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Amedeo ModiglianiRetrato de Berthe Lipchitz - Retrato moderno Dibujo a lápiz - Amedeo Modigliani1916
1916
Acerca del artículo
Retrato firmado a lápiz sobre papel del artista italiano Amedeo Clemente Modigliani. El retrato es de Berthe Lipchitz, esposa de un amigo de Modigliani, el escultor Jacques Lipchitz. Esta obra es un estudio para el "Retrato de Jacques y Berthe Lipchitz" que cuelga en el Instituto de Arte de Chicago.
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Enmarcado: 26,75" x18,25
Sin enmarcar: 18.75 "x12.25"
Procedencia:
La colección de Leopold Survage
La colección de Dimitri Snegaroff
La colección de Leopold Zborowski
Galería Charpentier - París 1958
Colección privada francesa
Galería Pierre Levy - París
Colección privada - Reino Unido
Expuesto:
Galerie Charpentier - Cent Tableaux de Modigliani - París, 1958
Les Peintres de Zborowski - ~Fundación L'Hermitage, Lausana 1994
Exposición Amedeo Modigliani - Museo de Arte Moderno de Lugano 1999
Amedeo Modigliani nació en el seno de una familia judía de clase media y era hermano de Eugenio Modigliani, que más tarde se convirtió en líder del partido obrero socialista italiano antes del ascenso del fascismo. Modigliani padeció mala salud de niño y contrajo pleuresía en 1895, seguida en 1898 de tifus con complicaciones pulmonares, que culminaron en tuberculosis en 1901. Se trasladó a Livorno para estudiar con Guglielmo Micheli, que a su vez había sido alumno de Giovanni Fattori, uno de los pintores del grupo Macchiaioli, que trabajaban con fuertes manchas de color (macchie) para conseguir vivos efectos de luz y color; su enfoque surgió como reacción contra el arte académico en Italia y, de forma muy parecida a los impresionistas franceses, abogaban por pintar a partir de la naturaleza en lugar de aspirar a comunicar un mensaje o ideología concretos. En 1902, Modigliani se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Florencia. En 1903 viajó a Roma y Venecia, donde dedicó la mayor parte del día a visitar museos. Por aquel entonces empezó a leer a Dante, soñando sin duda con la Vita Nuova; también devoró las obras de Leopardi, Carducci, d'Annunzio, Spinoza y Nietzsche.
En 1906, Modigliani se trasladó a París, alojándose en la calle Caulaincourt. En aquella coyuntura, nada en él parecía presagiar la brillante carrera que iba a seguir. Su llegada al barrio de los artistas, entonces conocido coloquialmente como el maquis -la laberíntica maraña de callejuelas en torno a la actual avenida Junot de Montmartre-, pasó prácticamente desapercibida para los artistas que ya vivían y trabajaban allí, entre ellos Picasso, Braque y Derain. La pintura de Modigliani no causó casi ningún impacto inmediato y se le reconoció principalmente por su frágil constitución, sus ojos centelleantes, su elegancia innata y su destreza intelectual. Fue aceptado en la comunidad de Montmartre, pero nunca perteneció a ningún "grupo" o círculo concreto, y no hay constancia de que fuera invitado al estudio de Pablo Picasso, el famoso "lavadero".
Modigliani, literato y muy elocuente, optó en cambio por la compañía de Maurice Utrillo, pintor instintivo del que podría decirse caritativamente que su conversación era, en el mejor de los casos, limitada. Sin embargo, Modigliani y "Litrillo" (como llamaban a Utrillo los "p'tits poulbots") empezaron a frecuentar los cabarets y salones de baile de la Butte de Montmartre, así como los nefastos fumaderos de hachís, "instituciones" posteriores a Baudelaire, frecuentadas principalmente por escritores en paro y artistas sin talento. Modigliani desarrolló una adicción que, agravada por su alcoholismo, le pasó factura. También lo transformó de un artista de capacidad limitada en uno desprovisto de escrúpulos burgueses.
