after Henri Matisse - Helecho - Litografía

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(after) Henri Matisse
after Henri Matisse - Helecho - Litografía

Name: after Henri Matisse - Helecho - Litografía
Brand: (after) Henri Matisse
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1885,80 US$Precio de lista

Acerca del artículo

Litografía según Henri Matisse - Helecho Artista : según Henri MATISSE Firmado en la piedra, como se emitió Edición de 250 ejemplares 38 x 28 cm Referencia : Litografía publicada en 1965 para el Portfolio "Les Peintres mes amis" publicado por Heures Claires. BIOGRAFÍA DE MATISSE JUVENTUD Y EDUCACIÓN INFANTIL Henri Emile Benoît Matisse nació en una pequeña y destartalada cabaña de tejedor de la calle Chêne Arnaud, en la ciudad textil de Le Cateau-Cambrésis, a las ocho de la tarde de la última noche del año, el 31 de diciembre de 1869 (Le Cateau-Cambrésis está en el extremo norte de Francia, cerca de la frontera belga). La casa tenía dos habitaciones, el suelo de tierra batida y el tejado agujereado. Matisse dijo mucho tiempo después que la lluvia caía por un agujero que había encima de la cama en la que había nacido. Los antepasados de Matisse habían vivido en la zona durante siglos, antes de los convulsos trastornos sociales e industriales del siglo XIX. Matisse creció en un mundo que aún se desprendía de un modo de vida en cierto modo inalterado desde la época romana. La llegada del ferrocarril había puesto a Bohain en el mapa industrial, pero la gente seguía desplazándose a pie o a caballo a todas partes. El padre de Matisse, Émile Hippolyte Matisse, era un comerciante de grano cuya familia se dedicaba a tejer. Su madre, Anna Heloise Gerard, era hija de una larga estirpe de curtidores acomodados. Afectuosa, extrovertida, capaz y enérgica, era pequeña y de constitución robusta, con la figura de moda de la época: pechos y caderas llenos, cintura estrecha, tobillos pulcros y elegantes pies pequeños. Tenía la piel clara, los pómulos anchos y una amplia sonrisa. "Mi madre tenía un rostro de rasgos generosos", decía su hijo Henri, que siempre hablaba de ella con especial ternura de la sensibilidad. A lo largo de los cuarenta años de su matrimonio, prestó un apoyo inquebrantable y como una roca a su marido y a sus hijos. Matisse dijo más tarde: "A mi madre le encantaba todo lo que hacía". Creció en la cercana Bohain-en-Vermandois, un centro industrial textil, hasta los diez años, cuando su padre lo envió al liceo de San Quintín. Anna Heloise trabajó duro. Dirigía la sección de la tienda de su marido que vendía pinturas para el hogar, preparaba los pedidos de los clientes y les aconsejaba sobre los colores. Evidentemente, los colores dejaron una impresión duradera en Henri. El propio artista dijo más tarde que había heredado su sentido del color de su madre, que era una consumada pintora de porcelana, una forma de arte muy de moda en aquella época. Henri era el primer hijo de la pareja. El joven Matisse era un joven torpe que parecía mal adaptado a los rigores del Norte; en particular, odiaba los inviernos gélidos. Era un niño pensativo y, según cuenta él mismo, soñador, frágil y no muy brillante. En su vida posterior, nunca perdió su sentimiento por su tierra natal, por las semillas y las cosas que cultivaba que había encontrado en su juventud. Las lujosas palomas que criaba en Niza, más de medio siglo después de abandonar su hogar, recordaban los palomares de los tejedores, escondidos incluso detrás de la casa más humilde de Bohain. Los recuerdos de infancia de Matisse eran de una educación severa. "¡Date prisa!" "¡Cuidado!" "¡Corre!" "¡Ponte las pilas!" eran los estribillos que sonaban en sus oídos de niño. En años posteriores, cuando la propia supervivencia dependía de hábitos de ahorro y abnegación, el artista se enorgullecía de ser un hombre del Norte. Cuando Matisse tuvo que criar a sus propios hijos, se reprendió a sí mismo por cualquier falta de disciplina o muestra abierta de ternura como debilidad por su parte. En 1887 se fue a París a estudiar Derecho, y tras obtener su título trabajó como administrador judicial en Le Cateau-Cambrésis. Aunque consideraba que la abogacía era tediosa, se colegió en 1888 con sobresaliente y empezó a ejercer a regañadientes. Una vez que Matisse terminó la escuela, su padre, un hombre mucho más práctico, consiguió que su hijo obtuviera un puesto de pasante en un bufete de abogados. PINTAR: COMIENZOS El descubrimiento de Matisse de su verdadera profesión se produjo de un modo inusual. Tras un ataque de apendicitis, empezó a pintar en 1889, cuando su madre le llevó material artístico durante el periodo de convalecencia. An He dijo más tarde: "Desde el momento en que tuve la caja de colores en mis manos, supe que ésta era mi vida. Me lancé como una bestia que se lanza hacia lo que ama". La madre de Matisse fue la primera en aconsejar a su hijo que no se atuviera a las "reglas" del arte, sino que escuchara sus propias emociones. Matisse estaba tan comprometido con su arte que más tarde hizo una advertencia a a su prometida, Amélie Parayre, con quien se casó más tarde: "Te quiero mucho, mademoiselle; pero siempre querré más a la pintura". Matisse había descubierto "una especie de paraíso", como lo describió más tarde. Su drástico cambio de profesión decepcionó profundamente a su padre. Dos años más tarde, en 1891, Matisse regresó a París para estudiar arte en la Academia Julian y se convirtió en alumno de William-Adolphe Bouguereau. Tras un año desalentador en la Academia Julian, se marchó disgustado por el estilo excesivamente perfeccionista de la enseñanza. Después se formó con Gustave Moreau, un artista que alimentaba inclinaciones más progresistas. En ambos estudios, como era habitual, los alumnos dibujaron interminables estudios de figuras del natural. De Bouguereau aprendió las lecciones fundamentales de la pintura clásica. Su único recurso técnico, casi un fetiche, era la plomada. Por muy extraños que sean los ángulos de cualquier Matisse, las verticales suelen ser totalmente exactas. Moreau era un pintor que despreciaba el "art du salon", por lo que Matisse estaba destinado, en cierto sentido, a seguir siendo un "marginado" del mundo del arte. Al principio suspendió el examen de dibujo para ingresar en la Escuela de Bellas Artes, pero persistió y finalmente fue admitido. Matisse empezó a pintar bodegones y paisajes en el estilo tradicional flamenco, en el que alcanzó un dominio razonable. La mayoría de sus primeras obras emplean una paleta oscura y tienden a ser sombrías. Chardin era uno de los pintores más admirados por Matisse, ya que había realizado cuatro de los bodegones maestros franceses del Louvre. Aunque realizó numerosas copias de los maestros antiguos, también estudió arte contemporáneo. Sus primeras experimentaciones le granjearon la reputación de miembro rebelde de sus clases de estudio. En 1896, Matisse fue elegido miembro asociado de la Société Nationale, lo que significaba que cada año podía exponer cuadros en el Salón de la Société sin tener que someterlos a revisión. Ese mismo año expuso 5 cuadros en el salón de la Société Nationale des Beaux-Arts, y el Estado compró dos de sus cuadros. Este fue el primer y casi único reconocimiento que recibió en su país natal durante su vida. En 1897 y 1898, visitó al pintor John Peter Russell en la isla Belle Île, frente a la costa de Bretaña. Russell le introdujo en el Impresionismo y en la obra de Van Gogh, que había sido un buen amigo de Russell, pero que entonces era completamente desconocido. El estilo de Matisse cambió por completo, y más tarde diría: "Russell fue mi maestro, y Russell me explicó la teoría del color". Matisse también observó los matrimonios estables de Russell y otros artistas. Esto probablemente le influyó para encontrar en Amélie Noellie Parayre, su futura