, firmado abajo a la derecha, M. Knoedler & Co. Inc. e...

Ejecutada en 1930, esta obra biomórfica al carboncillo, abstracta pero representativa, de El artista afroamericano Charles Henry Alston prefigura sus pinturas expresionistas abstractas de principios y mediados de la década de 1950. En particular, "Trovador" de 1955 que se vendió en Christie's por 189.000 $. En este trabajo, Alston dirige su aguda mirada hacia la naturaleza y la estructura de un árbol sin hojas. La forma del árbol y las ramas se hacían eco de la forma del paisaje circundante. Sus formas exageradas aluden al pintor de escenas estadounidense Thomas Hart Benton. Firmado abajo a la derecha La obra está enmarcada bajo cristal De Wikipedia: Muralista y profesor que vivió y trabajó en el barrio neoyorquino de Harlem. Alston participó activamente en el Renacimiento de Harlem; fue el primer supervisor afroamericano del Proyecto Federal de Arte de la Works Progress Administration. Alston diseñó y pintó murales en el Hospital de Harlem y en el Edificio Golden State Mutual Life Insurance. En 1990, el busto de Martin Luther King Jr. realizado por Alston se convirtió en la primera imagen de un afroamericano expuesta en la Casa Blanca. Charles Henry Alston nació el 28 de noviembre de 1907 en Charlotte (Carolina del Norte), hijo del reverendo Primus Priss Alston y de Anna Elizabeth (Miller) Alston, y era el menor de cinco hermanos: Charles, su hermana mayor Rousmaniere y su hermano mayor Wendell Su padre había nacido en la esclavitud en 1851 en Pittsboro, Carolina del Norte. Tras la Guerra Civil, se formó y se licenció en el Colegio San Agustín de Raleigh. Llegó a ser un destacado ministro y fundador de la Iglesia Episcopal de San Miguel, con una congregación afroamericana. El mayor de los Alston fue descrito como un "hombre de raza": un afroamericano que dedicaba sus habilidades al progreso de la raza negra. El reverendo Alston conoció a su esposa cuando ella era alumna de su escuela. Su padre apodaba a Charles "Spinky", apodo que conservó de adulto. En 1910, cuando Charles tenía tres años, su padre murió repentinamente de una hemorragia cerebral. Los lugareños describieron a su padre como el "Booker T. Washington de Charlotte" En 1913, Anna Alston se casó con Harry Bearden, tío de Romare Bearden, lo que convirtió a Charles y Romare en primos. Las dos familias Bearden vivían una enfrente de la otra; la amistad entre Romare y Charles duraría toda la vida. De niño, Alston se inspiraba en los dibujos de trenes y coches de su hermano mayor Wendell, que el joven artista copiaba. Alston también jugó con arcilla, creando una escultura de Carolina del Norte. De adulto, reflexionó sobre sus recuerdos de cuando era niño y esculpía con arcilla: "Cogía cubos y los pasaba por coladores y hacía cosas con ellos. Creo que ésa es la primera experiencia artística que recuerdo, hacer cosas"[1] Su madre era una experta bordadora y empezó a pintar a los 75 años. A su padre también se le daba bien dibujar, pues había cortejado a la madre de Alston, Anna, con pequeños bocetos en los intermedios de las cartas que le escribía. En 1915, la familia Bearden/Alston se trasladó a Nueva York, como hicieron muchas familias afroamericanas durante la Gran Migración. El padrastro de Alston, Henry Bearden, se marchó antes que su mujer y sus hijos para conseguir trabajo. Consiguió un trabajo supervisando el funcionamiento de los ascensores y al personal del quiosco del Hotel Bretton, en el Upper West Side. La familia vivía en Harlem y se consideraba de clase media. Durante la Gran Depresión, los habitantes de Harlem sufrieron económicamente. La "fuerza estoica" que se veía en la comunidad se expresó más tarde en las bellas artes de Charles[1]. En la Escuela Pública 179 de Manhattan, se reconocieron las habilidades artísticas del muchacho y se le pidió que dibujara todos los carteles de la escuela durante sus años allí. En 1917, Harry y Anna Bearden tuvieron una hija en común, Aida C. Bearden, que más tarde se casaría con el barítono de ópera Lawrence Whisonant. Enseñanza superior Alston se graduó en el Instituto DeWitt Clinton, donde fue nominado por su excelencia académica y fue editor de arte de la revista del instituto, The Magpie. Fue miembro de la Arista - Sociedad Nacional de Honor y también estudió dibujo y anatomía en la escuela sabatina de la Academia Nacional de Arte.En el instituto le regalaron sus primeras pinturas al óleo y conoció los salones de arte de su tía Bessye Bearden, a los que acudían estrellas como Duke Ellington y Langston Hughes. Tras licenciarse en 1925, asistió a la Universidad de Columbia, rechazando una beca de la Escuela de Bellas Artes de Yale. Pvt. Alston con su estudiante de arte y primo, Romare Bearden (derecha), hablando de uno de sus cuadros, Trabajadores del algodón, en 1944. Ambos eran