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Robert NatkinMonotipo expresionista abstracto (único), firmado e inscrito con un corazón Enmarcadoca. 1975
ca. 1975
6606,80 €
Acerca del artículo
Robert Natkin
monotipo (único) sobre papel
firmado con rotulador en el anverso
Firmado a lápiz e inscrito con garabato de corazón:
"Para Dorothy y Arthur con mi amor Natkin"
Procedencia: colección de los famosos coleccionistas de Chicago Arthur y Dorothy Goldberg. (Arthur Goldberg fue juez del Tribunal Supremo y Dorothy era artista).
Marco incluido: elegantemente flotado y enmarcado bajo plexiglás UV
Medidas:
24 pulgadas vertical por 35 pulgadas horizontal por 2 pulgadas
Obras de arte:
17 pulgadas en vertical por 28 pulgadas en horizontal
Biografía de Robert Natkin:
ROBERT NATKIN (1930-2010)
Descrito como el "autor de un infinito moteado", Robert Natkin creó algunas de las abstracciones de color más innovadoras de finales del siglo XX (Carter Ratcliff, "The Dappled Infinite", Art & Antiques 38 [diciembre de 2015]). Poblados de rayas, puntos, cuadrículas y toda una serie de formas flotantes, sus lienzos llenos de luz son sensuales, juguetones y visualmente complejos, y representan "un universo formal único de belleza incomparable" (Louis A. Zona, "Prólogo: Robert Natkin: Crescendos de susurros", en Robert
Natkin: A Retrospective: 1952-1996, cat. expos. [Youngstown, Ohio: Butler Institute of American Art, 1997]).
Nacido en Chicago, Natkin era hijo de padres inmigrantes ruso-judíos que trabajaban en la industria de la confección. A los cinco años empezó a ir al cine (a menudo seis veces por semana), una actividad que, además de proporcionarle cierto respiro de su disfuncional familia, influiría más tarde en su obra como pintor. En 1945, la familia de Natkin se trasladó brevemente a Oak Ridge, Tennessee, donde Natkin decidió seguir una carrera como artista. Dibujante nato, al principio quiso ser ilustrador, como Norman Rockwell, cuya obra había visto en el Saturday Evening Post. Sin embargo, mientras asistía a la escuela del Instituto de Arte de Chicago de 1948 a 1952, Natkin tuvo la oportunidad de estudiar la colección de arte postimpresionista francés del museo y decidió dedicarse a la pintura. Durante estos años de formación, Natkin se inspiró en los ejemplos de Pierre Bonnard y Henri Matisse, que utilizaban patrones decorativos y colores arbitrarios para evocar estados de ánimo. Y lo que es más importante, también descubrió la obra de Paul Klee, el artista suizo-alemán cuyas pinturas caprichosas y semiabstractas reflejaban su creencia de que "el arte no reproduce lo visible, sino que lo hace visible", un credo que alimentó el creciente interés de Natkin por el contenido emocional. Como estudiante, Natkin también visitaba con frecuencia el Museo Field de Historia Natural, donde se sintió atraído por las formas estilizadas del arte indio americano y los tejidos peruanos.
Un artículo sobre el Expresionismo Abstracto, publicado en la revista Life en 1949, fue igualmente vital para determinar la evolución de Natkin como pintor. En 1952 vivió brevemente en Nueva York, donde vio y se dejó influir por los atrevidos lienzos de Willem de Kooning. A continuación, Natkin pasó unos meses en San Francisco antes de regresar a Chicago, donde trabajó en la Biblioteca Newberry mientras pintaba en su tiempo libre. Al principio se dedicó a los retratos y a las figuras expresionistas, pero en 1954-55 ya producía sus primeras obras abstractas y confraternizaba con un grupo de artistas entre los que se encontraba la pintora Judith Dolnick (nacida en 1934), con la que se casó en 1957. Ese mismo año, Natkin y Dolnick fundaron la Wells Street Gallery en un destartalado escaparate del casco antiguo de Chicago, donde expusieron sus propias obras y las de otros artistas locales de mentalidad progresista, entre ellos el escultor John Chamberlain y el fotógrafo Aaron Siskind, así como pintores de Nueva York, como de Kooning, Jackson Pollock y Mark Rothko. Aunque Natkin nunca adoptó el concepto de "pintura de acción" ejemplificado en la obra de Pollock, durante un tiempo exploró la pincelada agitada y gestual de De Kooning, como se aprecia en lienzos como Keep It Quiet (1957; colección privada, anteriormente Hirschl & Adler Galleries, Nueva York). (Para el periodo de Natkin en Chicago, véase Robert Natkin en Chicago: The 1950s, cat. expos. [Chicago: Galería McCormick, 2015).
