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Gene Davis"Sin título" Siglo XX sobre papel firmado y fechado dibujo1981
1981
Acerca del artículo
Gene Davis
1920 - activo en Washington DC - 1985
Sin título
1981
Rotulador de colores sobre papel
49 x 32 cm (17 ¾ x 12 ½ pulgadas)
Dimensiones enmarcado: 61 x 35,5 cm (24 x 14 pulgadas)
Firmado y fechado: Davis 1981
Procedencia:
El artista
Phyllis Hattis Bellas Artes
Colección privada, Dr. Silver, NY
Conocido sobre todo por sus pinturas de rayas verticales de borde a borde en bandas cuidadosamente delimitadas, Gene Davis fue una figura destacada durante el grupo de mediados del siglo XX conocido como los Pintores del Color de Washington, grupo en el que se encontraban Morris Louis y Kenneth Noland.
Davis estuvo vinculado a su ciudad natal, Washington D.C., durante toda su carrera. Tras estudiar en la Universidad de Maryland, comenzó su vida profesional como periodista. Durante muchos años fue corresponsal de la Casa Blanca y periodista deportivo.
Davis no tenía formación artística formal, y su incursión inicial en este campo se produjo en la década de 1950, cuando trabajó en el Taller de Washington con Jacob Kainen, un destacado pintor de obras abstractas que inspiró a muchos de los coloristas de Washington. De hecho, Davis se convirtió en un miembro destacado de la Escuela del Color de Washington, un grupo de artistas que obtuvo reconocimiento por su uso del color como elemento expresivo primordial en su obra.
En 1958 Davis creó su primer cuadro de "rayas verticales", que medía doce por ocho pulgadas y presentaba rayas amarillas, rosas y violetas de anchura desigual que se alternaban con regularidad. Una de las contribuciones más notables de Davis al mundo del arte es el uso de rayas verticales como motivo principal de sus cuadros. Estas rayas, a menudo de anchura uniforme y meticulosamente dispuestas, se convirtieron en una marca distintiva del estilo de Davis. Su enfoque no sólo era visualmente impactante, sino también conceptualmente rico, pues invitaba a los espectadores a explorar la interacción del color y la forma dentro de una estructura aparentemente sencilla. Aunque la obra de Davis se asocia principalmente con el formalismo y el minimalismo, hay una sensación de ritmo y movimiento en sus cuadros que los distingue.
Davis enseñó en la Escuela de Arte Corcoran de Washington D.C. y en otras instituciones, como la American University de Washington D.C. y el Skidmore College de Saratoga, Nueva York. Su obra se encuentra en muchas colecciones públicas y privadas importantes, como el Museo de Arte Chrysler de Norfolk (Virginia), la Galería de Arte Corcoran de Washington D.C., el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Instituto de Arte de Minneapolis, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Smithsoniano de Arte Americano de Washington D.C., la Galería Nacional de Arte de Washington D.C., el Museo Nelson-Atkins de Kansas City (Missouri), el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte de San Diego, el Museo de Arte Solomon R. Goulder, el Museo de Arte de Nueva York y el Museo de Arte de Nueva York.C.; la Galería Nacional de Arte de Washington D.C.; el Museo Nelson-Atkins de Kansas City (Misuri); el Museo de Arte de Filadelfia; el Museo de Arte de San Diego; el Solomon R. Guggenheim de Nueva York; la Tate Gallery de Londres; el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; y la Galería de Arte de la Universidad de Yale de New Haven (Connecticut).