esposa, su ancla. La mesa (1897) fue la primera obra maestra de Matisse, y había pasado todo el invierno trabajando en ella. Aunque el Salón expuso la obra, la colgaron en un lugar poco adecuado, disgustados por lo que consideraban sus aspectos radicales e impresionistas. Caroline Joblaud fue la primera amante de Matisse durante cuatro años, durante sus luchas iniciales por afirmar su dirección artística y su carrera profesional. Caroline (también llamada Camille) dio a Matisse su primera hija, Marguerite, en 1894, que, tras el matrimonio de Matisse con Amélie Noellie Parayre, fue acogida calurosamente, en contra de la hostilidad convencional que provocaban tales arreglos. Caroline posó varias veces para las composiciones del artista, mientras que Marguerite sirvió muchas veces de modelo para Matisse a lo largo de su vida. MATRIMONIO CON AMÉLIE NOELLIE PARAYRE Los Matisse de Bohain y los Parayres de Beauzelle no tenían exteriormente nada en común, y no había ninguna razón para que Matisse y Amélie se conocieran. Pero en octubre de 1897 Matisse fue a una boda en París y casualmente se sentó junto a ella en el escandaloso banquete que siguió. No había habido entre ellos ningún flirteo banal, ni siquiera cuando corría el vino, cada uno reconocía al otro como verdadero metal, y cuando se levantaron de la mesa ella tendió la mano a Henri Matisse de una forma que él nunca olvidó. En aquella época, Matisse aún no era la figura profesoral de leyenda. Se le conocía como un bromista, como un cancionista mordaz y anticlerical, y como alguien que una vez había interrumpido un concierto en un café porque sí. Los familiares de Amélie actuaban en aquella época en un contexto social, intelectual y político del que Matisse no había tenido ninguna experiencia previa. Defendían el librepensamiento, la separación de la Iglesia y el Estado y la secularización del sistema educativo francés. Su familia, más acomodada que la de Matisse, proporcionó al artista en ciernes el apoyo que necesitaba. Cuando Matisse se casó con Amélie en enero de 1898, sólo habían sido presentados tres meses después. La tía de Amélie, Noélie, y dos de sus hermanos regentaban una tienda femenina de éxito llamada Grande Maison des Modes. Antes de casarse, Amélie había demostrado tener un don para diseñar, confeccionar y modelar sombreros para una clientela de moda. En junio de 1899, encontró un socio y abrió una tienda propia en la calle de Châteaudun. Esto permitió que Henri y ella vivieran, con Marguerite, en un minúsculo apartamento de dos habitaciones en la misma calle. Madame Matisse, fervientemente leal, desempeñaría un papel fundamental en la vida y la carrera del artista durante más de 40 años. Marguerite se convertiría en el pilar vitalicio de su padre En 1902 se produjo el desastre. Los padres de Amélie cayeron en desgracia y se arruinaron económicamente en un espectacular escándalo de alcance nacional, como incautos empleados de una mujer cuyo imperio financiero se basaba en el fraude. Gracias a sus primeros años en un bufete de abogados, Matisse pudo ocuparse con gran eficacia en la organización de la defensa de su suegro. Cuando todos a su alrededor perdieron la cabeza, rompieron a llorar y sintieron algo más que lástima de sí mismos, Henri Matisse se ocupó de sus problemas uno por uno. El calvario había pasado factura, en más de un sentido. Sus médicos ordenaron a Matisse que fuera a Bohain y se tomara dos meses de reposo absoluto. Amélie había perdido tanto su sombrerería como el apartamento de la calle de Châteaudun. Por primera vez, Henri, Amélie y los tres niños se reunieron en Bohain, sin tener otro lugar adonde ir. Hillary Spurling, una de las biógrafas de Matisse, afirma que los recuerdos de Amélie de aquella desgracia pública alimentaron una "sospecha del mundo exterior" que siempre marcaría a la familia Matisse. La familia Matisse formaba una especie de unidad hermética que giraba en torno a la obra y la profesión del artista. Encajaban sus actividades en función de sus descansos y sesiones de trabajo. El silencio era esencial. Incluso durante los años en que Matisse vivió casi siempre solo en Niza, un ritual anual de desembalar, estirar, enmarcar y colgar terminaba con toda la familia instalada para responder a los cuadros. La conferencia podría durar varios días. Después se admitió a los traficantes. Matisse y su esposa habían tenido dos hijos, Jean (nacido en 1899) y Pierre (nacido en 1900). He no siempre estaba en paz con su familia. An He escribió que sus puntos de vista no siempre estaban de acuerdo "lo que me perturba considerablemente en mi trabajo, para el que necesito la calma más completa y de quienes me rodean, una serenidad que no puedo encontrar aquí". Tengo intención de trasladarme a un pueblo a unas leguas de aquí". Pierre, su hermano Jean y Marguerite permanecieron cerca de su padre a través de todas las vicisitudes, y Matisse, en sus últimos años de invalidez, se dedicó a sus varios nietos. En 1899, en una época en la que sus pinturas mostraban un talento rebelde pero no una dirección muy clara, Matisse empezó a asistir a clases de modelado en arcilla y escultura. Encargado de copiar una de las obras maestras escultóricas del Louvre, eligió Jaguar devorando una liebre, una obra violentamente precisa de Antoine-Louis Barye. Más tarde, cuando sus pinturas parecían atascadas, recurría a la escultura para organizar sus pensamientos y sensaciones. Influido por las obras de los postimpresionistas Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Paul Signac, y también por el arte japonés, Matisse hizo del color un elemento crucial de sus cuadros. Matisse dijo: "En el arte moderno, es indudablemente a Cézanne a quien más debo". Estudiando los planos fragmentados de Cézanne -que ampliaban la idea del bodegón hasta una contemplación forzada de las propias superficies de color-, Matisse pudo reconstruir su propia filosofía del bodegón. Muchos de sus cuadros de 1899 a 1905 utilizan una técnica puntillista adoptada de Signac. En 1898, fue a Londres a estudiar los cuadros de J.M.W. Turner y luego hizo un viaje a Córcega. Tras años de pobreza, Matisse atravesó su "periodo oscuro" (1902-03), pasó brevemente al naturalismo, volvió a una paleta oscura y en 1903 dijo a sus amigos que había perdido todo deseo de pintar y que casi había decidido abandonar. Afortunadamente, Matisse pudo ganar algo de dinero pintando un friso para la Exposición Universal del Grand Palais de París. También viajó mucho a principios del siglo XX, cuando el turismo era todavía una idea nueva. Gracias al ferrocarril, los barcos de vapor y otras formas de transporte que aparecieron durante la revolución industrial, viajar se convirtió en un pasatiempo popular. Como turista culto, desarrolló su arte con dosis regulares de viajes. FAUVISMO La carrera de Matisse puede dividirse en varios periodos que cambiaron estilísticamente, pero su objetivo subyacente siempre fue el mismo: descubrir "el carácter esencial de las cosas" y producir un arte "de equilibrio, pureza y serenidad", como él mismo dijo. Los cambiantes entornos de estudio parecen haber tenido siempre un efecto significativo en el estilo de su obra. En estos primeros años de lucha, Matisse estableció su agenda artística revolucionaria. No tuvo en cuenta la perspectiva, abolió las sombras, repudió la distinción académica entre línea y color. Intentaba derrocar una forma de ver evolucionada y aceptada por el mundo occidental durante siglos, sustituyéndola por una subjetividad consciente en lugar de la tradicional ilusión de objetividad . Matisse entró en el mundo del arte de vanguardia en los primeros años de la nueva década. Exploró la escena del arte moderno visitando con frecuencia galerías como Durand-Ruel y Vollard, donde conoció obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. La primera exposición