miembros del 372º Regimiento de Infantería destinado en la ciudad de Nueva York. Alston ingresó en el programa de pre-arquitectura, pero perdió el interés tras darse cuenta de las dificultades que tenían muchos arquitectos afroamericanos en ese campo. Después de tomar clases de medicina, decidió que las matemáticas, la física y la química "no eran lo mío", y entró en el programa de bellas artes. Durante su estancia en Columbia, Alston se unió a Alpha Phi Alpha, trabajó en el Columbia Daily Spectator de la universidad y dibujó caricaturas para la revista Jester de la escuela. También exploró los restaurantes y clubes de Harlem, donde se fomentaría su amor por el jazz y la música negra. En 1929, se graduó y recibió la beca Arthur Wesley Dow para estudiar en el Teachers College, donde obtuvo un máster en 1931. Vida posterior Durante los años 1942 y 1943 Alston estuvo destinado en el ejército en Fort Huachuca, Arizona. Mientras trabajaba en un proyecto de mural en el Hospital de Harlem, conoció a Myra Adele Logan, entonces interna de cirugía en el hospital. Se casaron el 8 de abril de 1944. Su casa, que incluía su estudio, estaba en la avenida Edgecombe, cerca del parque Highbridge. La pareja vivía cerca de la familia; en sus frecuentes reuniones, a Alston le gustaba cocinar y Myra tocaba el piano. Durante la década de 1940, Alston también tomó clases ocasionales de arte, estudiando con Alexander Kostellow. El 27 de abril de 1977, Alston falleció tras una larga lucha contra el cáncer, pocos meses después de que su esposa muriera de cáncer de pulmón. Su funeral se celebró en la Iglesia Episcopal de San Martín de Nueva York, el 21 de mayo de 1977. Carrera profesional Ilustración de Alston sobre el historiador afroamericano Carter G. Woodson para la Oficina de Información de Guerra. Mientras obtenía su maestría, Alston fue director del trabajo de los niños en la Casa de los Niños de Utopía, iniciada por James Lesesne Wells. También empezó a dar clases en el Harlem Community Art Center, fundado por Augusta Savage en el sótano de lo que hoy es el Schomburg Center for Research in Black Culture. El estilo de enseñanza de Alston estaba influido por la obra de John Dewey, Arthur Wesley Dow y Thomas Munro. Durante este periodo, Alston empezó a enseñar al niño de 10 años Jacob Lawrence, en quien ejerció una gran influencia. A finales de los años 20, Alston se unió a Bearden y a otros artistas negros que se negaban a exponer en las muestras de la Fundación William E. Harmon, que presentaba a artistas exclusivamente negros en sus exposiciones itinerantes. Alston y sus amigos pensaban que las exposiciones estaban pensadas para un público blanco, una forma de segregación contra la que protestaban. No querían ser apartados, sino exhibidos al mismo nivel que sus compañeros de arte de cualquier color de piel. n 1938, el Fondo Rosenwald proporcionó dinero para que Alston viajara al Sur, lo que supuso su primer regreso allí desde que se marchó de niño. Sus viajes con Giles Hubert, inspector de la Administración de Seguridad Agraria, le permitieron acceder a determinadas situaciones y fotografió muchos aspectos de la vida rural. Estas fotografías sirvieron de base para una serie de retratos de género que representaban la vida de los negros del sur. En 1940, completó Granjero tabacalero, el retrato de un joven granjero negro vestido con un mono blanco y una camisa azul, con una mirada juvenil pero seria, sentado ante el paisaje y los edificios en los que trabaja. Ese mismo año, Alston recibió una segunda ronda de financiación del Fondo Rosenwald para viajar al Sur, y pasó una larga temporada en la Universidad de Atlanta. Durante los años treinta y principios de los cuarenta, Alston creó ilustraciones para revistas como Fortune, Mademoiselle, The New Yorker, Melody Maker y otras. También diseñó portadas de discos para artistas como Duke Ellington y Coleman Hawkins, así como portadas de libros para Eudora Welty y Langston Hughes.Alston se convirtió en artista de plantilla de la Oficina de Información de Guerra y Relaciones Públicas en 1940, creando dibujos de afroamericanos notables. El gobierno utilizó estas imágenes en más de 200 periódicos negros de todo el país para "fomentar la buena voluntad con la ciudadanía negra." Alston dejó el trabajo comercial para centrarse en su propia obra de arte, y en 1950 se convirtió en el primer instructor afroamericano de la Liga de Estudiantes de Arte, donde permaneció como profesor hasta 1971.En 1950, su Pintura se expuso en el Museo Metropolitano de Arte, y su obra fue una de las pocas piezas adquiridas por el museo[6]. En 1953 consiguió su primera exposición individual en la Galería John Heller, que representaba a artistas como Roy Lichtenstein. Expuso allí cinco veces entre 1953 y 1958. En 1956, Alston se convirtió en el primer