En 1959, conscientes del escaso patrocinio del arte abstracto en Chicago, Natkin y Dolnick se trasladaron a Nueva York, donde Natkin se unió al grupo de artistas asociados a la Galería Poindexter, conocida por su apoyo a pintores y escultores emergentes. Con motivo de su exposición de debut en la galería de Elinor F. Poindexter a finales de 1959, el crítico Dore Ashton alabó la "audacia brillante y experimental" de los cuadros de Natkin y observó que "obviamente disfruta atacando un gran lienzo, llenando su campo con muchas formas y muchos colores, haciéndolos deslizarse y resbalar, delante y detrás, unos de otros" ("Natkin's Avant-Garde Paintings on View", New York Times, 7 de enero de 1960). La reputación de Natkin en los círculos artísticos de Manhattan aumentó aún más cuando fue incluido en la exposición Americanos menores de 35 años, celebrada en el Museo Whitney de Arte Americano en 1960.
Inmerso en el dinamismo del mundo artístico neoyorquino, donde el Expresionismo Abstracto y la pintura Color-Field eran los estilos dominantes de la época, el enfoque estético de Natkin siguió evolucionando. En 1961, adoptó un enfoque serial de la pintura, práctica que mantendría a lo largo de toda su carrera. (Para una visión general de las características más destacadas de la obra en serie de Natkin, véase Robert Natkin: Una retrospectiva: 1952-1996). En su primer ciclo, conocido como la serie Apolo (en la que Natkin trabajó de forma intermitente hasta principios de la década de 1970), utilizó franjas verticales de distintos grosores y texturas para sugerir la interacción del color y la luz, creando al mismo tiempo una fuerte cualidad arquitectónica, como se aprecia en obras como Beatrice (1964; Galería Nacional de Australia, Canberra). A mediados de la década de 1960, en respuesta a las teorías del color de Josef Albers, el jazz contemporáneo y su admiración por arquitectos de Chicago como Frank Lloyd Wright y Louis Sullivan, Natkin mantuvo el formato vertical de sus cuadros Apolo en sus lienzos Straight Edge y Step, imbuyéndolos de un mayor sentido del orden y la estructura mediante el uso de cinta adhesiva para crear zonas de forma y color claramente definidas.
Natkin se embarcó en su siguiente grupo temático, la serie Ratón de campo, en 1968. Basados en la traducción de Ezra Pound de un poema chino que trataba del paso fugaz del tiempo, los cuadros Ratón de campo representaron una nueva etapa en la evolución artística de Natkin: Alejándose del enfoque frío y contemplativo de las obras Apolo, desarrolló un estilo más intrincado (deudor de Klee), que representaba rombos, polígonos, óvalos, garabatos y otras formas sobre fondos texturados y delicadamente entonados, intercalados con puntos y manchas de pigmento aparentemente colocados al azar y zonas de rayado cruzado, como en Between the Sapphire & The Sound Unfurls the Rose of Vision (1969; Harvard Art Museums,
Cambridge, Massachusetts). La inclusión de varios de los luminosos lienzos de Natkin de la serie Field Mouse en la exposición Timeless Paintings from the USA, celebrada en la Galerie Facchetti de París en 1968, fue decisiva para atraer la atención de los aficionados al arte en Europa.