individual de Matisse tuvo lugar en 1904, sin mucho éxito. El 16 de mayo de 1905 llegó al encantador puerto catalán de Collioure, en el sur de Francia. Pronto invitó al pintor André Derain (1880-1954), 11 años menor que él, a unirse a él. En 1905, Matisse era considerado la punta de lanza del movimiento fauve en Francia, caracterizado por su espontaneidad y rudeza de ejecución, así como por el uso del color crudo directamente de la paleta al lienzo. Matisse combinó el color puntillista y la forma de Cézanne de estructurar el espacio pictórico trazo a trazo para desarrollar el fauvismo, una forma menos de ver el mundo que de sentirlo con los ojos. Cuando el verano fauvista llegó a su fin, Derain abandonó Collioure con 30 cuadros, 20 dibujos y unos 50 bocetos, para no volver jamás, mientras que Matisse partió unos días más tarde trayendo de vuelta a París 15 cuadros acabados, 40 acuarelas, más de 100 dibujos. Volvió a Collioure en los veranos de 1906, 1907, 1911 y 1914. A lo largo de su vida, la atracción del sol siempre demostró tener un poder restaurador para el artista, especialmente tras periodos de gran esfuerzo emocional. Cuando las obras fauvistas se expusieron por primera vez en el Salón de Otoño de París, provocaron un escándalo. Testigos presenciales hablan de las risas que emanaban de la sala VII, donde estaban expuestos. Gertrud Stein, una de las futuras partidarias más importantes de Matisse, contaba que la gente arañaba los lienzos con sorna. "Se ha lanzado un bote de pintura a la cara del público" fue la reacción de la crítica Camille Mauclair. Louis Vauxcelles describió la obra con la histórica frase "¡Donatello au milieu des fauves!". (Donatello entre las fieras), refiriéndose a una escultura de tipo renacentista que compartía habitación con ellos. Su comentario se publicó el 17 de octubre de 1905 en el diario Gil Blas y pasó al uso popular. El propio Derain llamó más tarde al color de los Fauves "cartuchos de dinamita". El cuadro señalado para los ataques fue Mujer con sombrero de Matisse, un retrato de Madame Matisse. Este cuadro fue comprado por Gertrude y Leo Stein, hecho que tuvo un efecto muy positivo en Matisse, que estaba desmoralizado por la mala acogida de su obra. Matisse continuó sus experimentos en Collioure, visibles en el cuadro La ventana abierta y la vista de Collioure , obra también característica del fauvismo por su color crudo y su desprecio por los detalles. Estas dos obras sobre el paisaje del Mediterráneo francés presentan una clara evolución hacia el estilo espontáneo y desinhibido. Además de André Derain, Georges Braque, Raoul Dufy y Maurice Vlaminck también formaron parte del movimiento fauvista. Sin embargo, los amigos íntimos de Matisse entre los artistas eran en su mayoría pintores menores desenvueltos, como Albert Marquet. La soledad temperamental de Matisse le hizo presa de vertiginosas depresiones. Más tarde recordó una crisis nerviosa que sufrió en España, en 1910: "Mi cama tembló, y de mi garganta salió un gritito agudo que no pude parar". Desde el principio de su carrera, las mujeres fueron uno de los motivos cardinales de la producción del artista. Su Alegría de vivir (1906) nos adentra en un mundo de alucinante viveza compuesto por ninfas situadas en un idílico campo abierto vestidas de color puro y contorno sensual. Dos mujeres descansan a la luz del sol mientras otras dos charlan en el linde del bosque. Una se agacha para coger unas flores mientras su compañera teje una cadena de ellas en su pelo. Una pareja se abraza mientras otro grupo baila una animada ronda a lo lejos. De este modo, la Alegría de Vivir representa a las ninfas del bosque participando en una celebración de su vida, su feminidad y su sexualidad. Debido a la recurrente incidencia de mujeres desnudas y a la interpretación intensamente sensual, muchos observadores han supuesto que, como hombre, Matisse debió de ser un hedonista. Por el contrario, el examen histórico demuestra que, en realidad, era más bien un norteño que se abnegaba a sí mismo, que sólo vivía para trabajar, y lo hacía con angustia crónica, pánico recurrente y en medio de crisis nerviosas periódicas. Mientras Picasso se recompensaba, sobre la marcha, con gratificaciones de juego intelectual y erótico, Matisse no lo hacía. En una época de ideologías, Matisse esquivó todas las ideas excepto quizá una: que el arte es la vida por otros medios. A menudo se cree que la desinhibida celebración que Matisse hacía de las mujeres se inició a partir del cuadro de Cézanne Tres bañistas (1882) (que había adquirido para sí junto con un Van Gogh y un Gauguin). Sin embargo, Matisse representa a las mujeres como criadoras, acogedoras, y a diferencia de la presencia prohibitiva y maciza como la arcilla de las de Paul Cézanne. FAME El declive del movimiento fauvista, después de 1906, no impidió el ascenso de Matisse. De 1906 a 1917 vivió en París y estableció su casa, estudio y escuela en el Hôtel Biron. Entre sus vecinos se encuentran el escultor Auguste Rodin, el escritor Jean Cocteau y la bailarina Isadora Duncan. Muchas de sus mejores obras fueron creadas en este periodo, cuando formaba parte activa de la gran reunión de talentos artísticos de Montparnasse, aunque no encajara del todo con su aspecto conservador y sus estrictos hábitos de trabajo burgueses. De hecho, el objetivo del arte de Matisse era algo menos que revolucionario. En 1908, en una célebre declaración extraída de "Notas de un pintor", Matisse declaró como su ideal un arte "para todo trabajador mental, tanto para el hombre de negocios como para el hombre de letras, por ejemplo, una influencia tranquilizadora y calmante sobre la mente, algo así como un buen sillón que proporciona relajación frente a la fatiga física." Los hábitos personales de Matisse eran increíblemente regulares. En un día normal se levantaba temprano y trabajaba toda la mañana, con una segunda sesión de trabajo después de comer, seguida de práctica de violín, una cena sencilla (sopa de verduras, dos huevos duros, ensalada y un vaso de vino) y a acostarse temprano. En 1906, creó una serie de 12 litografías, todas ellas variaciones sobre el tema de un desnudo sentado. Decidió compartir su obra gráfica con el público casi de inmediato. Las litografías se expusieron en la Galería Druet de París el mismo año de su realización, y las xilografías se expusieron en el Salón de los Independientes en la primavera de 1907. En 1907, Appolinaire, comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, dijo: "No estamos ante una empresa extravagante o extremista: El arte de Matisse es eminentemente razonable". A pesar de la fama recién adquirida, la obra de Matisse seguía recibiendo críticas vehementes y le resultaba difícil mantener a su familia. Su controvertido cuadro Desnudo azul de 1907 fue quemado en efigie en el Armory Show de Chicago en 1913. Contrariamente al destino de los impresionistas, Matisse y otros fauves pudieron exponer en galerías de arte. En 1908 Paul Cassirer, el Marchante de arte y editor alemán que desempeñó un papel importante en la promoción de la obra de los impresionistas y postimpresionistas franceses, organizó una exposición de obras de Matisse en Berlín. Ese mismo año, el fotógrafo estadounidense Alfred Stieglitz, de Nueva York, le organizó una exposición individual en su pequeña galería de Manhattan, llamada 291, que introdujo a Matisse en el poderoso mercado del arte estadounidense. En la primera década de su notoriedad como líder de los Fauves, Matisse era más admirado por los extranjeros que por los franceses. Al fin y al cabo, fueron los rusos y los estadounidenses quienes adquirieron importantes colecciones de sus primeras obras casi tan rápido como las crearon. Los grandes Matisses que vemos hoy en los museos de París fueron adquiridos en su mayoría después de la muerte del artista, en