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Ynez JohnstonCosta Tribal", Mujer artista expresionista, Museo de Arte Moderno, Guggenheim Museum1964
1964
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Acerca del artículo
Firmado abajo a la derecha, "Ynez Johnston" (estadounidense, nacida en 1920) y fechado en 1964; además, inscrito "imp" abajo a la derecha, titulado abajo en el centro "Tribal Coast" con número y limitación, 198/210", abajo a la izquierda.
Dimensiones enmarcado: 21,25 A x 26,5 An x 1,5 P Pulgadas
Nacido en Berkeley, California, Johnston estudió primero dibujo, pintura y grabado en la Universidad de California con Worth Ryder, Erle Loran y Margaret Peterson. Su obra se caracteriza por las formas de "rompecabezas" que recuerdan a los diseños tribales primitivos. Este estilo único mezcla modernismo y formas artísticas antiguas de sus viajes a Italia, México, India y Nepal. También ha realizado piezas tridimensionales en colaboración con su marido, el poeta y novelista John Berry, así como con el escultor de cerámica Adam Mekler.
La exposición individual de Johnston en 1951 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York suscitó un gran interés público por su obra e inició su carrera como artista de éxito. Sus óleos y grabados de los años 50 y 60 se volvieron más ambiciosos en el uso de imágenes complejas, al tiempo que mostraban un uso del color sistemáticamente disciplinado y armonizado.
En piezas posteriores de técnica mixta, Johnston examina las cualidades táctiles de la superficie. Las pinturas implican la combinación, y laminación ocasional, de diversos materiales tierra, acrílico, tintes, encáustica sobre tela, lienzo y seda cruda. Los colores son vibrantes y las imágenes son formas compuestas que sugieren formas arquitectónicas, humanas, animales y vegetales ambiguas. Cita como influencias el arte persa e indio, junto con artistas como Matisse, Miró, Klee y Picasso.
Johnston ha recibido numerosos premios y becas, incluida una subvención del Fondo Nacional de las Artes y una Beca de la Fundación Conmemorativa Guggenheim. Ha expuesto ampliamente y con éxito, ganando diversas medallas, premios y galardones con jurado, incluido el Primer Premio de acuarela del Museo Metropolitano de Arte (1952). También ha expuesto en el Museo de Arte de San Francisco y en el Mitsukoshi de Tokio. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos de todo el país, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, y el Museo del Condado de Los Ángeles, entre otros.
Referencia:
Who Was Who in American Art 1564-1975: 400 Years of Artists in America, Peter Hastings Falk, Sound View Press 1999, Vol. 2, p. 1752-1753; Les Krantz, American Artists, Illustrated Survey of Leading Contemporary Artists; Elenore Welles, "Ynez Johnston", sitio web del Centro Cultural Farhat; et al.
Información biográfica adicional por cortesía de la Galería Tobey C. Moss, West Hollywood:
Ynez Johnston es una arquitecta de reinos fantásticos. Aunque eluda la realidad, nunca elimina del todo lo concreto, simplemente lo disfraza. Su idiosincrático vocabulario de formas deriva de una historia cultural colectiva. Pero las referencias se metamorfosean en una fusión única de elementos que no muestran ninguna consideración por el mundo físico real.
A lo largo de su carrera, Johnston ha experimentado con diversos medios, como aguafuertes, litografía, óleos, acuarela, papel maché, tintes de tinta, sumi sobre papel de arroz y caseína. Las influencias de los artistas mogoles y tibetanos, las tallas de piedra precolombinas, artistas como William Blake y las inclinaciones obsesivas de la pintura persa son cruciales para sus inventivas composiciones. La fusión de fuentes sugiere una línea entre el cubismo, el surrealismo europeo y las cualidades globales del expresionismo abstracto estadounidense. Sus personales evocaciones de la geometría abstracta recuerdan especialmente a los fantasiosos estilos lineales de Paul Klee y Mark Tobey.
Combinando diseños míticos con los preceptos del modernismo, evoca híbridos de formas universales y puntos de referencia familiares. Pero evolucionan estrictamente a partir de la fértil imaginación de Johnson. . una síntesis de visiones exteriores e interiores. Como si brotaran de un subconsciente atestado, una multitud de formas y figuras geométricas se transmutan en intrincados diseños. El Palacio del Leopardo de las Nieves [1971], por ejemplo, está dominado por una forma que parece un cruce entre animal y arquitectura. La estilizada figura lleva un conglomerado de coloridos diseños y símbolos. Parece un extraño híbrido de un animal estilizado maya y un caballo chino. Es puro artificio.
