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1 de 4

Christian Houge
`Shibari 1`, Tokio -de la serie `Okurimono` color Japón cuerda desnuda estudio
2018

Name: `Shibari 1`, Tokio -de la serie `Okurimono` color Japón cuerda desnuda estudio
Brand: Christian Houge

1885,80 US$Precio de lista

Acerca del artículo

Okurimono Impresión pigmentada Sobre el trabajo : Shibari I es una obra del fotógrafo contemporáneo Christian Houge, de la serie Okurimono. En esta serie, Houge ha explorado, a través de cinco viajes a Japón (Tokio, Osaka y Kioto), la subcultura de otro mundo japonesa y su perfección ritualista. En este documental artístico personal se ha adentrado en temas delicados como la identidad personal, la sexualidad, la añoranza y la disforia de género. En esta serie en concreto, utiliza la puesta en escena como método para crear una historia dentro de otra historia. Las asociaciones de espectadores son importantes en el cumplimiento de este trabajo y la ambigüedad desempeña un papel importante. Las imágenes de la serie Okurimono están disponibles en 3 formatos diferentes : Imágenes de la serie Okurimono está disponible en 3 formatos diferentes : * 50 x 75 cm : edición de 10 + (+2ap) * 80 x 120 cm : edición de 7 + (+2ap) * 113 x 170 cm : edición de 7 + (+2ap) Cada copia está numerada y firmada Se enviará más trabajo a partir de la solicitud de arte. cristiano en soulfood no En esta serie, Houge ha explorado, a través de cinco viajes a Japón (Tokio, Osaka y Kioto), la subcultura de otro mundo japonesa y su perfección ritualista. En este documental artístico personal se ha adentrado en temas delicados como la identidad personal, la sexualidad, la añoranza y la disforia de género. En esta serie en concreto, utiliza la puesta en escena como método para crear una historia dentro de otra historia. Las asociaciones de los espectadores son importantes en el cumplimiento de este trabajo y la ambigüedad desempeña un Okurimono (que en japonés significa tanto "regalo" como "lo que está en medio") es una palabra que une este amplio proyecto desarrollado a lo largo de cinco viajes a Japón entre 2007 y 2018. La serie explora la búsqueda personal de la identidad, a veces con una oscuridad subyacente, ya que Houge tuvo la oportunidad de introducirse en la subcultura de Tokio. Al explorar este tema, Houge se ha aventurado en asuntos delicados como la sexualidad, el anhelo y la disforia de género. En esta serie en concreto, utiliza la puesta en escena como método para crear una historia dentro de otra historia. El artista desea interpelar al espectador y provocar una reflexión sobre temas que a menudo se consideran tabúes en nuestras sociedades contemporáneas. Las propias asociaciones del espectador son importantes para apreciar esta obra en la que la ambigüedad desempeña un papel importante. El proyecto comenzó en el barrio de Harajuku de Tokio, conocido como centro de la cultura juvenil japonesa y donde Houge encontró algunos de sus primeros motivos: chicas adolescentes que se vestían con trajes postvictorianos o disfraces de "cosplay" para identificarse con un personaje de sus cómics favoritos. Aquí, el deseo de expresar la propia singularidad es central y el fotógrafo explora la tensión entre la identidad personal y la estética compartida por todos (o al menos por el mismo grupo de jóvenes). En muchas de sus fotografías, cuidadosamente escenificadas, los modelos de Houge van enmascarados, como un eco de las muchas máscaras sociales que llevamos en nuestra vida cotidiana. En nuestra sociedad de la información posmoderna, vaciada de asombro, estos enigmáticos personajes enmascarados evocan también el mundo de los chamanes y los rituales paganos, inyectando así una sensación de misterio y espiritualidad que mucha gente anhela. El simbolismo y las numerosas referencias al ritual y a la identidad en una sociedad reprimida, pueden crear a veces una sensación de inquietud entre los espectadores. El proyecto Okurimono también explora el tema de la identidad y la sexualidad en la disforia de género con los nyūhāfu japoneses (las "nuevas mitades" transexuales). Aquí, la búsqueda de la identidad coincide con una búsqueda de la feminidad y de la imagen corporal que da lugar a complejas transformaciones físicas. Los espectadores pueden mirar estos retratos sin tener ni idea de que las modelos son nyūhāfu. Sin embargo, las fotografías están escenificadas de modo que los espectadores se colocan en un desconcertante