sustitución de los derechos de defunción. Los franceses tardaron bastante más tiempo en comprender la grandeza de Matisse -mucho más, desde luego, que el grupo internacional de aspirantes a talentos que acudían a sus clases cuando aún era una de las figuras más controvertidas de la vanguardia parisina. En el verano de 1907, Matisse y su esposa emprendieron un largo viaje a Italia "por trabajo y placer", visitando Venecia y Padua, donde admiraron los frescos de Giotto. En Florencia fueron huéspedes de los Stein en su villa de Fiesole. Desde esta base, Matisse visitó Arezzo, para estudiar a Piero della Francesca, y Siena, atraído por los primeros pintores sieneses, en especial, Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN Y LAS HERMANAS CONO Durante la primera década del siglo XX, los estadounidenses residentes en París Gertrude Stein, sus hermanos Leo Stein, Michael Stein y la esposa de Michael, Sarah, se interesaron vivamente por el arte de Matisse. Además, los dos amigos de Gertrude Stein de Baltimore. Clarabel y Etta Cone se convirtieron en grandes mecenas de Matisse y Picasso, coleccionando cientos de sus obras. Las hermanas Cone adquirieron su primer Matisse en 1906 y, durante las cuatro décadas siguientes, formaron una de las mayores colecciones de su arte del mundo. La Colección Cone no sólo contiene obras importantes de todas las fases de la larga carrera de Matisse, sino que refleja el especial interés de las hermanas por su periodo de Niza, cuando una nueva complejidad de formas y psicología se introdujo en el encanto de la superficie, siempre intensa, de sus cuadros. En abril de 1906, durante una reunión en casa de la legendaria Gertrude Stein, Matisse conoció a Pablo Picasso, 11 años más joven. Picasso y Matisse eran polos opuestos estéticamente y sus estilos de vida no lo eran menos. Matisse, notablemente más alto y pulido que el fornido y engreído catalán, reinaba entonces en la turbulenta escena artística vanguardista de París. Se decía que ambos se miraban siempre por encima del hombro. Es bien sabido que, cuando creció su rivalidad, tomaron partido. Picasso dijo más tarde: "Nadie ha mirado los cuadros de Matisse con más atención que yo; y nadie ha mirado los míos con más atención que él". Una diferencia clave entre sus conceptos pictóricos era que Matisse dibujaba y pintaba a partir de la naturaleza, mientras que Picasso se inclinaba mucho más por trabajar a partir de la imaginación. Los temas pintados con más frecuencia por ambos artistas fueron las mujeres y las naturalezas muertas, siendo Matisse más propenso a situar sus figuras en interiores plenamente realizados. Gertrude Stein, a quien le encantaba agitar las cosas, escribió: "el sentimiento entre los picassoístas y los matisseístas se volvió amargo". Aunque Matisse señaló secamente que "nuestras disputas siempre fueron amistosas", cabe señalar que Picasso y sus amigos lanzaron dardos con ventosas al Retrato de Margarita de Matisse de 1906 (que Picasso había obtenido en un intercambio por su propia Jarra, cuenco y limón, de 1907). Aunque la brecha entre los dos artistas acabó por cerrarse, la que existía entre sus seguidores permaneció. ACADEMIA MATISSE DE PARÍS Y SERGEI SHCHUKIN En 1909, la familia Matisse vivía en un antiguo convento del bulevar de los Inválidos, en París, donde el artista dirigía una escuela de pintura. Su inmensa notoriedad, confirmada en 1905-06 por La alegría de vivir, una obra que parecía tirar por tierra toda norma posible de orden pictórico y delicadeza pictórica.Sus amigos organizaron y financiaron la Académie Matisse de París, una escuela privada y no comercial en la que Matisse instruía a jóvenes artistas. Funcionó desde 1911 hasta 1917. Hans Purrmann y Sarah Stein fueron algunos de sus alumnos más fieles. Aunque sólo duró tres años (1908-11), durante su breve existencia la Académie Matisse se convirtió en una de las principales encrucijadas de la pintura moderna para numerosos artistas europeos y americanos de talento. Dada la reputación que Matisse había adquirido como el "hombre salvaje" del color modernista, debió de resultar chocante para algunos de sus primeros alumnos que el programa de instrucción que ofrecía fuera notablemente conservador. Como Jean Heiberg, el primer noruego que se matriculó en la Academia, escribió más tarde en unas memorias: "La escuela había adquirido, por sugerencia de Matisse, una copia de dos esculturas antiguas del Louvre, Marte y una escultura arcaica, que él utilizaba a menudo para hacer demostraciones. De vez en cuando se deshacía por completo del modelo real y sólo dibujábamos a partir de los moldes de escayola, y sus críticas entonces no eran menos provechosas." Entre las alumnas de Matisse estaba Olga Meerson, una judía rusa que había estudiado con Wassily Kandinsky en Múnich y que, poseedora ya de un estilo elegante, trató de rehacerse bajo la tutela de Matisse. Amélie sospechaba lo peor. Tal vez una combinación de los celos de Amélie y de Meerson necesidad provocó una Matisse para terminar la conexión, con mal rollo por todas partes. Meerson se trasladó a Múnich, donde se casó con el músico Heinz Pringsheim, cuñado de Thomas Mann. Al no haber cumplido nunca su promesa como pintora, se suicidó en Berlín, en 1929. Uno de los biógrafos de Matisse, con acceso a gran parte de la correspondencia del artista, sostiene que éste, tras su matrimonio, rara vez, o nunca, mantuvo relaciones sexuales con modelos, a pesar de sus aparentes sentimientos por muchas de ellas. A principios del siglo XX destacaron dos coleccionistas de arte rusos: el comerciante de telas Sergei Shchukin (1854-1936) y el fabricante textil Ivan Morozov (1871-1921). Ambos adquirieron el arte moderno francés, desarrollaron una sensibilidad para detectar las nuevas tendencias y las dieron a conocer en Rusia. En este periodo, Matisse había iniciado su fecunda asociación con el magnate textil ruso y coleccionista visionario Sergei Shchukin. El artista creó una de sus principales obras, La Danse, especialmente para Shchukin, como parte de un encargo de dos cuadros. Inspirado en una danza circular -tal vez una sardana- que ejecutaban los pescadores en Collioure, este cuadro encarna el choque entre lo sagrado y la realidad. Las manos humanas se unen, pero forman un espíritu divino. Además, Matisse prácticamente abandonó la perspectiva La planitud de la obra hace hincapié en la idea, los colores y el material, una noción que convirtió a Matisse en un modelo para los modernistas. El otro cuadro encargado fue Música, 1909. Shchukin era considerado por algunos casi como coproductor de algunas de las obras más grandes del artista y estaba fuertemente conmutado por la obra del pintor francés. En relación con los violentos ataques contra su amigo, el ruso escribió al artista: "El público está contra ti, pero el futuro es tuyo". En 1914, en la casa de Shchukin en Moscú había treinta y siete Matisses. "Siempre elegía lo mejor", dijo el artista. Durante la revolución política, Lenin expropió en persona la colección de Shchukin, pero permitió que éste permaneciera, en las dependencias de la servidumbre, como cuidador y guía. He murió en París en 1936. La colección se encuentra ahora en los museos Hermitage y Pushkin Aproximadamente de 1911 a 1915, Matisse luchó con las ideas del Cubismo, un experimento en el que sentía que "no participaba" porque no "hablaba con [su] naturaleza profundamente sensorial". MARRUECOS Como muchos artistas de vanguardia de París, Matisse era receptivo a una amplia gama de influencias. Es uno de los primeros pintores que se interesaron por diversas formas de arte "primitivo". Su arte también estuvo profundamente influido por el arte pascaliano. Matisse coqueteó por primera vez con la idea de visitar Marruecos tras un viaje a la parte árabe de España en el invierno de 1910. Este sabor de los moros