Un estudio de cincuenta años revela cómo la evolución estilística de Johnston ha pasado por ciclos y mutaciones. Pero la vitalidad de sus colores sigue prevaleciendo, y ciertas formas y temas tienen una vida continua. La repetición de formas míticas, en particular una forma parecida a un mandala, refuerza el poder psicológico perdurable de los mitos antiguos.
Los paisajes urbanos míticos también son una constante en su obra. En Arabia [1960], sus representaciones abstractas de entornos abarrotados recuerdan las surrealistas representaciones urbanas de Philip Guston. Sin embargo, con el tiempo, sus evocadores mundos se vuelven más densos y exóticos. En Expedición [1989] las formas se asemejan a castillos, templos, seres humanos, animales y símbolos ilusorios. Digo "parecerse" porque se trata de un mundo puramente inventado. El uso del negro frente a verdes, dorados y naranjas vivos crea un vínculo cohesivo para las imágenes dispares.
El Nilo Verde [1998] está repleto de elementos familiares de Johnston. También en este caso, los colores deslumbrantes activan la relación entre el hombre, las ciudades, la naturaleza y los símbolos. Las caprichosas pirámides violetas y la arquitectura de Oriente Medio sugieren ciudades en la arena. Una isla verde en forma de diamante está rodeada por un mar azul intenso, y un fondo dorado brillante da énfasis a un diseño de tipo maya. Las formas circundantes, situadas dentro de campos naranjas, rojos y amarillos, evocan una energía palpitante.
La influencia de las pinturas tanka tibetanas y su inclinación por las fronteras se refleja en Navegando por el Cuerno. Creadas con tintes de tinta sobre lienzo y seda, las fantasiosas representaciones se enmarcan en cenefas de amarillo, aguamarina y turquesa intenso.
Las esculturas también muestran propensión a los híbridos. En el bronce de 1992, La mujer que espera junto al mar, las influencias precolombinas y asiáticas ocupan un lugar destacado. Una mujer estilizada está de pie sobre una figura parecida a un perro. Ambos están grabados con diversos diseños y figuras.
El estilo horror-vacuii de Johnston exige bastante examen. Pero su amalgama de imágenes puede ampliar la imaginación del espectador. Las formas enigmáticas arraigadas en un espacio ambiguo dan la ilusión de metáforas oníricas. Las yuxtaposiciones que evocan significados asociativos pueden transportar a los espectadores a sus propios universos de fantasía.
- Creador:Ynez Johnston (1920 - 2019, Americana)
- Año de creación:1964
- Dimensiones:Altura: 29,21 cm (11,5 in)Anchura: 45,09 cm (17,75 in)Profundidad: 0,26 mm (0,01 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:papel: decoloración; marco: leve decoloración en el paspartú, pequeñas marcas. Esta pieza se enviará sin cristal.
- Ubicación de la galería:Santa Cruz, CA
- Número de referencia:1stDibs: LU3444387732
Ynez Johnston
Frances Ynez Johnston (12 de mayo de 1920 - 2019) fue una pintora, escultora, grabadora y educadora estadounidense. Su obra es modernista y abstracta, con una narrativa de tierras o criaturas imaginativas, y a menudo con collage. Johnston nació el 12 de mayo de 1920 en Berkeley, California. Asistió a la Universidad de California en Berkeley para estudiar con Worth Ryder y se licenció en Bellas Artes en 1941. Viajó a México a principios de la década de 1940 para continuar sus estudios, y regresó a Berkeley en 1943, obteniendo el Máster en Bellas Artes en 1946. En 1960 se casó con el novelista y poeta John Berry. En los años siguientes produjo grabados a través del Taller de Litografía Tamarindo. Johnston empezó a impartir clases de arte en varias universidades y escuelas superiores en 1950 y dejó de hacerlo en 1980[8]. Empezó en la Universidad de California, Berkeley (1950-1951) y luego continuó su carrera docente en el Centro de Bellas Artes de Colorado Springs (1954-1955), el Instituto de Arte Chouinard (1956), el Colegio Estatal de California (1966-1967, 1969, 1973), la Universidad de Jerusalén (1967) y el Instituto de Arte Otis de la Escuela de Diseño Parsons (1978-1980). Su obra figura en varias colecciones permanentes, como el Museo de Arte Moderno (MoMA), el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Smithsoniano de Arte Americano, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), el Museo de Arte Spencer, la Galería Nacional de Arte, el Fullerton College, el Museo de Arte McNay, el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, el Museo de Arte de Indianápolis y otros. Johnston obtuvo una Beca Guggenheim en 1952 para Bellas Artes, que le permitió viajar a Italia. En 1955-1956 obtuvo la beca de la Fundación Louis Comfort Tiffany para pintura y grabado, y en 1976 y 1986 recibió la beca del Fondo Nacional para el Arte (NEA). Además de sus intrincados grabados y pinturas, Johnston también creó piezas tridimensionales en colaboración con su marido y con el escultor de cerámica Adam Mekler. Sus acuarelas, óleos y grabados de los años 50 y 60 eran ricos en imágenes complejas, y mostraban un uso disciplinado y comedido del color. En piezas posteriores de técnica mixta, examinó las cualidades táctiles de la superficie. Sus pinturas incorporaban tierra, acrílico, tintes y encáustica sobre tela, lienzo y seda cruda. Las formas compuestas sugieren formas arquitectónicas, humanas, animales y vegetales ambiguas. Johnston citó como influencias las miniaturas persas e indias, pero también se inspiró en los artistas abstractos europeos Matisse, Miró, Klee y Picasso. Ynez Johnston murió en 2019 en Los Ángeles, California.
