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Brice MardenImpresión del estudio de Brice Marden (firmada a mano por Brice Marden), foto de Nan Goldin1996
1996
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Acerca del artículo
Estudio de Brice Marden
Póster litografía offset (firmado a mano por Brice Marden en 2015)
Este grabado se publicó con motivo de la exposición de Brice Marden de 1996 en la Galería Matthew Marks de Chelsea, Nueva York. La imagen se basa en la fotografía de Nan Goldin de 1995 de Marden trabajando en su estudio. El grabado fue firmado por Brice Marden para el propietario actual.
¡Una pieza de coleccionista cuando está firmada a mano!
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Sobre Brice Marden:
En última instancia, utilizo el cuadro como caja de resonancia del espíritu. . . . Puedes estar pintando y entrar en un lugar donde el pensamiento se detiene, donde puedes simplemente ser y simplemente sale. . . . Lo presento como una situación abierta y no como una situación cerrada.
-Brice Marden
Brice Marden (1938-2023) refinó y amplió continuamente las tradiciones de la abstracción lírica. Experimentando con reglas, límites y procesos autoimpuestos, e inspirándose en sus extensos viajes, Marden aunó las formulaciones diagramáticas del Minimalismo, la inmediatez del Expresionismo Abstracto y el gesto intuitivo de la caligrafía en su exploración del gesto, la línea y el color.
Nacido en Bronxville, Nueva York, Marden obtuvo un máster en Bellas Artes en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale, donde tuvo como profesores a los pintores Alex Katz y Jon Schueler. Tras graduarse, trabajó como vigilante en el Museo Judío de Nueva York. Allí, durante una retrospectiva de Jasper Johns en 1964, Marden estudió exhaustivamente las primeras obras de Johns y las consideró en relación con los maestros barrocos que admiraba desde hacía tiempo, como Francisco de Zurbarán, Francisco Goya y Diego Velázquez. Las pinturas de Marden de la década de 1960 incluyen sutiles y brillantes monocromos en tonos grises, a veces ensamblados en obras de varios paneles, de forma similar a las pinturas negras y Pinturas Blancas de Robert Rauschenberg, que contrató a Marden como ayudante de estudio en 1966.
Un viaje a Grecia a principios de la década de 1970 llevó a Marden a crear los cuadros Hydra (1972), que captan los tonos turquesa del Mediterráneo, y Thira (1979-80), una pintura compuesta por dieciocho paneles interconectados inspirada en las sombras y la geometría de los templos antiguos. Para realzar el efecto de cada color, plano y pincelada, Marden desarrolló el proceso único de añadir cera de abeja y trementina a la pintura al óleo y aplicar la mezcla en muchas capas finas. Marden empleó esta técnica para las pinturas del Grupo Grove (1972-76) -expuestas en la galería Gagosian de la avenida Madison de Nueva York en 1991, junto con obras relacionadas- y las pinturas Rojo Amarillo Azul (1973-74) -cinco permutaciones del trío primario-, que se unieron por primera vez desde su realización en Gagosian, 980 de la avenida Madison de Nueva York, en 2013.
En la década de 1980, Marden empezó a incorporar líneas orgánicas y entrecruzadas, creando patrones rítmicos sobre campos de color. Explorando estas líneas sinuosas, experimentó con el espacio en blanco, el borrado y las referencias al mundo natural. Buscaba crear una experiencia mística mediante la creación de espacios abstractos evasivos. A medida que sus numerosos temas y técnicas se han ido superponiendo, Marden los ha reunido en obras cohesionadas, a menudo de varias partes, que él ha descrito como sus "pinturas sumativas". Entre ellas se encuentra El jardín propicio de la imagen plana, tercera versión (2000-06), conservada en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde se le dedicó su primera retrospectiva completa en 2006.
En sus últimos años, Marden continuó explorando las cualidades del monocromo. Este compromiso con los colores apagados informó sus dibujos caligráficos y obras sobre lienzo, como las pinturas Nevis Stele (2007-15), inspiradas en tallas de piedra chinas de finales del siglo VIII. En 2017 dirigió su mirada a las posibilidades expansivas de la terre verte (tierra verde), un pigmento arcilloso de silicato de hierro, que utilizó por primera vez en el Grupo Grove. Estas pinturas incorporan muchas marcas diferentes de terre verte, cada una de ellas una variación de la indefinible tonalidad. Marden diluía su pintura de secado lento y la aplicaba gradualmente sobre el lienzo en muchas capas sucesivas, dejando un residuo visible del proceso pictórico en el borde inferior de cada lienzo.