incitó una llama de esperanza de que habría una mayor inspiración para pintar en Marruecos. Además, conocedor de los temas exóticos de Marruecos que habían servido de inspiración al famoso pintor francés Delacroix cuando visitó el país más de ochenta años antes, Matisse pensó que Marruecos estimularía su genio pictórico de un modo que Europa no podría. He no buscaba ni lo pintoresco ni lo pornográfico. En Marruecos, Matisse parece haber tenido dificultades para encontrar modelos que posaran para él, sobre todo mujeres, a causa de la ley del velo. Sólo estaban exentas las judías y las prostitutas. Por suerte, Matisse encontró a la prostituta Zorah con el fin aunque no la pintó como una prostituta. En cambio, en su primer cuadro de ella, Zorah en Jaune, los temas sexuales brillan por su ausencia en el lienzo. Como prostituta acostumbrada a exponer y alardear de su cuerpo, Zorah podría haberse pintado fácilmente desnuda o con menos ropa para exhibirse, pero en lugar de eso Matisse opta por mantenerla vestida y posar con prudencia. A diferencia de las primitivas mujeres occidentales desnudas de la Alegría de vivir fauve. La Zorah marroquí está vestida con respeto y detalle hacia sus características más finas. Está desarrollando su capacidad para pintar con conciencia de las cualidades no sexuales de su tema, un alejamiento de las mujeres fauves. Muchos de los cuadros marroquíes de Matisse están cubiertos sólo por finísimas capas de pigmento, como si quisiera que se viera la textura del lienzo sin pintar para añadir crudeza a los marrones y grises. Las odaliscas de Matisse han sido descritas como "ficciones elaboradas" en las que el artista recreaba la imagen del harén islámico utilizando modelos francesas que posaban en su apartamento de Niza. Los tejidos, biombos, alfombras, mobiliario y vestuario recordaban el exotismo de "Oriente" y proporcionaban un tema para la preocupación de Matisse por la figura y los elaborados patrones de las telas exóticas. Aunque el interés de Matisse por los tejidos es evidente en sus composiciones realizadas durante su viaje a Marruecos en 1906, no comenzó como una típica atracción europea por lo exótico. Ya lo tenía presente como descendiente de generaciones de tejedores, que se crió entre tejedores en Bohain-en-Vermandois, que en los años 1880 y 90 era un centro de producción de sedas de fantasía para las casas de moda parisinas. Como prácticamente todos sus compatriotas del norte, tenía un aprecio innato por su textura y diseño. Comprendía las propiedades del peso y la suspensión, sabía utilizar alfileres y patrones de papel, y tenía una confianza suprema con las tijeras. Matisse era conocido por ser un ávido coleccionista de telas, desde sus días de estudiante de arte pobre en París hasta los últimos años de su vida, cuando su estudio de Niza rebosaba de alfombras persas, delicados bordados árabes, tapices africanos ricamente coloreados y un sinfín de coloridos cojines, cortinas, trajes, biombos estampados y telas de fondo. Los textiles pronto se convirtieron en el trampolín de sus experimentos radicales con la perspectiva y de un arte basado en patrones decorativos y armonías puras de color y línea. Cuando se mudó de casa, también trasladó sus telas, describiéndolas como "mi biblioteca de trabajo". Fue aumentando la colección durante toda su vida, desde los mercados de Argelia, Marruecos y Tahití hasta las ventas de fin de temporada de la alta costura parisina. El espíritu revitalizador de Marruecos perduraría en la imaginación del artista hasta los recortes de sus últimos años. DESPUÉS DE PARÍS Matisse siguió evolucionando en direcciones inesperadas, aunque nunca llegó a ser un pintor abstracto (si bien algunas de sus obras más aventureras, como la Vista de Notre Dame de 1914 o el Telón Amarillo de 1916 se acercan a ello). Sus motivos eran siempre reconocibles, y la tensión entre el tema y los aspectos formales del cuadro era un concepto central de su ideal artístico. Matisse se trasladó a Niza en 1917 para distanciarse de la actividad bélica, donde los colores brillantes y cálidos le mostraron "lugares más sencillos que no sofocan el espíritu". Su espíritu se hizo fiel a la "claridad plateada de la luz" de Niza, y sólo regresaba a París unos meses cada verano. Los años 1917-30 se conocen como su primer periodo de Niza, en el que su tema principal seguía siendo la figura femenina u odalisca vestida con trajes orientales o en diversas fases de desnudez, representada de pie, sentada o recostada en un lujoso y exótico interior creado por el propio Matisse. Estos cuadros están impregnados de luz meridional, colores brillantes y profusión de motivos decorativos. Emanan la atmósfera sugerente de un harén. En 1929, Matisse suspendió temporalmente la pintura de caballete y viajó a América para formar parte del jurado de la 29ª Carnegie International y, en 1930, pasó algún tiempo en Tahití y Nueva York, así como en Baltimore (Maryland) y Merion (Pensilvania).Nueva York le entusiasmó especialmente. El Dr. Albert Barnes, de Merion, importante coleccionista de arte moderno y propietario de la mayor colección de Matisse de Estados Unidos, encargó al artista que pintara un gran mural para la pinacoteca de dos plantas de su mansión. Matisse eligió el tema de la danza, que le preocupaba desde su primera obra maestra fauve La alegría de vivir. Los estadounidenses ocuparon un lugar destacado entre los mecenas de Matisse a lo largo de toda su carrera, empezando por los Stein (Leo Stein compró La alegría de vivir en el Salón de 1906) e incluyendo a las hermanas Cone de Baltimore y al notoriamente cascarrabias Barnes. La monografía fundacional de Matisse fue escrita en vida por otro estadounidense, Alfred Barr. También fue importante para promover la presencia de Matisse ante el público transatlántico la galería de Manhattan fundada en 1931 por el hijo del artista, Pierre, que siguió siendo una figura destacada en el mundo del arte neoyorquino durante casi seis décadas. Además de a su padre, representó a Balthus, Calder, Dubuffet, Giacometti, Miró, Tanguy y otros, muchos de ellos también amigos. A lo largo de su larga y productiva carrera, Matisse renovó periódicamente sus energías creativas pasando de la pintura al dibujo, la escultura y otras formas de expresión artística. A lo largo de su vida también produjo 12 libros ilustrados que se conocieron como "livre d'artiste" (libro de artista), un tipo específico de libro ilustrado que se hizo común en Francia a finales de siglo. Estos libros eran ediciones limitadas de lujo, destinadas a ser coleccionadas y admiradas como obras de arte, además de leídas. Este proceso comenzó cuando el editor suizo Albert Skira se dirigió por primera vez al maestro moderno en 1930 para ilustrar la obra Poesies, del poeta simbolista francés del siglo XIX Stéphane Mallarmé . Matisse respondió a la invitación de Skira con gran entusiasmo y ese verano dedicó la mayor parte de su atención al encargo mientras residía en París. El resultado fue una colección de 29 bellos grabados, de los que el Museo expondrá 16. La temática, como los propios poemas, varía considerablemente, aunque muchas de las imágenes reflejan las vacaciones de la artista al Pacífico Sur. Los grabados de Matisse de los poemas de Mallarmé están considerados entre sus mejores obras en el medio impreso. En 1941, de nuevo para Skira, Matisse inició uno de sus proyectos de grabado más complicados y exitosos, Florilege des Amours de Ronsard, que ilustraba los poemas de amor del poeta renacentista francés del siglo XVI Pierre de Ronsard. El tema de Ronsard y su fuerte imaginería se prestaban con gracia a los temas favoritos de Matisse: frutas, flores, la forma femenina y retratos. El propio artista seleccionó los poemas y tradujo la obra del francés renacentista al francés contemporáneo para la publicación de