- Creador:Gene Davis (1920-1985, Americana)
- Año de creación:1981
- Dimensiones:Altura: 35,56 cm (14 in)Anchura: 60,96 cm (24 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU2733216419332
Gene Davis
Davis nació en Washington D.C. en 1920 y pasó allí casi toda su vida. Antes de empezar a pintar en 1949, trabajó como periodista deportivo, cubriendo el equipo de fútbol americano de Washington y otros equipos locales. Trabajando como periodista a finales de la década de 1940, cubrió las administraciones presidenciales de Roosevelt y Truman, y a menudo era compañero del presidente Truman en las partidas de póquer. Su primer estudio de arte estuvo en su apartamento de Scott Circle; más tarde trabajó en un estudio de Pennsylvania Avenue. La primera exposición individual de dibujos de Davis fue en la Galería del Teatro Dupont en 1952, y su primera exposición de pinturas fue en la Universidad Católica en 1953. Una década más tarde participó en la exposición "Washington Color Painters" en la Galería de Arte Moderno de Washington, DC, que viajó a otros lugares de EE.UU., y lanzó el reconocimiento de la Escuela del Color de Washington como movimiento regional en el que Davis era una figura central. Los pintores de Washington se encontraban entre los más destacados de los pintores de campo de color de mediados de siglo. Aunque trabajó con diversos medios y estilos, como la tinta, el óleo, el acrílico, el vídeo y el collage, Davis es, con diferencia, más conocido por sus pinturas acrílicas (la mayoría sobre lienzo) de coloridas rayas verticales, que empezó a pintar en 1958. Los cuadros suelen repetir determinados colores para crear una sensación de ritmo y repetición con variaciones. Uno de sus cuadros más conocidos, "Black Grey Beat" (1964), propiedad del Museo Smithsonian de Arte Americano, refuerza estas comparaciones musicales en su título. Los pares de rayas alternas negras y grises se repiten por todo el lienzo, y son reconocibles incluso cuando se sustituyen el negro y el gris por otros colores, y se vuelve a ellos incluso cuando la repetición de pares oscuros y claros se rompe aquí y allá por colores de fuerte contraste. En 1972 Davis creó Franklin's Footpath, que en su momento fue la obra de arte más grande del mundo, pintando rayas de colores en la calle frente al Philadelphia Museum of Art, y la pintura más grande del mundo, Niagara (43.680 pies cuadrados), en un aparcamiento de Lewiston, NY. Sus "micropinturas", en el otro extremo, eran tan pequeñas como 3/8 de pulgada cuadrada. Para una obra pública en un medio totalmente distinto, diseñó los patrones de color del "Muro Solar", un conjunto de tubos llenos de agua teñida y retroiluminados por luces fluorescentes, en el Museo de Arte Muscarelle del College of William and Mary de Williamsburg, Virginia. Davis empezó a enseñar en 1966 en la Escuela de Arte Corcoran, donde se convirtió en miembro permanente del profesorado. Sus obras se encuentran en las colecciones de, entre otros, la Galería de Arte Corcoran, el Solomon R. Guggenheim Museum, The Phillips Collection de Washington, DC, el Walker Art Center de Minneapolis, MN, The Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection de Albany, NY, y el Smithsonian American Art Museum. An He murió el 6 de abril de 1985 en Washington, DC.
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Ver todoPHENOMENA Cáliz chino de luz 1989 Acuarela abstracta expresionista, enmarcada
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En su adolescencia, Paul Jenkins trabajó con el ceramista James Weldon, lo que le llevó a una fascinación por los esmaltes; Jenkins cultivó y finalmente consiguió un efecto similar en sus pinturas mezclando óleo y esmalte sobre lienzo en los años 50. En 1937, Jenkins asistió a clases en el Instituto de Arte de Kansas City, donde pintó su primera serie de acuarelas que denominó paisajes interiores, inspirados en las cuevas de los Ozarks. Tras servir en el Cuerpo Aéreo Naval estadounidense durante 2 años, Jenkins se trasladó a Nueva York para estudiar con Yasuo Kuniyoshi y Morris Kantor en la Liga de Estudiantes de Arte de 1948 a 1952. Durante esos años, Jenkins conoció a Mark Rothko, Jackson Pollock y Barnett Newman.
En 1953 se marchó a París, donde descubrió y quedó impresionado por la densidad del color y la luminosidad de las obras abstractas al óleo denominadas ébauches de Gustave Moreau y los pasteles de Odilon Redon. Comenzó a experimentar con pinturas vertidas de diversos grosores sobre lienzo y papel, y descubrió que esta técnica lograba una luminosidad del color que, a su manera, era comparable a la de Moreau y Redon. Al año siguiente, Jenkins añadió pigmentos Winsor Newton y crisocromo, una pintura esmaltada viscosa, a sus pinturas vertidas, enriqueciendo aún más su densidad de color y su incandescencia. El siguiente gran avance en la técnica se produjo en 1959, cuando empezó a utilizar un cuchillo de marfil para guiar el flujo de la pintura. Ese mismo año, también empezó a titular sus cuadros Fenómenos seguidos de una palabra o frase clave. Una película sobre la técnica de Jenkins titulada El cuchillo de marfil: Paul Jenkins at Work, se proyectó en el Museo de Arte Moderno y recibió el Premio Águila de Oro en el Festival de Cine de Venecia de 1966.
En 1954, Jenkins celebró su primera exposición individual en París, donde conoció a Martha Jackson, cuya galería neoyorquina incluyó a Jenkins en una exposición colectiva al año siguiente. En 1956, la galería Martha Jackson organizó una exposición individual de la obra de Jenkins en la que Divining Rod fue adquirida para el Museo Whitney de Arte Americano. Jenkins realizó otras nueve exposiciones individuales en la Galería Martha Jackson entre 1958 y 1973. Participó en Dibujos recientes,1956, en el MOMA, y en La naturaleza en la abstracción: The Relation of Abstract Painting...
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