En 1970, tras una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte de San Francisco (ahora Museo de Arte Moderno de San Francisco), Natkin y su familia se trasladaron a West Redding, Connecticut. Un año más tarde, mientras trabajaba como artista residente en el Centro de Arte de Kalamazoo (Michigan), Natkin dejó a un lado los pinceles y empezó a utilizar esponjas, empapadas en pintura acrílica y envueltas en trozos de tela o malla, que aplicaba sobre su soporte con distintos niveles de presión, una técnica que realzaba la calidad decorativa de sus cuadros. El artista aplicó por primera vez esta metodología a su serie Iluminación íntima, que se vio influida por una exposición de pintura cubista que vio en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. El año 1971 también marcó un momento crucial en la carrera de Natkin, ya que celebró la primera de muchas exposiciones individuales en la venerable Galería André Emmerich de Nueva York.
En los años siguientes, Natkin siguió desarrollando su repertorio de pinturas cíclicas, reviviendo temas antiguos, como sus piezas Apolo, y explorando al mismo tiempo temas nuevos, como en sus pinturas Bath y Color Bath, inspiradas en la luz y la arquitectura que encontró en una visita a Bath, Inglaterra, en 1974. (Los cuadros Baño se ejecutaron en discretos tonos monocromáticos, mientras que los cuadros Baño de color presentan una gama de tonos suaves entretejidos para evocar una diáfana cortina de luz). En 1977, tras su exposición retrospectiva en el Moore College of Art de Filadelfia un año antes, Natkin visitó la Fundación Paul Klee en Berna, Suiza. De vuelta a América, se embarcó en la serie Berna, en la que utilizó trapos y esponjas (tanto sobre lienzo como sobre papel) para crear lienzos enérgicos y a la vez muy íntimos, con las formas geométricas y biomórficas de sus anteriores cuadros de Field Mouse, representadas ahora en colores primarios fuertes y saturados, así como en negro.
A los cuadros de Berna siguió la serie Hitchcock, el ciclo más grande y atractivo de Natkin, en el que rindió homenaje al director Alfred Hitchcock, un cuentista que, como Natkin, también utilizaba temas y recursos recurrentes para expresar aspectos de la condición humana. Como ha observado Leda Natkin Nelis, su padre había sido "durante mucho tiempo un fan de las películas de Hitchcock que, a pesar de sus entretenidas tramas superficiales, rebosan de matices y contradicciones más oscuros". Como señala el artista, el director consigue, a pesar del carácter lúdico de sus películas, representar y romantizar el lado más sombrío del hombre. Como a Hitchcock, a Natkin le gusta entrelazar el placer -y la belleza- con el misterio y la paradoja" (L.N.N. [Leda Natkin Nelis], "Bern & Hitchcock Series", en Robert Natkin: Una retrospectiva: 1952-1966, s.p.).
Natkin comenzó la serie Hitchcock a principios de la década de 1980 y siguió explorando el tema durante el resto de su carrera. (Para los cuadros de Hitchcock, véase Michael Dillon, introducción, Robert Natkin: Recent Paintings from the Hitchcock Series, cat. expos. [Londres: Gimpel Fils, 1988] y Peter Fuller, Robert Natkin: Pinturas recientes de la serie Hitchcock, cat. expos. [Nueva York: Gimpel & Weitzenhoffer, 1984). Inspirándose en la práctica de Hitchcock de sintetizar diferentes líneas argumentales en una narración cohesiva, Natkin trató de impregnar sus lienzos de Hitchcock con disposiciones de formas cuidadosamente consideradas que, como ha observado Carter Ratcliff, conducen "al espectador de un punto al siguiente y al siguiente, hasta que la obra se ve completamente...". En los cuadros "Hitchcock" ... sus formas muestran una inclinación hasta ahora inédita a instalarse en configuraciones que evocan entornos urbanos bastante concretos. O las formas se aplanan en patrones que sugieren mapas con fuertes inclinaciones del camino adecuado que debe seguir el ojo" (Ratcliff, "El infinito moteado"). Estas cualidades -así como el vibrante cromatismo asociado al ciclo de Hitchcock- pueden encontrarse en obras como Danae (1995), en la que formas aparentemente ingrávidas se funden, mezclan y entrecruzan entre sí para evocar una sensación de alegre exuberancia. El Verde y Rumor Nocturno (cuyos caprichosos títulos reflejan el persistente impacto del provocativo juego de palabras de Klee) ejemplifican igualmente la inclinación de Natkin por la luz, la textura, el dibujo y el color magnífico y emotivo, así como su capacidad para crear obras de arte improvisadas conservando un sentido subyacente de la forma y la estructura.