la antología DIVORCIO Y RELACIONES FAMILIARES TARDÍAS A pesar de su larga amistad con otros artistas, famosos y oscuros, los días y las noches de Matisse estaban absorbidos por el trabajo solitario. Tocar el violín parecía un consuelo más íntimo para décadas de abusos críticos que el afecto de su mujer y sus hijos. Aunque su matrimonio era todavía algo frágil, los Matisse habían decidido quedarse en Niza cuando expiró su contrato de alquiler en la plaza Charles-Félix en el verano de 1938. Matisse y su esposa se separaron en 1939, después de 41 años, cuando Amélie intentó despedir a la joven y fría Lydia Delectorskaya, una huérfana refugiada de Siberia, que había sido contratada como compañera de Amélie. Sin embargo, el matrimonio de los Matisse no fracasó por una rivalidad romántica, sino por el deseo del artista de valerse por sí mismo. El primer clímax se produjo años antes, en 1913, cuando Amélie se sentó más de cien veces para el Retrato de Madame Matisse. El diario de un amigo informaba entonces. "¡Loco! ¡Llorón! Por la noche recita el Padrenuestro. De día se pelea con su mujer". El retrato, que fue la última obra que entró en la colección de Shchukin, provocó a Matisse "palpitaciones, hipertensión arterial y un tamborileo constante en los oídos". Tal frenesí no era raro cuando Matisse tenía dificultades con un cuadro. Años más tarde, en una carta que le envió, se refirió al cuadro como "aquel que te hizo llorar, pero en el que estás tan guapa". Amélie cedió el liderazgo rutinario de la familia a Marguerite. El retrato de 1913 fue el último que pintó de ella. Matisse y su esposa se reunieron por última vez para discutir los detalles de su separación legal, en julio de 1939. Una de sus disposiciones clave era que todo se dividiría a partes iguales entre la pareja. El encuentro tuvo lugar en París, en la Gare St. Lazare, y duró treinta minutos, durante los cuales Amélie Matisse mantuvo una conversación trivial mientras su marido: "Mi mujer nunca me miraba, pero yo no le quitaba los ojos de encima...", escribió Matisse la noche de aquel último encuentro: "No conseguía decir una palabra.... Me quedé como tallada en madera, jurando que nunca me volverían a coger así". "Voy a intentar aislarme como si siguiera ausente", anunció Matisse en su primer regreso a París desde la separación oficial de su mujer, "saliendo raramente de su apartamento excepto para visitar el cine (su primera película en color, protagonizada por Danny Kaye, fue una revelación)". Tras su despido, Delectorskaya se disparó en el pecho con una pistola, sorprendentemente con un leve efecto. Poco después de que el artista y su esposa se separaran legalmente, Delectorskaya regresó. Llegó con un ramo de margaritas blancas y acianos azules del jardín de su tía el 15 de julio, día de San Enrique. Su colaboración duró hasta la muerte de Matisse en 1954. Su voluntad durante todo el tiempo fue indomable; mecanografiaba, llevaba registros y cuentas meticulosas y pagaba las facturas de la casa. También organizó la correspondencia de Matisse y coordinó sus asuntos comerciales con mano de hierro, además de ser su asistente de estudio y musa. Y cuando la llamaron, incluso recorrió el campo en bicicleta en busca de provisiones durante la guerra. Matisse afirmaba que toda su casa se paralizaba en su ausencia, lo cual, a la luz de lo que Lydia logró, es cualquier cosa, si no un eufemismo. Ante el gélido resentimiento de la familia, el ruso dijo de Matisse: "Sabía cómo apoderarse de la gente y hacerles sentir que eran indispensables. Así era para mí, y así había sido para Mme. Matisse". La vida con Matisse debió de ser agotadora, pero había sido la vocación elegida por Amélie, a lo largo de los años en que vivieron centrados en el estudio. Su papel central en la vida del artista era la seguridad, que el mecenazgo de Shchukin le proporcionaba, junto con una casa considerable en Issy-les-Moulineaux, donde la familia se trasladó en 1909. Sin embargo, en este periodo Matisse estuvo cada vez más ausente. En 1930, sus viajes le llevaron a Estados Unidos, donde Nueva York le entusiasmó, y a Tahití. A Matisse le pareció que Tahití era "a la vez soberbio y aburrido. . . Allí el tiempo es hermoso al amanecer y no cambia hasta la noche. Una felicidad tan inmutable cansa". Buceó en los arrecifes y nunca olvidó los colores de las madreporas y el agua verde absenta; éstos aparecen en recortes como Polinesia, 1946, o El pájaro y el tiburón, 1947, como imágenes de una naturaleza espectacular y, en conjunto, benéfica. En septiembre de 1940 contrató a una suplente temporal para sustituir a su enfermera nocturna habitual. La agencia le envió a una joven enfermera estudiante de veintiún años: Monique Bourgeois. Tras un año en la escuela de enfermería, se dirigió a Niza para encontrar trabajo en la oficina de colocación de la escuela de enfermería. Tuvo suerte. Un artista llamado Henri Matisse buscaba una enfermera nocturna temporal. El 26 de septiembre de 1942 llamó al timbre del apartamento de Matisse en Cimiez. respondió Lydia. Monique apoyaba las almohadas de Matisse, le leía y paseaba con él, y su ingenio pícaro y su conversación directa le encantaban. Rápidamente se sintió cómoda con Matisse y pronto sus conversaciones se volvieron más personales. Matisse hablaba de sí mismo, de su familia y de sus nietos, a los que adoraba. Cuando Matisse pudo, se levantó de la cama y le enseñó a Monique su estudio y sus cuadros. Cuidó de él durante 15 noches, en las que sufrió varios ataques seguidos de fuertes dolores de estómago. El regreso de la enfermera nocturna habitual de Matisse puso fin a las tareas de Monique. Matisse pintó cuatro lienzos de ella, así como numerosos bocetos con carboncillo o tinta. Se sentaba en un bonito pero bastante incómodo asiento de madera con respaldo recto durante dos o tres horas seguidas. Los breves periodos de descanso, no más de un cuarto de hora, los pasábamos en total silencio sorbiendo una taza de té. Su trabajo conjunto culminó en marzo de 1943 con la pintura del Tabac Royal. Cuando terminó su misión, le pidió que posara para él, y ella accedió a regañadientes. "Me sorprendió bastante, porque nunca me habían considerado una belleza", escribió en un libro de 1993 sobre su amistad. "Nunca me di cuenta de si estaba enamorado de mí", dijo en una entrevista de 1992 en la revista Paris-Match. "Yo era un poco como su nieta o su musa, pero él siempre fue un perfecto caballero". La carrera de Monique cambió entonces radicalmente, ya que tomó el velo el 8 de septiembre de 1944 y recibió el nombre de Hermana Jacques-Marie. Matisse se opuso enérgicamente a la decisión de Bourgeois de ingresar en el convento, pero se reconcilió con ella y finalmente decidió hacer realidad el sueño de las hermanas de construir una capilla para su convento. No volvió a ver a Matisse en dos años. Puede que Matisse se diera cuenta tarde de que había cargado a sus hijos con el tipo de presiones para que cumplieran sus normas que había sufrido de su propio padre. Pierre, del niño de La lección de piano dijo de , "Sí, era yo, y no sabes cuánto detestaba aquellas lecciones de piano". La opinión generalizada ha sido que Matisse no fue capaz de trasladar a sus relaciones familiares el éxito que alcanzó en su arte, y que esta disfunción se extendió a su hijo Pierre. Sin embargo, las 829 cartas, que pueden llegar a tener 21 páginas, dan una impresión distinta de la relación entre padre e hijo. Tras la separación definitiva de Henri de su esposa, Pierre se convirtió en el confidente indispensable de su padre. El anciano escribe a su hijo: ''Eres el único miembro de la familia con el que puedo comunicarme''; y de nuevo, conmovedor: ''¿Qué sería de mí si tú ya no estuvieras aquí? Aunque Matisse nunca concedió derechos exclusivos a su hijo para exponer sus cuadros, estuvo íntimamente implicado