instructor afroamericano del Museo de Arte Moderno, donde enseñó durante un año antes de ir a Bélgica en nombre del MoMA y del Departamento de Estado. Coordinó el centro comunitario infantil de la Expo 58. En 1958, obtuvo una beca de la Academia Americana de las Artes y las Letras y fue elegido miembro de la misma. En 1963, Alston cofundó Spiral con su primo Romare Bearden, Hale Woodruff y Alvin Hollingsworth. Espiral sirvió como colectivo de conversación y exploración artística para un gran grupo de artistas que "abordaron cómo debían relacionarse los artistas negros con la sociedad estadounidense en una época de segregación". Artistas y simpatizantes de las artes se reunieron para Espiral, como Emma Amos, Perry Ferguson y Merton Simpson. Este grupo fue la versión de los años 60 del Grupo 306. Alston fue descrito como un "activista intelectual", y en 1968 habló en Columbia sobre su activismo. A mediados de la década de 1960, Spiral organizó una exposición de obras de arte en blanco y negro, pero la exposición nunca fue patrocinada oficialmente por el grupo, debido a desacuerdos internos[1]. En 1968, Alston recibió un nombramiento presidencial de Lyndon Johnson para el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes. El alcalde John Lindsay le nombró miembro de la Comisión de Arte de Nueva York en 1969. En 1973 fue nombrado profesor titular del City College de Nueva York, donde había enseñado desde 1968. En 1975 se le concedió el primer Premio al Alumno Distinguido del Teachers College[1]. La Liga de Estudiantes de Arte creó en 1977 una beca al mérito de 21 años con el nombre de Alston para conmemorar cada año de su mandato[3]. Pintar una persona y una cultura Alston compartía estudio con Henry Bannarn en el 306 W. de la calle 141, que servía de espacio abierto para artistas, fotógrafos, músicos, escritores y similares. Otros artistas tuvieron un estudio en el 306, como Jacob Lawrence, Addison Bates y su hermano Leon. Durante esta época, Alston fundó el Gremio de Artistas de Harlem con Savage y Elba Lightfoot para trabajar por la igualdad en los programas de arte de la WPA en Nueva York. Durante los primeros años del 306, Alston se centró en dominar el retrato. Sus primeras obras, como Retrato de un hombre (1929), muestran el estilo detallado y realista de Alston, representado mediante pasteles y carboncillos, inspirado en el estilo de Winold Reiss. En su Chica con vestido rojo (1934) y La camisa azul (1935), Alston utilizó técnicas modernas e innovadoras para sus retratos de jóvenes de Harlem. Se cree que Camisa Azul es un retrato de Jacob Lawrence. Durante esta época también creó Hombre sentado con bolsa de viaje (c. 1938-40), que muestra el ambiente sórdido y sombrío, en contraste con obras como Vaudeville (c. 1930), de fuerte carga racial, y su estilo caricaturesco de un hombre con la cara negra. Inspirado por su viaje al sur, Alston comenzó su "serie familiar" en la década de 1940. La intensidad y la angulosidad se manifiestan en los rostros de los jóvenes de sus retratos Sin título (Retrato de una chica) y Sin título (Retrato de un chico). Estas obras también muestran la influencia que la escultura africana tuvo en su retrato, con Retrato de niño que muestra rasgos más cubistas. Los retratos familiares posteriores muestran la exploración de Alston del simbolismo religioso, el color, la forma y el espacio. Sus retratos de grupos familiares suelen carecer de rostro, lo que, según Alston, es la forma en que la América blanca ve a los negros. Cuadros como Familia (1955) muestran a una mujer sentada y a un hombre de pie con dos niños; los padres parecen casi solemnes, mientras que los niños se describen como esperanzados y con un uso del color que hizo famoso Cézanne. En Grupo familiar (c. 1950), el uso que hace Alston de los tonos grises y ocres reúne a los padres y al hijo como si fueran uno solo, con motivos geométricos que los conectan entre sí como si fueran un puzzle. La sencillez del aspecto, el estilo y la emoción de la familia son reflejo y probablemente inspiración del viaje al sur de Alston. Su obra de esta época se ha descrito como "caracterizada por su uso reductivo de la forma combinado con una paleta de colores solares". Durante esta época también empezó a experimentar con la pintura de tinta y aguada, lo que se aprecia en obras como Retrato de mujer (1955), además de crear retratos para ilustrar la música que le rodeaba en Harlem. El cantante de blues nº 4 muestra a una cantante en el escenario con una flor blanca en el hombro y un atrevido vestido rojo. Se cree que Girl in a Red Dress...

"Ballena en un mar de símbolos" es un original en tinta y carboncillo sobre papel amate hecho a mano por Miguel Castro Leñero. El artista puso sus iniciales en la parte inferior dere...

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