papel de voyeur mientras contemplan un mundo que, de otro modo, estaría cerrado. El shibari (el arte de atar), que tiene su origen en el periodo Edo (1600), es otro territorio explorado por Houge en su serie Okurimono. Sus impactantes fotografías de modelos femeninas atadas con una cuerda roja sobre un fondo blanco nos adentran en este poderoso viaje hacia la vulnerabilidad y la entrega, el poder y la libertad. A través de la tradición, el simbolismo y la tecnología, Okurimono también explora los símbolos enormemente potentes que ayudan a definir partes de la cultura japonesa y la identidad nacional, entre lo antiguo y lo nuevo. Como dijo el historiador del arte Erling Bugge "Christian Houge nos guía hacia un misterio. Reside entre las formas ritualizadas del tradicional y retirado jardín Zen de Kioto y los espacios igualmente ritualizados del futurista y urbano Tokio. Para un occidental, Japón puede resultar familiar, ya que lo que se nos presenta parece un espectáculo futurista basado de algún modo en la imaginación occidental. Sin embargo, este juicio es demasiado fácil. En las fotografías de Houge, la sensación de uniformidad se aleja y nos invade una sensación de extrañeza muy diferente. De hecho, lo que esta serie registra es un notable lugar de alteridad en el orden global actual, una diferencia radical en medio de lo familiar". Las imágenes de la serie Okurimono comparten una cualidad fantasmal, de otro mundo. En la realidad y el sueño, el ritual y el juego se funden mientras se disuelven los límites entre lo conocido y lo desconocido. Christian Houge - Ahora - Okurimono Christian Houge nos guía hacia un misterio. Reside entre las formas ritualizadas del tradicional y retirado jardín Zen de Kioto y los espacios igualmente ritualizados del futurista y urbano Tokio. Para un occidental, Japón puede resultar familiar, ya que lo que se nos presenta parece un espectáculo futurista basado de algún modo en la imaginación occidental. Sin embargo, este juicio es demasiado fácil. En las fotografías de Houge, la sensación de uniformidad se aleja y nos invade una sensación de extrañeza muy diferente. De hecho, lo que esta serie registra es un notable lugar de alteridad en el orden global actual, una diferencia radical en medio de lo familiar. Esto se lleva al límite en el país de las maravillas tecnológicas y virtuales de Akihabara, en Tokio, donde una tienda tras otra comercian con productos electrónicos y juegos de ordenador, mientras en las calles se representa un extraño juego de disfraces, el "cosplay". Un tipo similar de simulación se representa en el barrio de Harajuku, donde Houge encontró algunos de sus motivos. Aquí no hay autenticidad, ni "esencia" o "realidad" occidentales; en su lugar, lo virtual conquista el cuerpo carnal en un juego depurado de superficie, imagen e hiperrealismo. Esto es exótico. Todo ello mientras somos conscientes de estas nociones como puntos culminantes de una idea occidental de lo posmoderno. Pero en este sentido Japón siempre ha sido "posmoderno". Siempre ha integrado la cultura y la tecnología más refinadas del exterior, al tiempo que conservaba de algún modo una identidad propia. Entonces, ¿cuál sería esta identidad? Houge adopta el punto de vista del ritual y el juego. De hecho, la cultura japonesa parece basarse únicamente en el ritual, en los negocios y en el sexo, en su relación con la naturaleza y en la religión. Esta obra trasciende por completo la noción de autenticidad, a diferencia de Occidente, que se ve perseguido por el "fantasma" del origen y los comienzos. En Japón, "ahora" significaría precisamente eso; es un "no mirar atrás", sino un flujo de intensidades integradas en el juego y el ritual del siempre presente, okurimono. Aquí no existe la amenaza de ser devorado por la cultura y la tecnología occidentales, ya que, como en la práctica del Zen, el ritual lo supervisa todo y no tiene arrastre histórico. Japón se vuelve ingrávido, disparado en órbita fuera de la materia de la propia Tierra. ¿Actuar como la niña victoriana de Lewis Caroll está impulsado por un sentimiento de nostalgia? Creo que no. Es un esfuerzo por alcanzar un momento de presencia perfeccionada, en diálogo con la máquina óptica de Houge. Es el momento del Ahora. La niña, el jardín zen y la imagen comparten una perfección modificada por pequeñas incertidumbres, imperfecciones casuales que se convierten en puntos de entrada un tanto oblicuos para nosotros: un pañuelo desechado o