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Ver todoAbstracto de mediados de siglo", NYMoMA, París, XXXII Bienal de Venecia, MALI, Lima, Perú
Por Emilio Rodríguez Larraín
Abstracción biomórfica de mediados de siglo", NYMoMA, París, XXXII Bienal de Venecia, MALI, Lima, Perú
Firmado, abajo a la derecha, 'E.R. Larrain", de Emilio Rodríguez-Larraín (peruano, 1928-2015), con la inscripción "Roma, nov 1963, enero 1964". (Roma, nov. 1963-enero 1964). Verso titulado "L'Homme C'est Sujet à Errer" (El hombre tiende a vagar), y con un autorretrato del artista en tinta china y aguada.
Expuesta: XXXII Bienal de Venecia, 1964. (verso de la etiqueta original de la exposición)
Anteriormente en Staempfli Galleries, Nueva York. Este cuadro está registrado en los Archivos de Arte Estadounidense como "Galería Staempfli, inventario nº 775".
Una obra monumental e históricamente distinguida de este innovador modernista peruano que se inspiró en la cultura indígena y precolonial peruana. Los cuadros de Emilio Rodríguez-Larraín forman parte de las colecciones permanentes de museos de todo el mundo, como el Museo de la Ciudad de París, el Museo de Arte de Lima (Perú) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este cuadro fue seleccionado por el Gobierno peruano para su exposición en la XXXII Bienal de Venecia de 1964 y es la mayor obra individual registrada del artista.
Emilio Rodríguez-Larraín se licenció en Arquitectura en 1949 por la Universidad Nacional de Ingeniería de Perú y celebró su primera exposición individual en Lima tras visitar Europa en 1950. En 1951, regresó a Europa en compañía de los artistas Alfredo Ruiz Rosas y Joaquín Roca Rey. En 1956 se trasladó a París, donde pintó y expuso durante muchos años, por ejemplo en el Salón de las Realidades Nuevas (1957) y en el Salón de Mai (1969). También expuso por toda Europa, en Madrid, Berlín, Copenhague, Florencia, Milán y, en Roma, en el Instituto Italo-Latinoamericano (1970). En 2016, el Museo de Arte de Lima organizó una retrospectiva de la obra del artista que lo elogió como "un importante escultor, arquitecto y pintor de vanguardia que supo adaptarse a los cambios artísticos de la época y que desempeñó un papel muy importante en las artes visuales de Perú."
A lo largo de su dilatada e ilustre carrera, Emilio Rodríguez-Larraín recibió numerosos premios prestigiosos, como la Beca William y Norma Copley (1965), la Beca Guggenheim (1976) y la Beca del Programa de Residencia Artística del DAAD (1985). Rodríguez Larraín es actualmente objeto de una exposición individual en la Hutchinson Modern Gallery de Nueva York.
Enmarcado en un marco posterior de roble mordiente con sulfato de hierro. Dimensiones enmarcado: 68 x 3 x 92 Pulgadas
Referencia:
E. Benezit, Dictionnaire des Peintres, Sculpteurs, Dessinateurs, et Graveurs, Jacques Busse, 1999 Nouvelle Édition, Gründ 1911, Vol. 11, p. 817; et al.
Acompañado de "Rodríguez Larraín", el catálogo de la exposición del artista de 1963 en la Galería Lorenzelli de Milán, y un ejemplar de primera edición de "Emilio Rodríguez Larraín", de Sharon Lerner, publicado por la Asociación Museo de Arte de Lima (2016).