En su monografía Modigliani: Sa Vie et Son Oeuvre, escrita en 1926, poco después de la muerte de Modigliani, André Salmon insinuó un "pacto con el diablo". Aunque exagerando un poco, este pintor de Livorno, poco prometedor, se metamorfoseó prácticamente de la noche a la mañana en un artista de rara habilidad y sensibilidad. El punto de inflexión llegó en 1907, cuando Modigliani conoció a Paul Alexandre, un médico que entabló amistad con él, le tomó bajo su protección y compró algunas de sus obras. Los cuadros banales que había pintado en Montmartre fueron súbitamente sustituidos por obras excepcionales, realizadas primero en Montmartre ("El violonchelista", 1909) y luego en Montparnasse.
En Montparnasse, Modigliani empezó a moverse en círculos artísticos, conociendo a Chaim Soutine, Marc Chagall, Jules Pascin y otros, todos los cuales vivían y trabajaban en el edificio de la calle Vaugirard conocido como "La Ruche" ("la colmena"). Luego, en la Cité Falguière, conoció al escultor de origen rumano Constantin Brancusi, que le animó a dedicarse a la escultura, lo que hizo entre 1909 y 1913. En 1914, varios marchantes, entre ellos el antiguo poeta Léopold Zborowski y el coleccionista Paul Guillaume, intentaron con poco éxito comercializar los cuadros de Modigliani. De 1914 a 1916, Modigliani se vio envuelto en un tempestuoso romance con la poetisa y periodista inglesa Beatrice Hastings. Sin embargo, en 1917 conoció a Jeanne Hébuterne en la Academia Colarossi, que se convirtió en su compañera y modelo constante, y que dio a luz a su hija Jeanne en 1918. En 1918 y 1919, Modigliani y Jeanne pasaron una temporada en Niza, en la Costa Azul, pero en 1920 él padecía meningitis tuberculosa. Sus amigos, Kisling y el chileno Ortiz de Zárate, le llevaron a él y a una embarazada Jeanne de vuelta a París, donde murió el 20 de enero de 1920 en el Hôpital de la Charité. Se dice que sus últimas palabras fueron: "Cara Italia". El hermano de Modigliani, por entonces diputado socialista, telegrafió instrucciones para "enterrarlo como corresponde a un príncipe". Jeanne Hébuterne, pintora veinteañera en ciernes, se suicidó con su hijo nonato el día del funeral de Modigliani saltando al vacío desde la ventana de un quinto piso.
Los primeros cuadros de Modigliani fueron retratos poco distinguidos a la manera impresionista. Tras trasladarse a París en 1907, sus primeros trabajos se vieron influidos por el litógrafo de origen suizo Théophile Alexandre Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec y Pablo Picasso, este último entonces en su periodo "azul". Desde el principio, la principal preocupación de Modigliani fue la figura humana. Tras el limbo artístico (y literal) de Montmartre, cuando su producción se limitó a unos pocos cuadros de corte expresionista sobre la vida callejera, el teatro y el circo, Modigliani irrumpió repentinamente en escena en 1909 con Violonchelista, un lienzo robusto, bien construido y de vivos colores que superó con creces todas las expectativas previas. No había participado en los prolongados debates que tenían lugar todas las noches en el estudio de Picasso, pero había asimilado superficialmente las ideas cubistas desarrolladas por Picasso y Georges Braque. Sobre todo, Modigliani se había visto influido por el arte africano, que era una característica clave del movimiento cubista. Consiguió trazar una fina línea entre el enfoque cubista fríamente analítico y la percepción europea demasiado común del arte africano como una sucesión de muecas faciales exageradas.
