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Waylande Gregory
Escultura de cerámica de principios del siglo XX de un jugador de polo y un caballo
c. 1930s

Name: Escultura de cerámica de principios del siglo XX de un jugador de polo y un caballo
Brand: Waylande Gregory
Price: 4361.89 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (3 reviews)

Acerca del artículo

Waylande Gregory (estadounidense, 1905-1971) Jugador de polo, c. 1930 Cerámica Firma inscrita en la parte inferior 11 x 8,5 pulgadas Waylande Gregory fue considerado un importante escultor estadounidense durante la década de 1930, aunque trabajaba en cerámica, en lugar del bronce o el mármol más tradicionales. Expuso sus obras de cerámica en lugares tan significativos para la escultura estadounidense como el Whitney Museum of American Art de Nueva York y la venerable Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Filadelfia, y también mostró sus esculturas de cerámica en importantes galerías de Nueva York. Gregory fue el primer ceramista moderno que creó esculturas de cerámica a gran escala, algunas de las cuales medían más de 70 pulgadas de altura. Siguiendo la técnica desarrollada por los antiguos etruscos, cocía sus monumentales esculturas de cerámica una sola vez. Gregory nació en 1905 en Baxter Springs, Kansas, y fue una especie de prodigio. Gregory, que creció en un rancho cerca de una reserva cherokee, empezó a interesarse por la cerámica cuando era niño, durante un entierro de nativos americanos que había presenciado. También tenía inclinaciones musicales. De hecho, su madre había sido concertista de piano y había dado clases a su hijo. A los once años se matriculó como estudiante en la Escuela Normal del Estado de Kansas, donde estudió carpintería y artesanía, incluida la cerámica. El desarrollo temprano de Gregory como escultor se vio moldeado por el estímulo y la instrucción de Lorado Taft, considerado tanto un importante escultor estadounidense como un destacado instructor de escultura estadounidense. De hecho, entre los primeros alumnos de Taft se encontraban escultoras tan importantes como Bessie Potter Vonnoh y Janet Scudder. Sin embargo, Taft y sus alumnos habían trabajado principalmente en bronce o piedra, no en arcilla; y las primeras obras escultóricas de Gregory tampoco eran de cerámica. En 1924, Gregory se trasladó a Chicago, donde llamó la atención de Taft. Gregory fue invitado por Taft a estudiar con él en privado durante 18 meses y a vivir y trabajar con él en sus famosos "Midway Studios". El elegante estudio era un complejo de 13 habitaciones que daban a un patio. Taft pudo ser el responsable de que el joven se interesara por la creación de esculturas a gran escala. Sin embargo, en la década de 1920, la escultura académica de Taft ya no se consideraba progresista. En cambio, Gregory se sintió atraído por las últimas tendencias que aparecían en Estados Unidos y Europa. En 1928 visitó Europa con Taft y otros estudiantes. "Kid Gregory", como le llamaban, pronto fue contratado por Guy Cowan, fundador de la Cowan Pottery de Cleveland (Ohio), para convertirse en el único empleado a tiempo completo de la empresa. De 1928 a 1932, Gregory trabajó como diseñador jefe y escultor en la Cowan Pottery. Al igual que Gregory aprendió de Taft el proceso de creación de esculturas, literalmente aprendió de Cowan la cerámica. Cowan fue uno de los primeros graduados de Alfred, la Escuela de Arcilla y Cerámica de Nueva York. Alfred tuvo uno de los primeros programas de producción de cerámica. Es posible que Cowan conociera la producción de cerámica, pero sus habilidades escultóricas eran limitadas, ya que carecía de formación en escultura. Cowan Pottery se centraría en esculturas de sobremesa o de manto de edición limitada. Dos de las más exitosas fueron la "Bailarina Nautch" de Gregory (fig. 1) y su "Bailarina Burlesca" (fig. 2). Basó ambas esculturas en el baile de Gilda Gray, una chica de Ziegfield Follies. Gilda Gray era de origen polaco y llegó a Estados Unidos