(Fotografía del artista con Emily McFadden y Marcel Duchamp, cortesía del patrimonio de Emilio Rodríguez-Larraín)
EXPOSICIONES INDIVIDUALES SELECCIONADAS
2022 Del Trazo al Volumen, Wu Galería, Lima, Perú
2016 Emilio Rodríguez Larraín, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2014 Emilio Rodríguez-Larrain. Selección de obra a través del tiempo, Galería Lucia de la Puente, Lima,
Perú
2013 Emilio Rodriguez-Larrain, Espacio AMIL, Centro Comercial Camino Real, Lima, Perú
2010 Emilio Rodríguez-Larrain. Obra reciente, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú
2008 Emilio Rodríguez-Larrain. El Espíritu de la Modernidad, Centro Cultural Peruano Norteamericano,
Galería de Arte del Cultural, Arequipa, Perú
2007 Emilio Rodríguez-Larrain. XIV Bienal de Pintura Teknoquímica, Instituto Cultural Peruano
Norteamericano (ICPNA), Lima, Perú
2002 Emilio Rodríguez-Larrain. Muestra Antológica 1982-2002, Instituto Cultural Peruano
Norteamericano (ICPNA), Lima, Perú
2001 Emilio Rodríguez-Larrain. Pinturas, La Galería, Lima, Perú
1999 Emilio Rodríguez-Larrain. Pinturas 1992-1997, La Galería, Lima, Perú
1997 Emilio Rodríguez-Larrain. Antología, Casa Grace, Lima, Perú
1995 Emilio Rodríguez-Larrain. Pinturas, Galería Forum, Lima, Perú
Emilio Rodríguez-Larrain. Obras sobre papel-Perú, Museo Rayo, Roldanillo, Valle, Colombia
1991 Galería de Arte Camino Brent, Lima, Perú
1989 Emilio Rodríguez-Larrain. Berlín-Nueva York-Lima.
1985-1989, Galería de Arte Camino Brent, Lima,
Perú
1987 Institut für Auslandsbeziehungen (IFA), Deutscher Akademischer Austauschdienst (DAAD),
Dusseldorf, Alemania
1986 Emilio Rodríguez-Larrain-Un cuarto de escultura, Galería de Arte Camino Brent, Lima, Perú
1985 Emilio Rodríguez-Larrain. Skulpturenprojekte fü die Anden, Galerie im Körnerpark, Berlín,
Alemania
1984 Emilio Rodríguez-Larrain-Escultura, Galería de Arte Camino Brent, Lima, Perú
Tablas Heridas, Galería de Arte 9, Lima, Perú
1982 Emilio Rodríguez-Larrain, Galería de Arte 9, Lima, Perú
1981 Galería de Arte 9, Lima, Perú
1980 Emilio Rodríguez-Larrain, Galería de Arte 9, Lima, Perú
1979 Emilio R. Larrain, Galería de Arte 9, Lima, Perú
1978 Galería L`Enseigne du Cerceau, París, Francia
Larrain, Galería Trece, Barcelona, España
1976 Emilio R. Larrain. Esculturas y pinturas, Galería L`Enseigne du Cerceau, París, Francia
1975 Emilio R. Larrain. Esculturas y pinturas, Galería L`Enseigne du Cerceau, París, Francia
1973 Larrain, Galería Lorenzelli, Bérgamo, Italia
1972 Bienal de Venecia. Exposizione internazionale d`arte grafica d`oggi, Museo d`Arte Moderna ca`Pesaro, Venecia, Italia