Cortesía de la Galería Gagosian
Sobre Nan Goldin:
La cámara forma parte de mi vida cotidiana tanto como hablar, comer o practicar sexo.
-Nan Goldin
La obra de Nan Goldin, que surge de la propia vida y relaciones de la artista y se incluye a sí misma como sujeto, ha transformado el papel de la fotografía en el arte contemporáneo. Sus fotografías y obras de imagen en movimiento abordan temas esenciales como la identidad, el amor, la sexualidad, la adicción y la mortalidad. Uniendo arte y activismo, Goldin se ha enfrentado a la epidemia de VIH/sida desde los años 80 y hoy llama la atención internacional sobre la crisis de las sobredosis.
Nacido en Washington DC en 1953, Goldin creció en las afueras de Boston. Se marchó de casa a los catorce años, y a los dieciséis se matriculó en la Escuela Comunitaria Satya de Lincoln, Massachusetts, donde adquirió su primera cámara. Las primeras fotografías en blanco y negro de Goldin, que transmiten la belleza, vulnerabilidad y alegría de sus amigos de la comunidad transexual de Boston, se mostraron inicialmente en su primera exposición individual en 1973 en Project, Inc., Cambridge, Massachusetts. A partir de 1974 asistió a la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, donde empezó a trabajar principalmente con copias Cibachrome y diapositivas de 35 mm, haciendo fotografías en color saturado.
Tras trasladarse a Nueva York en 1978, Goldin empezó a documentar a los miembros de su familia elegida en un entorno de clubes de la Nueva Ola, cine de la No Ola y cultura gay posterior a Stonewall. Capturando momentos de jolgorio y amistad, intimidad y pérdida, tituló esta obra La balada de la dependencia sexual, por una canción de La ópera de tres centavos (1928) de Kurt Weill y Bertolt Brecht. En constante evolución, se convirtió en una presentación multimedia de casi setecientas diapositivas acompañadas de una ecléctica banda sonora. Proyectada inicialmente en clubes nocturnos, se incluyó en el Times Square Show de 1980, en la Bienal del Whitney de 1985 y en innumerables exposiciones de museos de todo el mundo. Fue publicado por Aperture en 1986 como el primero de los muchos libros de Goldin y recientemente se ha reeditado por vigésimo primera vez.
Goldin documenta sin pestañear las luchas y el valor que definieron la respuesta de su comunidad a la devastadora epidemia de SIDA. En 1989, organizó Testigos: Against Our Vanishing en el Artists Space de Nueva York, la primera exposición que presentaba la obra de artistas que vivían o habían muerto de SIDA, o cuyo arte respondía a la enfermedad, entre ellos David Armstrong, Peter Hujar, Greer Lankton y David Wojnarowicz.
En los últimos años, Goldin se ha centrado en la luz natural, el cielo y el paisaje en obras que exploran la espiritualidad y la mortalidad. Sus retratos incluyen fotografías de individuos y parejas, niños y familias tomadas durante periodos prolongados; otras series retratan habitaciones vacías con rastros palpables de presencia humana. Presentadas como imágenes proyectadas, cuadrículas a gran escala de múltiples impresiones, impresiones individuales y libros, las fotografías de Goldin funcionan en secuencia narrativa con relaciones temáticas entre sí.
I'll Be Your Mirror (Seré tu espejo), una retrospectiva de la obra de Goldin a mitad de su carrera, fue organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York en 1996, y viajó por toda Europa. En colaboración con Edmund Coulthard, Goldin realizó en 1996 la película documental I'll Be Your Mirror (Seré tu espejo), que ofrece una exploración autobiográfica de su obra y entrevistas con sus amigos íntimos y sujetos. En 2001 le siguió la retrospectiva Le Feu Follet, que se inauguró en el Centro Pompidou de París y viajó por todo el mundo.