de niña. En 1922, se convertiría en una de las estrellas más populares de las Follies. Tras perder su patrimonio en el crack bursátil de 1929, aceptó otros contratos fuera de Nueva York, incluido Cleveland, donde Gregory la vio por primera vez en escena. Permitió que Gregory hiciera bocetos de sus actuaciones desde los bastidores del teatro. Le explicó a Gregory: "Estoy demasiado inquieta para posar". Gray se hizo famosa por su danza nautch, una danza folclórica de las Indias Orientales. Un nautch es un vestido ajustado y entallado que se enroscaba en la parte inferior y actuaba como un aro. Esta escultura no se centra en absoluto en el rostro de Gray, sino que es más bien un retrato de su danza nautch. Es muy curvilínea, en realidad está formada por una serie de arcos que se conectan de la forma más femenina. Gregory creó su "Bailarina Burlesca" más o menos al mismo tiempo que la "Bailarina Nautch". Al igual que con la "Bailarina Nautch", se centró en los movimientos del cuerpo más que en un retrato facial de Gray. Aunque Gregory nunca reveló la identidad de su modelo para "Bailarina de Burlesque", una pista sobre su identidad se revela en el título anterior de la escultura, "Shimmy Dance". La bailarina a la que se atribuyó la creación del baile shimmy fue también Gilda Gray. Según la leyenda del baile, Gray introdujo el shimmy cuando cantaba el "Star Spangled Banner" y olvidó parte de la letra, por lo que, avergonzada, empezó a sacudir los hombros y las caderas, pero no movió las piernas. Este movimiento parece relacionarse con la escultura "Bailarina de Burlesque", en la que repetidas formas triangulares se extienden desde la parte superior del torso y las caderas. Este rápido movimiento sugiere la influencia del Futurismo italiano, así como el movimiento planar de Alexander Archipenko, escultor al que Gregory admiraba mucho. La Cowan Pottery fue víctima de la gran depresión y, en 1932, Gregory cambió su profesión de escultor en la industria cerámica por la de instructor en la Academia Cranbrook de Bloomfield Hills, Michigan. Cranbrook era quizá el lugar más prestigioso para estudiar diseño moderno en América. Entre sus profesores se encontraban el arquitecto Eliel Saarinen y el escultor Carl Milles. Aunque Gregory sólo estuvo en Cranbrook un año y medio, allí creó algunas de sus mejores obras, incluida su "Madonna de Kansas" (fig. 3). Pero, tras llegar a Cranbrook, los Gregory tuvieron que hacer frente a nuevas presiones financieras. Aunque Gregory y su esposa disponían de alojamiento gratuito, todos los demás ingresos debían proceder de la venta de obras de arte y de las matrículas de los estudiantes que él mismo tenía que solicitar. Gregory tenía mucha gente que le ayudaba con los métodos de producción en la Cowan Pottery, pero ahora trabajaba en gran parte solo. Y aunque seguía utilizando moldes, sobre todo en la creación de obras de porcelana, muchas de sus nuevas esculturas importantes serían únicas y esculpidas a mano, como es el caso de la "Madonna de Kansas". La escala de las obras de Gregory se hacía notablemente mayor en Cranbrook que en Cowan. Gregory dejó la superficie de "Kansas Madonna" totalmente sin esmaltar. Aunque algunos podrían objetar el uso de un título religioso para representar a una yegua amamantando a su potro, fue considerada una de las obras de mayor éxito de Gregory. De hecho, tenía toda una página de ilustración en color en un artículo sobre escultura cerámica titulado "El arte con complejo de inferioridad", Revista Fortune, diciembre de 1937. El artículo señala que la escultura era romántica y expresiva y que su precio era de 1.500,00 dólares; la escultura más cara del artículo. Gregory era de Kansas, y la "Virgen de Kansas" debe considerarse un importante documento escultórico del Regionalismo. Gregory y su esposa Yolande se trasladaron a Nueva Jersey en el verano de 1933. Y el artista empezó a construir su nueva casa en las montañas Watchung de Bound Brook (hoy Warren) en 1938. Su enorme horno a medida se