1971 Rodríguez-Larrain, Galería Lorenzelli, Milán, Italia
Galería Arcanes, Bruselas, Bélgica
1967 Galería Rose Fried, Nueva York, NY
Rodriguez-Larrain, Pinturas de 1959-1965, Galería Moncloa, Lima, Perú
1965 Galería de Bellas Artes, Bruselas, Bélgica
Galería Aujourd`hui, Bruselas, Bélgica
Exposición individual, Galería Pogliani, Roma, Italia
Emilio Rodríguez-Larrain, Galería Staempfli, Nueva York, NY
1963 Galería Obelisk, Washington D.C., EE.UU.
Rodríguez-Larrain, Galería Lorenzelli, Milán, Italia
1962 Rodríguez-Larrain, Staempfli, Nueva York, NY
1961 Galería Lorenzelli, Bérgamo, Italia
1960 Kunsthaus Charlottenburg, Berlín, Alemania
Galería Der Spiegel, Frankfurt, Alemania
Rodríguez Larraín,
Un pittore peruviano a Milano, Galería del Milione, Milán, Italia
Rodríguez Larraín, Galería Il Milione, Milán, Italia
1959 Rodríguez Larraín, Galería Pagani, Legnano, Italia
Rodríguez Larraín, Galería Montenapoleone, Milán, Italia
1958 Emilio Rodríguez-Larrain, Galería Arne B. Rasmussen, Copenhague, Dinamarca
1957 Rodríguez Larraín, Galería Número, Florencia, Italia
1955 Galería Lima, Lima, Perú
1953 Galería Lima, Lima, Perú
1950 Galería Lima, Lima, Perú
EXPOSICIONES COLECTIVAS SELECCIONADAS
2023 Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna, Fundación Juan March, Madrid, España
2019 En orden de aparición: arte peruano y latinoamericano de la colección Hochschild, ARCO, Real
Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, España
2018 TRANS/CIS, Revolver Galería, Lima, Perú
2017 Próxima parada. Artistas peruanos en la Colección Hochschild, Sala Alcalá 31, Madrid, España
2015 La otra margen: pintura geométrica en el Perú (1947-1958), Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2014 MALI Contemporáneo. Adquisiciones y donaciones 2014, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2013 Museo de Arte del Banco de la República de Colombia, Bogotá, Colombia
Arte al paso. Colección contemporánea del Museo de Arte de Lima-MALI, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2012 Lenguaje/estructura/territorio en la colección de arte contemporáneo del MALI, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2011 Arte al paso. Colección contemporánea del Museo de Arte de Lima-MALI, Estaçao Pinacoteca, Sao Paolo, Brasil
2010 Diálogos en la colección de arte contemporáneo del MALI. Donaciones y adquisiciones, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
Francia y la plástica peruana del siglo XX, Galería L`imaginaire, Alianza Francesa, Lima, Perú
2008 MALI Contemporáneo. Adquisiciones y donaciones 2008, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2007 MALI Contemporáneo. Adquisiciones y donaciones 2007, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2006 Miradas del fin del siglo III: tránsito de imágenes (puntos de fuga hacia el arte último), Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
Miradas del fin del siglo II: constelaciones, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
Urbe y Arte. Imaginarios de Lima en transformación: 1980-2005, Museo de la Nación, Lima, Perú
2005 Miradas de fin de siglo II: Revelaciones poéticas apocalípticas de finales del milenio, Museo de Arte de Lima (MALI), Lima, Perú
2003 Necrologías, El retorno de las huacas (no retornables) 1977-2003, Museo Pedro de Osma, Lima, Perú
2002 De abstracciones e informalismos
2000 Todas las artes, Arte y R Centro de Exposiciones, Lima, Perú
1998 Elite Fine Art, Coral Gables, FL
1996 Museo Rayo, Cali, Colombia
1995 Galería Forum, Lima, Perú
1994 Espectro Latinoamericano, Elite Fine Art, Coral Gables, FL
1993 Exposición colectiva de verano, Elite Fine Art, Coral Gables, FL
I Trienal de las Américas. 100 Artistes-15 pays, Espace Sculfort, Maubeuge, Francia
1992 Espectro Latinoamericano, Elite Fine Art, Coral Gables, FL
1991 Galería Camino Brent, Lima, Perú
II Bienal de Arte, Fortaleza, Brasil
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte de la Ciudad de Itami, Hyogo, Japón
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte Akita Senshu, Akita, Japón
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte de la Prefectura de Okayama, Okayama, Japón
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte de Tsukuba, Ibakari, Japón
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte de la Ciudad de Takamatsu, Takamatsu, Japón
Man Ray y sus amigos, Museo de Arte Bunkamura, Tokio, Japón
1989 Il Bienal de Arte, Fortaleza, Brasil
Galería Enrique Camino Brent, Lima, Perú
1988 Parque Olímpico de Escultura, Galería Hyundai, Comité Organizador Olímpico de Seúl, Seúl, Corea del Sur
1987 III Bienal de Trujillo, Trujillo, Perú
Seis contra la muralla, Bar La Muralla, Llansá, España
1985 Primer Simposio Internacional de Escultura, Santo Domingo Arte abstracto en el Perú
1984 Collage san Collé, Galería Forum, Lima, Perú
1982 Kunstler aus Lateinamerika, Berliner Kunstlerprogramm des DAAD, Berlín, Alemania
1981 Gerardo Chavez...
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Anteriormente en la Galería Lopoukhine, Boston, según etiqueta, verso.
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