En 1981, Natkin fue objeto de una importante monografía escrita por el crítico de arte británico Peter Fuller, uno de los primeros defensores de su obra (véase Peter Fuller, Robert Natkin [Nueva York: Abbeville Press, 1981]). Artista inventivo, enérgico y obstinado, Natkin también expresó sus propias ideas sobre el arte contemporáneo, escribiendo artículos sobre pintores que iban desde Klee y Arshile Gorky hasta Jasper Johns y Franz Kline para revistas como Modern Painters.
Ha participado en numerosas exposiciones individuales en América, Europa y Japón, así como en numerosas exposiciones colectivas dedicadas a la pintura de finales del siglo XX (la más reciente, Expanding Boundaries: Abstracción Lírica: Selecciones de la Colección Permanente, celebrada en el Museo de Arte de Boca Ratón, Florida, en 2009), Natkin falleció en Danbury, Connecticut, el 20 de abril de 2010. Hay ejemplos de su obra en importantes colecciones públicas de Estados Unidos y del extranjero, como el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Whitney Museum of American Art de Nueva York y el Centro Pompidou de París. Además de sus pinturas, Natkin también dejó un colosal mural de 20 x 42 pies, realizado en 1992 para el vestíbulo del 1211 de la Avenida de las Américas, en el Rockefeller Center de Nueva York.
- Creador:Robert Natkin (1930-2010, Americana)
- Año de creación:ca. 1975
- Dimensiones:Altura: 60,96 cm (24 in)Anchura: 88,9 cm (35 in)Profundidad: 5,08 cm (2 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745216734482
Robert Natkin
Robert Natkin nació en Chicago el 7 de noviembre de 1930 en el seno de una familia numerosa de inmigrantes judíos rusos. En 1945 la familia se trasladó a Tennessee, aunque pronto regresó a Chicago, donde Natkin asistiría al Instituto de Arte de Chicago (1948-1952). La colección de pinturas postimpresionistas del museo, especialmente las de Pierre Bonnard y Henri Matisse y las caprichosas abstracciones de Paul Klee, fueron influencias significativas para el joven artista. Las influencias de Natkin fuera del mundo del arte incluían frecuentes viajes al Museo Field de Historia Natural, donde conoció tejidos estilizados de los indios americanos y peruanos. Iniciado en el Expresionismo Abstracto en Nueva York en 1952, Natkin se sintió especialmente atraído por las obras de Willem de Kooning, cuyas agitadas marcas empezó a emular, aunque tras regresar a Chicago en 1953 abandonó los vínculos con la pintura de acción y empezó a formar lo que se convertiría en su conocido motivo de abstracción del campo de color. En 1957, Natkin, ya casado con la también artista Judith Dolnick, abrió la Wells Street Gallery, que exponía obras de artistas de Chicago afines, como el escultor John Chamberlain y el fotógrafo Aaron Siskind, así como de artistas neoyorquinos a los que admiraban. Sin embargo, debido al escaso patrocinio, fue una aventura efímera y, en busca de mayores oportunidades, la pareja se trasladó a Nueva York en 1959. Natkin continuó desarrollando atrevidos campos brillantes de color y textura en sus pinturas, y encontró el éxito entre el grupo de artistas prometedores de las Galerías Poindexter. Inmerso en la dinámica escena artística de Nueva York durante las décadas de 1960 y 1970, Natkin siguió evolucionando su estilo a través de sus series Apolo, Ratón de campo e Iluminación íntima, entre las que se incluyen El recuerdo es el secreto de la redención y El olvido conduce al exilio. Siguieron otras series en una larga y exitosa carrera. Natkin murió en Danbury, Connecticut, el 20 de abril de 2010. Robert Natkin ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y ha participado en muchas más colectivas. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de decenas de museos nacionales e internacionales, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, la Galería Nacional de Australia y el Centro Pompidou de París. Además, el colosal mural de Natkin de 20 x 42 pies, realizado en 1992, puede verse en el vestíbulo del Rockefeller Center de Nueva York.
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