en la Galería Pierre Matisse como negocio, guiando la carrera de su hijo desde los primeros y valientes días de Pierre como ambicioso inmigrante de 24 años. ''Tienes que llegar con todas las ventajas posibles y mantenerte firme contra todo y contra todos'', escribe Pierre a su padre. Los celos americanos son terribles, y no tienen nada de la cortesía exterior de los celos franceses". Marguerite se había casado con un brillante hombre de letras, Georges Duthuit, que fue el mejor crítico de Matisse en vida; cuando Duthuit le fue infiel, el artista le prohibió escribir sobre su obra. Matisse nunca se muestra tan conmovedor como en su relato de las dos semanas que Marguerite pasó con él tras su huida en 1945. DIBUJO Y ESCULTURA Matisse experimentó con el dibujo durante toda su vida, lo que a menudo le ayudó a resolver problemas compositivos y estilísticos o nuevas ideas. A mediados de la década de 1930, creó una serie de dibujos a pluma sobre el tema del artista y su modelo, mientras que a principios de la década de 1940 concibió sus famosas secuencias de Thèmes et Variations (Temas y Variaciones), obras de trazo delicado, elegantes y sin sombreado, que describen formas simplificadas de figuras femeninas o naturalezas muertas. A finales de los años 40 y principios de los 50, sus dibujos se vuelven más atrevidos, la línea de contorno más gruesa, las formas aún más simplificadas y desprovistas de detalles. La escultura fue otro medio perseguido por Matisse desde sus primeros años, y aunque independiente en la expresión, se utilizó con frecuencia para encontrar una solución a problemas pictóricos o se convirtió en una inspiración para la pintura. "Esculpí como un pintor", dijo Matisse, "no esculpí como un escultor". En la escultura en relieve, podía ocuparse de la masa y la forma del cuerpo en el espacio real, y al mismo tiempo aclarar su sentido de cómo representar la forma humana en el lienzo. Podríamos decir que la mujer representada en este relieve se sitúa entre los reinos de la escultura y la pintura, o entre la realidad tridimensional y la planitud de la representación pintada. Más de la mitad de las esculturas de Matisse fueron realizadas entre 1900 y 1910; también trabajó frecuentemente en series, manipulando la forma y simplificándola a lo largo de los años. Entre sus obras más conocidas figuran la serie de cuatro Relieves de espalda (1903-31), la serie de cinco Cabezas de Jeannette (1910-16) y el Gran desnudo sentado (1925-29). A Matisse se le cita mucho sobre su arte. Lo más probable es que hablara de su propia experiencia como artista en una carta de 1941 a Pierre, refiriéndose a un cuadro especialmente desgarrador de su amigo Georges Rouault: "Un hombre que hace cuadros como el que estábamos contemplando es una criatura infeliz, atormentada día y noche. Se desahoga de su pasión en sus cuadros, pero también a su pesar en la gente que le rodea. Eso es lo que la gente normal nunca entiende. Quieren disfrutar de los productos de los artistas -como se disfruta de la leche de vaca-, pero no pueden soportar las molestias, el barro y las moscas." NUEVAS DIRECCIONES: RECORTES DE PAPEL Gran parte de la fuente de inspiración de Matisse era poética. Al igual que su arte, la poesía o prosa poética que Matisse amaba era íntima, sensual y personal. En sus últimos años desarrolló la práctica de leer poesía cada día temprano, antes de levantar un pincel, un lápiz o una aguja de grabado. Sus fuentes fueron la poesía medieval francesa de Charles d'Orléans y Pierre de Ronsard, así como los escritos más vanguardistas de Stéphane Mallarmé, Henri de Montherlant, Louis Aragon y otros. Matisse señaló que la poesía era como el oxígeno: "igual que cuando saltas de la cama te llenas los pulmones de aire fresco". Esto le mantenía joven de corazón, como un elixir sensual de juventud. Realizó cientos de dibujos, grabados originales y libros ilustrados. Esta última forma de arte incluía lo que Matisse llamaba sus "libros de flores". Eran objetos bellos en sí mismos, inspirados en la tradición del manuscrito medieval. Rostros, partes del cuerpo, amantes, frutas y flores revelan las exquisitas líneas arabescas de Matisse, junto con un extraordinario sentido del color. En el célebre Jazz, por ejemplo, las imágenes se caracterizan por colores brillantes, líneas arremolinadas y arabescos que forman series de formas semejantes a joyas, en temas que van desde el circo a formas femeninas entre el mar. Matisse realizaba sus imágenes a partir de plantillas de colores basadas en recortes de papel. En 1941, a Matisse le diagnosticaron un cáncer y, tras la operación, empezó a utilizar una silla de ruedas. Antes de someterse a una arriesgada operación en Lyon, escribió una angustiosa carta a su hijo Pierre, insistiendo: "Amo a mi familia, de verdad, entrañable y profundamente". Dejó otra carta, para ser entregada en caso de su muerte, haciendo las paces con Amélie. Sin embargo, la extraordinaria creatividad de Matisse no pudo ser frenada. "Une seconde vie", una segunda vida, fue como llamó a los últimos catorce años de su vida. Siguiendo y operando encontró renovadas y energías inesperadas. Este nuevo soplo de vida dio lugar a una extraordinaria explosión de expresión, culminación de medio siglo de trabajo, pero también a una renovación radical que le permitió crear aquello por lo que siempre había luchado: "He necesitado todo ese tiempo para llegar a la etapa en la que puedo decir lo que quiero decir". Hasta su muerte sería atendido por Lydia Delectorskaya, que también había modelado para el artista en numerosas ocasiones. Con la ayuda de ayudantes, se dedicó a crear collages de papel recortado, a menudo a gran escala, llamados gouaches découpés. Maniobrando unas tijeras a través de hojas de papel preparadas, inauguró una nueva fase de su carrera. El recorte no era una abdicación de la pintura y la escultura: él lo llamaba "pintar con tijeras". Matisse dijo: "Sólo lo que he creado después de la enfermedad constituye mi verdadero yo: libre, liberado". Además, la experimentación con los recortes ofreció a Matisse innumerables oportunidades para crear un entorno nuevo y estéticamente agradable: "Como me veo obligado a permanecer a menudo en cama debido a mi estado de salud, he hecho un pequeño jardín a mi alrededor por el que puedo pasear...". Hay hojas, frutos, un pájaro". En 1947 publicó Jazz , un libro de edición limitada que contenía impresiones de coloridos collages de recortes de papel, acompañados de sus pensamientos escritos. En la década de 1940 también trabajó como artista gráfico y realizó ilustraciones en blanco y negro para varios libros. "Las paredes de mi dormitorio están cubiertas de recortes", escribió a Rouveyre en 1948. "Aún no sé qué haré con ellos". SEGUNDA GUERRA MUNDIAL En 1941, su hijo Pierre, informó de que Matisse había sido sometido a una grave operación. Sus amigos intentaron persuadir al anciano artista para que abandonara Francia, pero Matisse dijo: "Si toda la gente con talento abandonara Francia, el país sería mucho más pobre. Empecé una vida de artista muy pobre, y no tengo miedo de volver a ser pobre. . . . El arte tiene su valor; es una búsqueda de la verdad y la verdad es lo único que cuenta". La Segunda Guerra Mundial supuso el colapso total de las estructuras vitales de Matisse: su salud, su matrimonio y el destino desconocido de sus cuadros tanto en Rusia como en la Francia ocupada. En 1943, para escapar a la amenaza de un bombardeo aliado sobre Niza, Henri Matisse se instaló en la Villa Le Rêve , en las afueras de Vence. Construido en 1930 para una familia inglesa, éste sería su hogar y estudio durante los cinco años siguientes, y aquí no sólo pintó y dibujó, sino que también creó la serie Jazz de recortes de papel. Matisse describió este proceso como "dibujar con tijeras", explicando: "Los recortes de papel me