Parece que Modigliani siempre se sintió atraído por la escultura como disciplina. El estímulo amistoso que recibió a partir de 1909 de Brancusi intensificó sin duda su interés y reforzó sus intentos de lograr una simplicidad sostenida de líneas y formas. En 1910, entabló amistad con los artistas rusos Alexander Archipenko y Jacques Lipchitz, quienes dejaron constancia del desagrado de Modigliani por el modelado en arcilla (a la que se refería como "barro"), por considerar que degradaba el arte de la escultura. Al igual que Brancusi, Modigliani creía en el trabajo directo, tallando en madera en el caso de dos piezas existentes, y en (arena)piedra en otras, con la excepción de unos pocos bronces que, presumiblemente, fueron modelados en arcilla antes de ser fundidos en bronce. Su escultura estaba influida por las culturas arcaicas y no occidentales -primeros grecorromanos, africanos y jemeres-, así como por las cabezas esculpidas en las columnas que adornaban las fachadas de las catedrales románicas y góticas (Modigliani rara vez esculpía una vista posterior de sus figuras). Hasta 1912 aproximadamente, sus esculturas tienen forma de cilindros altos, normalmente con cabezas alargadas y hendiduras o salientes en relieve poco profundos para indicar la línea del cabello, los rasgos faciales y el cuello. Sólo se apartó de este estilo en contadas ocasiones, sobre todo en un pequeño número de piezas que se cree que fueron esculpidas en 1913, y que se caracterizan por un formato comprimido y cubista y unos rasgos menos definidos y superficiales. Modigliani acabó abandonando la escultura, presumiblemente a causa de su salud y circunstancias generales, y posiblemente debido al hecho de que sus esculturas se vendían incluso por menos dinero que sus pinturas. Durante los años que se dedicó a la escultura, consta que Modigliani sólo produjo treinta lienzos, aunque a partir de 1913 su escultura se reflejó en su pintura.
Tras sus días en Montmartre, la obra de Modigliani se desarrolló tanto en términos cuantitativos como cualitativos, presumiblemente ayudado por la relativa estabilidad de su relación con Jeanne Hébuterne. En los primeros cuadros tras su efímera fase escultórica, volvió brevemente al puntillismo neoimpresionista, seguido de un episodio marcado por el cubismo, que se manifestó sobre todo en retratos de amigos y compañeros artistas que vivían y trabajaban en Montparnasse: Henri Laurens; Juan Gris (1915); Jacques Lipchitz y su esposa; Chaim Soutine; Léopold Sauvage; Paul Guillaume; Max Jacob; Béatrice Hastings con Capello (todos de 1916); Mlle Modigliani (1917); Léon Bakst; Léopold Zborowski; Hijo del portero; Adolescente (1918); Mademoiselle Lunia Czechowska; Madame Zborowska; Retrato de la mujer del artista (1919). Entre sus dibujos existen otros muchos retratos, la mayoría realizados improvisadamente en la calle o en cafés. Estos retratos dibujados con rapidez muestran a menudo una urgencia y una lucidez sorprendentes. Algunos ejemplos son Retrato del pintor gitano Fabiano de Castro; André Salmon (1918); Retrato de la mujer del artista (1919); y Lada, autora; Mario, compositor (1920).
Sean cuales sean sus defectos, Amedeo Modigliani es uno de los mejores pintores de formas femeninas del siglo XX. La mayor parte de sus desnudos pintados se produjeron en 1915-1916 (antes de esa fecha eran predominantemente dibujos), y están tomados de todos los ámbitos de la vida, como un cliente habitual de un café de Montparnasse, o una camarera del comedor social donde comía sus escasas comidas. En todos los casos, dotó a sus modelos de una elegancia casi aristocrática. Esto se ejemplifica en una serie de cuadros (normalmente basados en numerosos dibujos previos): Niña de las flores; Dama rubia; Desnudo dormido (1917); Desnudo rubio; Mujer joven; María (1918); Desnudo rosa; Desnudo recostado; Desnudo en un diván; Mujer con abanico (1919); y Mujer joven con chemise; Desnudo recostado (1920). Modigliani pintaba sus temas en óvalos alargados y elípticos: el oleaje de un pecho, la pronunciada curva de la pelvis, la plenitud del muslo, el rostro simétricamente ovalado y el grácil arabesco del cuerpo. Los rasgos faciales se reducen al mínimo, y los ojos suelen estar vacíos, como los de una estatua. Utilizaba el color como material constructivo, del mismo modo que la piedra en la escultura, yuxtaponiendo rosas apagados, ocres y marrones pálidos a discretos tonos de fondo aportados por la decoración y las prendas de vestir. El efecto global es obtener una imagen plana desprovista de claroscuros, pero que capta la esencia de un tema. Se ha observado a menudo que sus mujeres, con sus cabezas alargadas y sus cuellos largos y gráciles, generalmente inclinados hacia un lado, poseen una belleza melancólica parecida a la de las Madonas de Siena (de las que Modigliani conservaba reproducciones clavadas en la pared de su estudio), lo que explica el sobrenombre de Modigliani de "pintor de las penas". A partir de 1917, la mayoría de sus desnudos, caracterizados por un alargamiento más pronunciado del cuerpo femenino y una paleta más clara, fueron modelados por Jeanne Hébuterne y Luna Czechowska.