construyó probablemente a principios de 1938. Las nuevas esculturas de Gregory fueron las mayores esculturas de cerámica del arte occidental, en los tiempos modernos. Para crear estas obras de virtuosismo cerámico, el artista desarrolló una técnica de "panal", en la que una infraestructura de compartimentos se cubría con una "piel" cerámica. La ciencia y la energía atómica fueron tema de la obra más significativa de Gregory, la "Fuente del Átomo" (fig. 4), en la Exposición Universal de Nueva York de 1939. Esta gran obra incluía doce figuras monumentales de cerámica en la entrada de la feria desde la recién construida entrada del ferrocarril, lo que dio a la obra gran visibilidad y protagonismo. El armazón de la propia fuente era de acero y ladrillos de vidrio. Consistía en un estanque verde azulado de sesenta y cinco pies de diámetro. Encima había dos gradas circulares concéntricas, o terrazas, como las llamaba Gregorio; la primera era más ancha que la segunda. En la primera terraza había ocho "Electrones", formados por cuatro figuras masculinas y cuatro femeninas de terracota, cada una de aproximadamente 48 pulgadas de alto. Se refieren a la capa de valencia del átomo. Encima de ellas, en una terraza más estrecha, estaban las figuras de terracota, mucho más grandes y pesadas, que representaban los cuatro elementos, cada una de unas 78 pulgadas de altura y un peso aproximado de tonelada y media. De los cuatro, "Agua" y "Aire" eran masculinos, mientras que "Tierra" y "Fuego" eran femeninos. Esta terraza representa el núcleo del átomo. En el centro de la fuente, por encima de los "Elementos", había un pozo central formado por dieciséis tubos de cristal desde los que caía agua de nivel en nivel. En la parte superior, una llama de colores ardía constantemente. Las gradas de bloques de vidrio estaban iluminadas desde dentro, y el conjunto creaba un efecto resplandeciente y gorgoteante. Como la feria era temporal, las figuras podían retirarse tras su clausura. Pero el mérito del diseño de la estructura de la fuente corresponde al colaborador Nembhard Culin, responsable también de varias otras estructuras del recinto ferial. Aunque Gregory creó una figura de "Fuego" para la "Fuente del Átomo", también ejecutó una segunda versión, ligeramente más pequeña pero más definida, que expuso en diversos lugares (como Cranbrook, el Museo de Baltimore, etc.) en 1940-1941, durante el segundo año de la feria (fig.5). Con una altura de 61 pulgadas, "Fuego" puede ser una metáfora de la energía sexual, así como de la energía atómica. Gregory afirmó: "El fuego está representado por una figura femenina aquilina que se consume en interminables arabescos de llamas". El retrato también fue un tema importante de la escultura de Gregory. Gregory realizó muchos retratos por encargo, tanto de gente local como de famosos. Creó el retrato de Albert Einstein del natural (fig. 6, hacia 1940) después de que Einstein hubiera visto la "Fuente del átomo" de Gregory. También esculpió a algunas de las principales figuras del espectáculo, incluidas 2 esculturas de Henry Fonda, que se convirtió en amigo personal. Gregory también esculpió una serie de cabezas femeninas idealizadas, tanto en terracota como en porcelana. Entre ellas están "Muchacha con aceituna" (h. 1932) y "Muchacha cretense" (h. 1937); ambas son obras muy reductivas y casi abstractas que recuerdan a la "Mademoiselle Pogany" (1912, Philadelphia Museum of Art) de Constantin Brancusi. Pero quizá una de sus cabezas femeninas más originales sea "Cabeza de niña" (fig. 7, h. 1933), un sensible retrato en terracota vidriada blanca con el pelo cardado y elaboradamente trabajado, que se creó originalmente como una de un par. Gregory también realizó obras escultóricas para la Works Progress Administration. La WPA fue un proyecto de ayuda al trabajo que ayudó mucho a los artistas durante la Gran Depresión. Fundada por el Gobierno Federal en 1935, se calcula que se produjeron unos 2.500 murales. Entre estas obras públicas estaban los