En 2010, el Museo del Louvre de París le encargó Scopophilia, dándole a Goldin acceso para fotografiar su colección, que emparejó con fotografías de toda su carrera para explorar la fluidez del género y la constancia del deseo. Una importante proyección de diapositivas reciente, Memoria perdida (2019-21), con música de la compositora Mica Levi y música adicional de CJ Calderwood y Soundwalk Collective, relata una narración inquietante y emotiva compuesta por fragmentos extraídos de su archivo de miles de diapositivas.
En 2017, Goldin fundó P.A.I.N. (Prescription Addiction Intervention Now) en respuesta a la crisis de las sobredosis. El grupo pone en escena acciones públicas directas para responsabilizar a la Gran Farma y denunciar la complicidad de las instituciones que aceptan dicha financiación. Estas protestas han provocado la retirada del nombre Sackler del British Museum, Solomon R. Guggenheim Museum, Musée du Louvre, Metropolitan Museum of Art, Serpentine Galleries, Tate y otros museos y universidades. P.A.I.N. promueve tratamientos que salvan vidas para las personas que consumen drogas y aboga por una política pública de reducción de daños.
Esto no acabará bien, una retrospectiva centrada en las presentaciones de diapositivas y las videoinstalaciones de Goldin, fue organizada por el Moderna Museet de Estocolmo en 2022 y viajará al Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Neue Nationalgalerie de Berlín y el Pirelli HangarBicocca de Milán, antes de llegar a Estados Unidos. Toda la belleza y el derramamiento de sangre (2022), película dirigida por Laura Poitras en la que colaboró Goldin, entrelaza relatos de la vida, la obra y el activismo de la artista. Fue galardonada con el León de Oro en la 79ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia y con el premio al Mejor Documental en la 38ª edición de los Independent Spirit Awards, y ganó los premios de la asociación de críticos de cine al mejor documental en Nueva York, Londres, Los Ángeles y Toronto. La película fue nominada al Mejor Largometraje Documental en los Premios BAFTA y en la 95ª edición de los Premios de la Academia.
Cortesía de la Galería Gagosian
- Creador:Brice Marden (1938, Americana)
- Año de creación:1996
- Dimensiones:Altura: 26,67 cm (10,5 in)Anchura: 43,18 cm (17 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745214019762
Brice Marden
El aclamado artista estadounidense Brice Marden trabajó durante décadas en abstracto modo, creando exuberantes pinturas monocromáticas de paneles múltiples y cuadernos llenos de hipnotizantes dibujos que están impregnados del lirismo de la caligrafía. Se le consideraba un maestro del minimalismo .
"En última instancia, utilizo el cuadro como caja de resonancia del espíritu", dijo Marden en una ocasión. "Puedes estar pintando y entrar en un lugar donde el pensamiento se detiene, donde puedes simplemente ser y simplemente sale".
Marden se licenció en Bellas Artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Boston en 1961 y en Bellas Artes en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1963. Después, el nativo de Bronxville, Nueva York, se trasladó de nuevo a la ciudad de Nueva York. Allí conoció la obra de Jasper Johns mientras trabajaba como vigilante en el Museo Judío y más tarde el arte de Robert Rauschenbergcuando se convirtió en ayudante de estudio de Rauschenberg.
Aparte de estos artistas emblemáticos y del movimiento Expresionista Abstracto , las inspiraciones de Marden fueron numerosas y de amplio alcance: viajes a las islas de Hydra en Grecia a partir de principios de la década de 1970 (mantuvo una casa allí), maestros barrocos como Francisco Goya y tallas de piedra chinas de finales del siglo VIII. Cada una de estas influencias marcó un hito en la carrera de Marden, ya creara una venerada serie de cuadros o incorporara una nueva técnica o enfoque a una práctica que, por lo demás, llevaba años evolucionando.
Marden también es conocido por haber experimentado con las herramientas que utilizaba para pintar sus redes de líneas coloridas y rítmicas. A veces sustituía los pinceles por palos, mojando sus extremos en tinta y haciendo arte que hace referencia a la caligrafía china. En sus comienzos, Marden también era conocido por pintar con espátulas de cocina. Su dedicación al gesto y a la línea estaba en el centro de su práctica.
La obra de Marden se encuentra en las colecciones de la Tate Britain, el Art Institute of Chicago, la National Gallery of Art de Washington, D.C., y otras instituciones.
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