Muy pocos artistas han sido objeto de tantas monografías y biografías como Modigliani; la selección adjunta a esta entrada indica sólo algunas de las más importantes. Tal vez se haya dado demasiada importancia a su vida de artiste maudit, a su vida "maldita" aunque pintoresca, más que a la calidad de su obra. Algunos críticos han detectado en él a un artista de gran y persistente curiosidad intelectual; otros destacan que fue un "caballero hasta el final" y subrayan su fragilidad física, ignorando que ésta era un componente integral de su creatividad. Y lo que es más grave, su fama póstuma entre el gran público actúa tanto a su favor como en su contra, como si su popularidad posterior se hubiera convertido en un baremo de su capacidad artística. El manierismo de su estilo hace que un "Modigliani" sea reconocible al instante, pero su éxito al adaptar el cubismo y el arte africano a un lenguaje y una paleta totalmente suyos le sitúa directamente en el corazón del movimiento moderno.
La obra de Amedeo Modigliani ha figurado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas: París en 1908, cuando expuso su Judía y otros tres lienzos; el Salón de los Independientes en 1910; y el Salón de Otoño en 1912, donde expuso ejemplos de su escultura. Su participación póstuma en la Bienal de Venecia de 1922 se consideró en Italia un completo fiasco, lo que llevó al crítico Giovanni Scheiwiller a parafrasear la frase de Charles Baudelaire: "Sabemos que muy pocos nos entenderán, pero eso será suficiente". En 1917-1918, la Galería Berthe Weill organizó una exposición individual a instancias de Zborowski, pero, por orden del entonces jefe de policía, algunos de los sensuales desnudos de Modigliani fueron retirados por supuesta indecencia. El 20 de diciembre de 1918, la Galería Paul Guillaume expuso varios cuadros de Modigliani junto a otros de Matisse, Picasso y Derain.
Todas las demás exposiciones de la obra de Modigliani se han celebrado desde su muerte. Entre ellas, las de la Galería Bernheim-Jeune de París (1922); Galerie Bing (París, 1925 y 1927); Galería Marcel Benhelm (París, 1931); Palais des Beaux-Arts (Bruselas, 1933); Kunsthalle Basel (1934); American-British Art Center (Nueva York, 1944); Galerie de France (París, 1945 y 1949); Gimpels Fils Gallery (Londres, 1947); Cleveland Museum of Art (1951); Museum of Modern Art (Nueva York, 1951); Museo Cantini (Marsella, 1958); Palazzo Reale (Milán, 1958); Galerie Charpentier (París, 1958); Chicago Arts Club (1959); Museo de Arte de Cincinnati (1959); Galería Nacional de Arte Moderno (Roma, 1959); Museo de Bellas Artes de Boston (1961); Perls Galleries (Nueva York, 1963 y 1966); Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto (1968); Museo Jacquemart-André (París, 1970); Museo St-Georges (Lieja, 1980); Centro de Arte de Tokio (1980); Musée de l'Art Moderne de la Ville de Paris (1970; una exposición completa de las esculturas de Modigliani); Colección de Arte de Renania del Norte-Westfalia (Düsseldorf, 1991); Palazzo Grassi (Venecia, 1993-1994); la Royal Academy (Londres, 1993-1994: una exposición de 430 dibujos de la colección de Paul Alexandre, repetida posteriormente en Tokio, Tel Aviv, Montreal y, en 1996, en el Museo de Bellas Artes de Rouen); Modigliani: Ángel de rostro sombrío ( Modigliani: l'ange au visage grave) en el Museo de Luxemburgo (París, 2002); y Gracia lineal: Dibujo y escultura de Amedeo Modigliani, exposición organizada en 2003 por el Museo y Galería de Arte de la Universidad de Pokfulam (Hong Kong).