formas y reflejos aparentemente anodinos en el juego prismático de las superficies. Hay una cualidad fantasmal, de otro mundo, en estas imágenes, incluso en el fugaz cerezo en flor y el juego de sombras sobre un minimalismo concreto. La luz doblemente expuesta o reflejada en el objetivo nos recuerda los inciertos comienzos de la historia de la fotografía, con su extendida creencia de que la cámara era capaz de percibir más cosas que el ojo desnudo, como espíritus y fantasmas. En las imágenes de Houge hay diferentes espectros, formas esqueléticas y naturales por un lado, la máquina y lo virtual por otro. Aquí, como en alguna escena de la película Blade Runner, hay una extraña confusión y mezcla entre lo humano y lo no humano. Tal vez la búsqueda de un momento perfecto en el flujo perpetuo de las cosas sea un anhelo romántico o melancólico de totalidad trascendente, un impulso que se aprovecha en una rigurosa atención al detalle visual. Esta disciplina compulsiva puede parecer absurda a cualquier observador occidental, mientras que el propio anhelo forma un terreno común y, en última instancia, será la base de nuestro encuentro. Erling Bugge Bio: Christian Houge (nacido en Oslo en 1972) Residente en Oslo (Noruega), llevo más de veinte años haciendo fotografías y se me siguen abriendo nuevas perspectivas. Al explorar la relación, y el conflicto, entre Naturaleza y cultura, comprendo mejor la condición humana. Me interesan las consecuencias de la progresión humana y cómo la ciencia es a menudo el resultado de nuestra conquista de la Naturaleza, tanto en la Tierra como fuera de ella. El ego del hombre, la sociedad de consumo, los últimos vestigios de Naturaleza pura y la identidad son elementos recurrentes en mi obra. A menudo yuxtapongo la estética visual con una inquietud subyacente. Esto a menudo emana una disonancia cognitiva en el espectador para invitar a verdades más profundas y referencias personales. Observar nuestras acciones y nuestro lugar en el entorno, del que tanto dependemos, es un tema recurrente en toda mi exploración y puedo utilizar desde cámaras digitales hasta cámaras analógicas panorámicas y de gran formato para proyectos específicos. He expuesto extensamente en galerías y museos de mi país natal, Noruega, así como en Estados Unidos, Inglaterra, Francia y China. La serie "La muerte de una montaña" (2016-2021) está nominada para el Premio Leica Oskar Barnack 2021, además de recibir una beca artística del Consejo Noruego de las Artes. Más recientemente, mi serie `Residencia de la Impermanencia` 2017-2019 se ha expuesto ya en cinco museos y varias galerías (incluida una exposición individual en Fotografiska, Estocolmo (2019), y Les Recontres d`Arles, Haugar Artmuseum, Preus Muaeum of Photography y 2019 (Galerie Omnius, Arles). En 2021, esta serie recibió diez nominaciones al Premio Prix Pictet con el tema FUEGO. `Residencia de la Impermanencia` se expone actualmente en el UCR: California Museum of Photography de Los Ángeles con la exposición `Facing Fire,` Art, Wildfire and The End of Nature in the New West. Esta exposición explora el agravamiento de los incendios forestales debido al cambio climático. En 2005, mi serie `Arctic Technology`, fue preseleccionada para el Premio BMW de Paris Photo (Scout Gallery, Londres). En 2015, mi serie "Paraíso perdido" (que contiene tres de mis principales series medioambientales) recorrió tres grandes museos de China. Mis otros trabajos medioambientales han sido nominados dos veces para el premio anual Prix Pictet, con mis series `Barentsburg` y `Shadow Within`, tanto por los temas de la Tierra como del Poder. En 2005, mi serie `Arctic Technology` fue preseleccionada para el Premio BMW de Paris photo (a través de Scout Gallery, Londres). Mi obra se ha expuesto en numerosos museos, incluido un simposio en el Museo Johnson de Nueva York, se incluyó en exposiciones itinerantes con WHATCOM (Museo de Washington) con la exposición `Vanishing Ice`, así como en una gira museística de dos años en China sobre temas medioambientales con el Centro de Arte Fotográfico Tres Sombras de Pekín y la Embajada de Noruega. Entre las publicaciones/libros se incluyen "Vanishing Ice" y "Altered Landscape" (Museo de Arte de Nevada), así como obras adquiridas para su colección en el Centro de Arte y Medio Ambiente. Exposiciones seleccionadas CV: Christian Houge (nacido en Oslo en 1972) - Curriculum Vitae 2021 Hasta donde alcanza mi vista - Exposición Expedición Rev