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Keith Sonnier1981 American Post Minimalista Arte Abstracto Litografía Serie Neón Keith Sonnier1981
1981
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Acerca del artículo
Keith Sonnier, estadounidense (1941-2020)
litografía
De la serie Neon
hacia 1980-1981
Lleva las marcas de agua de Waterstreet Press y el sello ciego de papel Arches en la esquina inferior derecha. Pub. Edizioni Lucio Amelio
Firmado a mano con iniciales a lápiz
Dimensiones: 30 x 21 3/4 pulgadas
Abstracto postminimalista de Keith Sonnier
Keith Sonnier (1941 - 2020) fue un escultor postminimalista, artista de performances, vídeo y luz. Sonnier fue uno de los primeros artistas en utilizar la luz en la escultura en la década de 1960. Con su uso del neón en combinación con materiales efímeros alcanzó el reconocimiento internacional. Sonnier formó parte del movimiento del Arte Procesual.
James Keith Sonnier nació el 31 de julio de 1941 en Mamou, Luisiana. Su familia era cajún y católica romana. Su padre era propietario de una ferretería, Joseph Sonnier, y su madre era florista y cantante, Mae Ledoux. Se licenció en 1963 en el Instituto del Sudoeste de Luisiana (ahora conocido como Universidad de Luisiana en Lafayette). En 1966 se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Rutgers, donde estudió con Allan Kaprow, Robert Watts y Robert Morris. Tras graduarse en Rutgers, se trasladó a Nueva York con Jackie Winsor y algunos de sus antiguos compañeros de clase.
Sonnier murió en Southampton, NY, el 18 de julio de 2020.
Sonnier empezó a experimentar con el neón en 1968. Las luces de neón se convirtieron en un material característico de sus obras escultóricas. Los materiales que Sonnier empleaba habitualmente eran luces de neón y fluorescentes, materiales reflectantes, aluminio y cobre, y vidrio y alambres. De la generación de James Turrell y Dan Flavin, también estuvo relacionado con el movimiento Luz y Espacio, un movimiento artístico poco vinculado relacionado con el op art, el minimalismo y la abstracción geométrica originado en el sur de California en la década de 1960 e influido por John McLaughlin. Se caracteriza por centrarse en fenómenos perceptivos, como la luz, el volumen y la escala, y por el uso de materiales como el vidrio, el neón, las luces fluorescentes, la resina y el acrílico fundido, formando a menudo instalaciones condicionadas por el entorno de la obra. Entre los artistas se encontraban Ron Cooper, Mary Corse, Maria Nordman, Eric Orr, Keith Sonnier y James Turrell. En 1966 se casó con la escultora Jackie Winsor, que por aquel entonces era compañera de estudios de arte en la Universidad de Rutgers. Escultores contemporáneos y artistas postminimalistas: Bruce Nauman, Eva Hesse, Richard Tuttle, Barry LeVa. También publicó con Styria Studio durante la década de 1980. Lleva el sello distintivo de los colores vivos de la época que se ven en las obras de Ettore Sottsass, Peter Shire y los artistas de Memphis Milano. Fue incluido en La Colección de Nueva York para Estocolmo, 1973, con Lee Bontecou, John Chamberlain, Mark di Suvero, Jim Dine, Öyvind Fahlström, Dan Flavin, Red Grooms, Donald Judd, Ellsworth Kelly, Roy Lichtenstein, Sol LeWitt, Robert Morris, Louise Nevelson, Kenneth Noland, Claes Oldenburg, Nam June Paik, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, George Segal, Richard Serra, Keith Sonnier, Richard Stankiewicz, Cy Twombly y Andy Warhol.
- Creador:Keith Sonnier (1941, Americana)
- Año de creación:1981
- Dimensiones:Altura: 76,2 cm (30 in)Anchura: 55,25 cm (21,75 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Desgaste menor. Consulte las fotos.
- Ubicación de la galería:Surfside, FL
- Número de referencia:1stDibs: LU38214931742
Keith Sonnier
Keith Sonnier fue un escultor postminimalista, artista de performances, vídeo y luz. Sonnier fue uno de los primeros artistas en utilizar la luz en la escultura en la década de 1960. Con su uso del neón en combinación con materiales efímeros alcanzó el reconocimiento internacional. Sonnier formó parte del movimiento del Arte Procesual.
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Por Keith Sonnier
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Categoría
Década de 1980, Posminimalista, Impresiones abstractas
Materiales
Papel, Litografía
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Piening pasó los primeros años de su carrera como ilustrador y artista independiente para varias editoriales, y finalmente se instaló en París para trabajar en la publicación francesa Vogue de Condé-Nast. En 1934 se trasladó a Estados Unidos para trabajar en la oficina de Condé-Nast en Nueva York. Durante las dos décadas siguientes, Piening trabajó para muchas agencias de publicidad y editoriales de revistas importantes, como las agencias N. W. Ayer y J. Walker Thompson y las revistas Life y Fortune. Como director artístico de Life en los años 30 y de Fortune en los 40, Piening rediseñó por completo la maquetación de cada revista. También rediseñó la maquetación de otras treinta y cuatro grandes revistas estadounidenses, como Town & Country y Cosmopolitan.
A través de su trabajo de diseño, Piening tuvo un gran impacto en el público estadounidense, aunque lo más probable es que los millones de personas que conocieron su obra nunca supieran su nombre. Entre 1934 y 1964, Piening diseñó más de sesenta logotipos y marcas para productos y empresas de renombre internacional. Es posible que su logotipo más conocido fueran los tres anillos entrelazados de la cerveza Ballantine. Otros diseños de Piening son el Lincoln Zephyr, Syracuse China, el Centro Nacional de la Vivienda y varios programas de la Universidad de Syracuse, incluida la Escuela Maxwell. Todos los diseños de Piening están marcados por líneas sencillas y limpias y formas básicas, como círculos y cuadrados. En 1964, la Universidad de Siracusa publicó Trademarks and Symbols Designed by M. Peter Piening, un libro que contenía varios de los diseños más famosos de Piening. En un prólogo a este libro, el canciller William Tolley escribió que Piening era "claramente uno de los diseñadores gráficos más destacados del mundo". Tras dos años en París trabajando para "Vogue Magazine...
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