Museos y galerías
Amberes (Koninklijk Mus. voor Schone Kunsten): Desnudo agazapado
Búfalo (Albright-Knox AG): La sirvienta (c. 1918, óleo sobre lienzo); Dos mujeres
Chicago (AI): Madame Pompadour (1915); Retrato de Jacques Lipchitz y su esposa (1916-1917); Mujer con collar (1917)
Cincinnati (AM): Mujer con collar rojo (pintura); Retrato de Max Jacob (pintura); Desnudo sentado (dibujo); Cariátide (dibujo); Sin título (grabado)
Colonia (Mus. Ludwig): Almaisa la argelina (1917)
Copenhague (Statens Mus. for Kunst): Autorretrato como Pierrot (1915); Alicia (1916)
Detroit: Retrato de mujer
Düsseldorf (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen): Kisling (1915-1916); Retrato de Max Jacob (1916)
Helsinki (Ateneumin Taidemus.): Retrato de Léopold Survage (1917)
Indianápolis (MA): Niño con chaqueta azul (1919)
Londres (Instituto de Arte Courtauld): Desnudo femenino (c. 1916, óleo sobre lienzo)
Londres (Colección Tate): Cabeza (c. 1911-1912, piedra caliza, escultura); El pequeño campesino (c. 1918, óleo sobre lienzo); Retrato de una muchacha (c. 1917, óleo sobre lienzo)
Los Ángeles (Condado MA): Frank Haviland (1914)
Merion (Fundación Barnes): Beatrice Hastings con Capello (1916); Desnudo reclinado (de espaldas) (1917); Joven sentada (1918); Retrato de perfil de Jeanne Hébuterne (1918); Hanka Zborowska (1919); Cipreses y casas (óleo sobre lienzo)
Milán (Gal. d'Arte Moderna): Retrato de Paul Guillaume (1915)
Moscú (MFA Pushkin): Retrato femenino; Retrato de Blaise Cendrars (1919, dibujo)
Nueva York (Museo Metropolitano de Arte): Mujer italiana; Jean Hébuterne en Camicia (1918); Desnudo recostado (1918, óleo sobre lienzo)
Nueva York (MoMA): Cariátide (c. 1913-1914, escultura); Desnudo sentado (1914); Novia y novio (1915); Hanka Zborowska (1917); Mujer apoyada en el codo (1918); Desnudo recostado (Le Grand Nu) (1918-1919); Mario (1919-1920)
Nueva York (Museo Solomon R. Guggenheim): Cabeza (c. 1912, escultura); Desnudo recostado con las manos detrás de la cabeza (1917); Estudiante (1917); Muchacho vestido de azul (1918); Retrato de Jeanne Hébuterne delante de una cómoda (1919); Suéter amarillo (1919)
París (MAMVP): Mujer de ojos azules; Mujer con pendientes: Lunia Czechowska con abanico (1919)
París (MNAM-CCI): Cabeza o Cariátide (1913, escultura); Lolotte (1917); Retrato de Madame Haydn (c. 1917)
París (Mus. de l'Orangerie): Muchacha pelirroja (1915); Antonia (1915); Mujer con cinta de terciopelo (1915); Retrato de Paul Guillaume (1915); Joven aprendiz (1917-1918)
París (Mus. Nacional de Artes y Tradiciones Populares): Retrato de una joven con el pelo largo (1910-1912)
Riehen (Fundación Beyeler): Retrato de Beatrice Hastings (1916)
Roma (Gal. Nazionale d'Arte Moderna): Mujer con collar (Madame Zborowska) (1917)
São Paulo (MA): Diego Rivera (1914-1915); Retrato de Léopold Zborowski (1917); Renée (1917); Retrato de Madame G. Van Muyden (1917)
Troyes (MAM, donación Pierre y Denise Lévy): Cabeza de mujer
Washington DC (NGA): Cabeza de mujer (1910-1911, piedra caliza, escultura); Chaim Soutine (1917, óleo sobre lienzo); Mujer gitana con bebé (1919, óleo sobre lienzo); otros cuadros
Zúrich (Kunsthaus): Criada (1916)
- Creador:Amedeo Modigliani (1884 - 1920, Italiano)
- Año de creación:1916
- Dimensiones:Altura: 67,95 cm (26,75 in)Anchura: 46,36 cm (18,25 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Muy buen estado original.