Ocean, Bomuldsfabrikken Kunsthall, Arendal `Facing Fire`, Colaborativo, UCR ARTS:Museo de Fotografía de California Continuación `Muerte de una montaña`/ In;Human Nature`, Galería Buer, Oslo 2020 `Facing Fire`, Colaborativo, UCR ARTS:Museo de Fotografía de California 2019 `Metafísica`, `Residencia de la Impermanencia`, en colaboración, Haugar Kunstmuseum, Vestfold `Residencia de la Impermanencia`, Museo Fotografiska, Estocolmo. Solo `Helt Dyrisk` Residencia de la Impermanencia`, en colaboración, Museo Preus, Horten `Residencia de la Impermanencia`, Galleri Fineart, Oslo. Solo 2017 Sombra interior/Rituales` Gulden Kunstverk, Drammen. Solo Comisión, restaurante MAAEMO. En;la Naturaleza Humana `Espejo,Espejo` Galería Hosfelt, San.Fran. Colaboración con Ed Ruscha, Adam Fuss y Liliana Porter 2016 In;Human Nature", Galería TM51, Oslo. Solo Fotofever/ParisPhoto, Louvre, París Cornette de Saint Cyr, Subasta, París 2015 Centro de Arte Fotográfico Tres Sombras, Pekín, China. Paraíso perdido". `Tecnología Ártica/Barentsburg`/ Sombra Interior. Solo Fotofever (ParisPhoto), Galería de Arte Artistics, París. Colabora Museo de Arte How, Wenzhou, China. Paraíso perdido Tecnología Ártica/Barentsburg/Sombra Interior. Solo Redtory, Guangzhou, China. Paraíso perdido Tecnología Ártica/Barentsburg/Sombra Interior. Solo 2014 Galería Fineart, Oslo `Shadow Within` 2010-2013 / `Darkness Burns Bright` 2013/2014. Solo Arte Más Allá de la Tierra - (los artistas contemporáneos y el medio ambiente) Museo de Arte Johnson, Nueva York. Sombra Interior. Colabora (incl. Olafur Eliasson, Edward Burtynsky, Mathew Brandt, Yun-Fei Ji entre otros) Museo de Arte de El Paso, Texas. Tecnología Ártica". Colabora Museo Glenbow, Alberta. Tecnología Ártica". Colabora LIFF (Festival Internacional de Fotografía de Lofoten) `Sombra Interior` c/hablar. Solo 2013 Nominada al Premio Prix Pictet/ `Sombra interior`. Galería Hosfelt, San.Fran. EEUU. Sombra interior. Solo Acompañado por Call of the Wild`( Joseph Beuys, Ed Ruscha, Patricia Piccinini y Alan Rath) Carnegie, Oslo, serie "Tecnología del Ártico". Comisión. Gira `Vanishing Ice`, EE.UU./Canadá, Museo Whatcom 2013-2015. Publicación `Vanishing Ice`, Paisajes alpinos y polares en el arte, 1775-2012 La autora: Barbara Matilsky. Paisajes alterados: Fotografías de un entorno cambiante (Impacto de la actividad humana en los paisajes naturales) por Ann M. Wolfe. Publicaciones Rizzoli. 2012 Hielo que desaparece, Whatcom (Museo de Washington), EE.UU., 2012. Tecnología Ártica". Colabora Oratoria, Residencia de Embajadores, Londres. La sombra interior". 2010 Akershus Kunstsenter, Oslo. Tecnología Ártica". Colabora A todo color", Galería Hosfelt, Nueva York. Tecnología Ártica/ Barentsburg. Colabora 2009 Nominado al Premio Prix Pictet con la serie `Barentsburg`. Galería Hosfelt, San. Fran, `Tecnología ártica/Barentsburg`. Solo AntArctica, Haugar Kunstmuseum. Colaborativo `El invierno más frío`, Galería Hosfelt, San. Fran. Colabora 2008 `Tecnología ártica` Galería Hosfelt, Nueva York, EE.UU., Solo Aeropuerto de Gardemoen, 10 aniversario Oslo. Público(Tecnología Ártica) Estación Oslo Sentral/Rom for Kunst, Oslo. Público(Tecnología Ártica) 2007 ArtBasel/Galería Scout, Londres, Miami. Colabora Feria PhotoLondon, Galería Zebra de Londres. Colabora Exposición anual de Becas Kunstnernes Hus, Oslo. Colabora Exposición anual de becas Fotogalleriet, Oslo. Colabora Ministerio de Defensa H.Q. Oslo. Comisión(Tecnología Ártica) 2006 Sotheby's Londres. Subasta colaborativa Zebra One, Londres. Colaborativo Exposición anual de Becas, Oslo. Colabora Ministerio de Defensa H.Q. `Tecnología Ártica. Oslo. Comisión 2005 Galería Scout, Londres. Tecnología ártica", Solo Premios BMW, París Foto. Tecnología Ártica. Colabora Paris Photo, Louvre, París, Scout Gallery (Londres). Colabora Tecnología Ártica/ Barentsburg Feria PhotoLondon (Scout Gallery, Londres). Colabora 2003 Exposición anual de becas, Kunstnerenes Hus, Oslo. Colabora Økokrim, Oslo, Comisión. Público Eiendommspar, Oslo. Comisión. Público 2002 Exposición de becas de otoño, Kunstnernes hus, Oslo. Colabora

Creador:
Christian Houge (1972, Noruega)
Año de creación:
2018
Dimensiones:
Altura: 75 cm (29,53 in)Anchura: 50 cm (19,69 in)
Más ediciones y tamaños:
113 x 170 cm. Edition 7Precio: 9429 US$
Medio:
Pigmento digital
Época:
2010-
Estado:
Ubicación de la galería:
Oslo, NO
Número de referencia:
1stDibs: LU160028668892

2750 US$

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