permiten dibujar en dos puntos, lo veo como una simplificación. En lugar de dibujar el contorno y ponerle color -uno modificando al otro-, dibujo directamente en color". Realizados entre 1943 y 1944, los 20 recortes de papel collage de Jazz se tradujeron en pochoirs (plantillas), que luego se imprimieron y publicaron en una edición de 270 ejemplares en 1947. La temática de las planchas de Jazz va del circo a la mitología, pasando por la naturaleza. Las láminas van acompañadas de un texto compuesto y escrito a mano por el propio artista. Matisse pretendía que el texto. que expone el papel del artista cumpliera una función principalmente visual. El amor de Matisse por sus palomas y sus gatos Minouche y Coussi quedó conmovedoramente patente en una serie de fotografías tomadas en Villa Le Rêvepor Helene Adant, prima de Lydia Delectorskaya. La pasión de Matisse por los pájaros (y especialmente por las palomas) comenzó durante el verano de 1936. De vuelta en París y paseando por las orillas del río Sena, su La atención se centró en los mercaderes que vendían una variedad de pájaros cantores y palomas enjaulados. Volvía a casa con cinco o seis pájaros a la vez y se deleitaba con sus formas y colores, su plumaje y su canto. Su amor por los pájaros duró el resto de su vida. Casi al final de sus días, Matisse regaló a Picasso, que amaba a los pájaros y tenía canarios y palomas propios, la última de sus palomas de fantasía. Picasso dibujó su retrato en el famoso cartel Paloma de la Paz. Durante la guerra, Matisse se aisló y rara vez expresó sus sentimientos políticos y protegió su arte de la política bajo cualquier circunstancia. Se sabe que creó el reverberante idilio doméstico La lección de piano en el verano de 1916, mientras la muerte se agitaba en Verdún. Durante la Segunda Guerra Mundial, la Resistencia francesa había afectado a las dos mujeres más importantes de su vida, Amélie y Marguerite. Marguerite era mecanógrafa para la resistencia comunista, y Marguerite, que servía de correo, así como su hijo Jean, que participaba en operaciones de sabotaje. (Amélie fue encarcelada durante seis meses; Marguerite fue torturada por la Gestapo, pero escapó de un vagón de ganado que se detuvo de camino a un campo de prisioneros en Alemania durante los caóticos meses finales de la guerra. Matisse, totalmente apolítico, se escandalizó cuando se enteró de que su hija Marguerite lo había sido. CORRESPONDENCIA En los años 1941-1954, Matisse mantuvo una correspondencia única con el dibujante satírico y escritor francés André Rouveyre (1879-1962), en la que se reflejan y refractan su producción e innovación constantes. Es quizá la correspondencia más bella del siglo XX y narra la historia de una amistad significativa. Matisse y Rouveyre se conocieron como jóvenes estudiantes en la Escuela de Bellas Artes de París a finales de la década de 1890, pero el curso de sus vidas pronto fue muy diferente y sus caminos se separaron en gran medida durante los años siguientes. Sólo cuando se reencontraron casualmente durante la guerra, tras la operación de Matisse, se desarrolló su estrecha amistad. A pesar de las notables diferencias entre ambos, Rouveyre, como se desprende de la correspondencia, llegó a seguir de cerca el proceso de trabajo de Matisse. La correspondencia destaca de todas las demás por su extensión y frecuencia -durante largos periodos se escribieron a diario, a veces varias veces al día- y por la abundancia de dibujos, bocetos y sobres decorados de Matisse. Las cartas, caracterizadas por su intimidad y un humor irresistible, hablan tanto de los acontecimientos de la vida cotidiana como de la obra de Matisse y nos proporcionan así una visión única del proceso creativo del artista y de sus pensamientos sobre su vida y su obra. Hacia el final de su vida, Matisse experimentó un renovado estallido de creatividad en una serie de obras de pureza, refinamiento y libertad inigualables: manifestaciones de un verdadero "estilo tardío". La creatividad de Matisse se extendió al ámbito de las artes gráficas y la ilustración de libros, esta última iniciada cuando ya tenía sesenta años, con las ilustraciones de las Poésies (Poesías) de Stéphane Mallarmé (1932). ÚLTIMOS AÑOS: CAPILLA DEL ROSARIO EN VENCE En 1951, Matisse completó un monumental proyecto de cuatro años de diseño del interior, las vidrieras y las decoraciones de la Chapelle du Rosaire de Vence. Este proyecto horrorizó a la jerarquía católica, sino también el mundo del arte contemporáneo, entonces muy influido por el dogma comunista. A menudo se dice que Picasso recomendó a Matisse que decorara un burdel en su lugar. Este proyecto fue fruto de la estrecha amistad entre Matisse y la hermana Jacques-Marie. La cobertura de la prensa no siempre fue tan útil, y los reporteros dieron un tono sensacionalista a la relación entre el artista y la monja. La hermana Jacques-Marie mantiene que nunca ocurrió nada inapropiado entre ellos. Pero su profundo afecto mutuo queda patente en la conversación de ella y en fragmentos leídos de la correspondencia de él. La hermana Jacques-Marie conoció a Matisse en 1942, cuando ella era una estudiante de enfermería llamada Monique Bourgeois y Matisse, a punto de cumplir 70 años y convaleciente de un cáncer intestinal, buscaba una "enfermera de noche joven y guapa". El prestigio de Matisse era tal que pudo financiar en gran medida el proyecto él mismo y una vez finalizado, La capilla se inauguró en 1951 en una ceremonia presidida por el arzobispo de Niza. Al principio desconcertadas, las hermanas del convento llegaron a amar su casta serenidad y color refulgente. Mientras trabajaba, modelos y ayudantes estaban celosamente vigilados, aislados del contacto con el exterior y más o menos confinados en el local. Picasso, acompañado de su amante, Françoise Gilot, era un visitante frecuente y bienvenido. Sin dejar de esgrimirse mutuamente como viejos duelistas, hablaron de arte. La Capilla había tardado cuatro años en terminarse y había agotado a Matisse, que para entonces no podía permanecer de pie durante largos periodos y tenía que sujetar su pincel a un largo palo. Pero en su casa, sentado en su cama o en una silla de ruedas, seguía haciendo recortes al gouache. Después de que Rouveyre se burlara de él por abrazar la religión, Matisse instó a su amigo a mirar su recorte de una mujer desnuda, Zulma, en el Salón de Mayo de París de 1950: "Verás el despertar de los conversos", fue su respuesta. La Gerbe, hojas multicolores que parecen un ramillete de flores, se terminó unos meses antes de su muerte, pero estalla de vida. El artista que casi reinventó el color en la pintura había encontrado ya la libertad en la sencillez de la decoración. "Lo domino", dijo a Rouveyre en una carta. "Estoy seguro de ello". En 1952 se inaugura el Museo Matisse en la localidad natal del artista, Le Cateau-Cambrésis, al que donó 100 de sus obras, valoradas en hasta 14.000.000 de dólares. Matisse murió de un ataque al corazón a la edad de ochenta y cuatro años, el 3 de noviembre de 1954, con Marguerite y Delectorskaya a su lado. Lydia Delectorskaya se marchó inmediatamente con la maleta que había guardado durante quince años. Está enterrado en el cementerio del Monastère Notre Dame de Cimiez y se abrió un Museo Matisse en la zona.

Creador:
(after) Henri Matisse (Francés)
Dimensiones:
Altura: 38 cm (14,97 in)Anchura: 28 cm (11,03 in)Profundidad: 1 mm (0,04 in)
Medio:
Litografía
Movimiento y estilo:
Moderno
Época:
1950-1959
Estado:
Ubicación de la galería:
Collonge Bellerive, Geneve, CH
Número de referencia:
1stDibs: LU16121341043

650 US$

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Categoría

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Materiales

Litografía

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412 US$

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