- Ubicación de la galería:Marlow, GB
- Número de referencia:Vendedor: LFA04521stDibs: LU415316436162
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Colección privada francesa
André Hambourg estudió escultura con Niclausse en la École des Arts Décoratifs de París de 1926 a 1930. Después entró en el estudio de Lucien Simon en la Escuela de Bellas Artes, antes de marcharse a trabajar a los estudios de Montparnasse. En 1931 visitó Normandía y Honfleur. En 1933, Albert Brabo y Jean Launois le propusieron para el premio Villa Abd-el-Tif, y entonces vivió en Argelia y Marruecos durante casi diez años. Llamado a filas en 1939 en Marruecos, fue desmovilizado en 1940. Entre 1942 y 1945, bajo el seudónimo de André Hache, fue reportero y dibujante del periódico del ejército francés, a las órdenes del coronel Raoul Salan. Participó en la liberación de Francia y en la campaña alemana, fue condecorado con la Croix de Guerre y produjo dos obras sobre la campaña, Partido de Berchtesgaden ( Berchtesgaden-Party) y De Argel a Berchtesgaden ( D'Alger à Berchtesgaden), en 1947. A partir de 1946 retomó su carrera de pintor, pintando retratos, desnudos, paisajes, naturalezas muertas y composiciones, pasando mucho tiempo en Normandía. En 1948 se casó con Nicole Rachet, nieta del médico y amigo de Eugène Boudin. A partir de 1961, la Galerie Paul Pétridès le representó en Francia, y la Wally Findlay Gallery le representó en Estados Unidos desde 1962. En esa época instaló un estudio en una granja de Normandía, y en 1972 montó otro estudio en St-Rémy-de-Provence, en medio de un olivar pintado en su día por Van Gogh. Su amplia producción incluye Civilización 37 (1937), Refugiados de St-Dié (1944), Domingo en el Gran Patio (1956), Desayuno (1957), Dormitorio veneciano...
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Colección privada francesa
André Hambourg estudió escultura con Niclausse en la École des Arts Décoratifs de París de 1926 a 1930. Después entró en el estudio de Lucien Simon en la Escuela de Bellas Artes, antes de marcharse a trabajar a los estudios de Montparnasse. En 1931 visitó Normandía y Honfleur. En 1933, Albert Brabo y Jean Launois le propusieron para el premio Villa Abd-el-Tif, y entonces vivió en Argelia y Marruecos durante casi diez años. Llamado a filas en 1939 en Marruecos, fue desmovilizado en 1940. Entre 1942 y 1945, bajo el seudónimo de André Hache, fue reportero y dibujante del periódico del ejército francés, a las órdenes del coronel Raoul Salan. Participó en la liberación de Francia y en la campaña alemana, fue condecorado con la Croix de Guerre y produjo dos obras sobre la campaña, Partido de Berchtesgaden ( Berchtesgaden-Party) y De Argel a Berchtesgaden ( D'Alger à Berchtesgaden), en 1947. A partir de 1946 retomó su carrera de pintor, pintando retratos, desnudos, paisajes, naturalezas muertas y composiciones, pasando mucho tiempo en Normandía. En 1948 se casó con Nicole Rachet, nieta del médico y amigo de Eugène Boudin. A partir de 1961, la Galerie Paul Pétridès le representó en Francia, y la Wally Findlay Gallery le representó en Estados Unidos desde 1962. En esa época instaló un estudio en una granja de Normandía, y en 1972 montó otro estudio en St-Rémy-de-Provence, en medio de un olivar pintado en su día por Van Gogh. Su amplia producción incluye Civilización 37 (1937), Refugiados de St-Dié (1944), Domingo en el Gran Patio (1956), Desayuno (1957), Dormitorio veneciano...
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Papel, Lápiz
Sombrero de Oleta", Exposición de la Asociación de Arte de Carmel, Mujer Artista de California, SFMA
Firmado abajo a la derecha, 'V. Conroy' por Virginia Conroy (estadounidense, 1922-2006) y fechado en 1985.
Expuesto: Carmel Art Association, 1983 (en soporte original).
Esta de las...
Categoría
Década de 1980, Moderno, Dibujos y acuarelas de retratos
Materiales
Papel, Acuarela, Gouache, Grafito