emblemáticos murales de Correos. Pero entre los murales pintados también había murales escultóricos en relieve, como el "R.F.D." de Gregory, de 1938, para la Oficina de Correos de Columbus, Kansas. Pero el mayor mural en relieve de Gregory para la WPA fue para los Departamentos de Policía y Bomberos de Washington D.C., titulado: "Democracia en acción" (1941). El mural representa las acciones del Departamento de Policía Metropolitana y del Departamento de Bomberos del Distrito de Columbia. La obra terminada mide aproximadamente 81 pies de largo y ocho de alto y está compuesta por 518 baldosas de terracota vidriada, de 14 pulgadas y de colores. El modelo de Gregory para "Democracia en acción", también esculpido en terracota cocida, estaba compuesto por 12 piezas de azulejos. El azulejo en relieve más grande representa la escena más significativa y controvertida (fig. 8). Presenta a dos policías en un violento enfrentamiento con dos varones afroamericanos. El mensaje que representa la policía representada en el mural parece algo confuso; y, podría tomarse como representación de la brutalidad policial. Sin embargo, este tema mira hacia el Movimiento por los Derechos Civiles. A Gregory Steele le encantaba la publicidad y probablemente conocía el controvertido cuadro del pintor realista social Philip Evergood, "American Tragedy" (Tragedia americana), de 1937, que representa una lucha entre piqueteros y policías en una acería de Gary Indiana. Además de crear esculturas de cerámica para destacados lugares de exposición, como el Museo Whitney y la Academia de Pensilvania, Gregory exponía con frecuencia en los Nacionales de Cerámica. Se trataba de exposiciones anuales patrocinadas por el Museo Everson de Siracusa, Nueva York, que viajaban a museos de Estados Unidos y Europa. Estas exposiciones ayudaron a Gregory a mantener su destacada posición dentro de la comunidad cerámica estadounidense. Gregory participó en los Nacionales de Cerámica de 1933 a 1946; y, formó parte del jurado de los premios de 1938, 1940, 1941, 1942 y 1946. La escena de las galerías de Nueva York prosperó en los años anteriores a la guerra, incluso durante la Depresión. El principal marchante de Gregory en Nueva York fueron las Boyer Galleries, aunque también expuso en otras galerías neoyorquinas, como la Grand Central Gallery y la Arden Gallery. A mediados de la década de 1940, Gregory había dejado de crear sus esculturas monumentales de cerámica. La razón por la que se detuvo no está totalmente clara. Pero en 1948, las Galerías Boyer le dieron de baja, al parecer porque sus esculturas, muy cotizadas, no se vendían y, en consecuencia, varias de sus esculturas monumentales permanecieron en su casa y en su estudio. Pero la innovación de Gregory no terminó con la creación de sus monumentales esculturas de cerámica. Durante las décadas de 1940 y 1950, Gregory produjo esculturas y vasijas de producción decoradas con gran viveza. Se expusieron en las principales tiendas americanas, como Tiffany's, Nieman Marcus y Gump's. Aunque se vio envuelto en un escándalo en la década de 1960 (el asesinato de una benefactora a manos de su celoso marido), siguió trabajando hasta su muerte en 1971. Gregory creó una obra de escultura cerámica que supuso una importante contribución tanto a la escultura como a la cerámica estadounidenses. Posteriormente, la escultura cerámica seguiría evolucionando en las décadas siguientes a través de Peter Voulkos, Robert Arneson y Viola Frey. Pero, al analizar estas obras posteriores, muchos críticos y coleccionistas parecieron olvidar el logro anterior de Gregory.

Creador:

Waylande Gregory

Año de creación:

c. 1930s

Dimensiones:

Altura: 27,94 cm (11 in)Anchura: 21,59 cm (8,5 in)

Medio:

Cerámico

Época:

1930-1939

Estado:

Ubicación de la galería:

Beachwood, OH

Materiales

Porcelana, Gres

Kristen Newell
Tal vez ella no sea un tipo de chica heterosexual, Cabeza de cerámica jaspeada, Siglo XXI, 2022

2500 US$

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