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Cuno Amiet 1Portrat der Bildhauerin Germaine Richier1950
1950
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Acerca del artículo
Esta obra titulada "Portrat Der Bildhauerin Germaine Richier" 1950 es una litografía en color original del artista suizo Cuno Amiet, 1868-1961. Está firmada a mano y numerada 54/200 a lápiz por el artista. El tamaño de la imagen es 19,5 x 13,25 pulgadas, el tamaño de la hoja es 21 x 14,25 pulgadas. Está en excelentes condiciones, nunca ha sido enmarcado.
Sobre el artista:
Cuno Amiet nació en Soleura y era hijo del canciller del cantón de Soleura, Josef Ignaz Amiet. Asistió a la Kantonsschule Solothurn, donde se graduó con la Matura en 1883. Tras estudiar con el pintor Frank Buchser, asistió a la Academia de Bellas Artes de Múnich* en 1886-88, donde trabó amistad con Giovanni Giacometti. En 1888-92, Giacometti y Amiet continuaron sus estudios en París, donde Amiet estudió en la Académie Julian* con Adolphe-William Bouguereau, Tony Robert-Fleury y Gabriel Ferrier.
Insatisfecho con el arte académico*, Amiet ingresó en la Escuela de Pont-Aven en 1892, donde aprendió de Emile Bernard, Paul Sérusier, Roderic O'Conor y Armand Séguin. En Pont-Aven, llegó a preferir el uso del color puro a la pintura tonal. En 1893, la falta de fondos de Amiet le obligó a regresar a Suiza, donde instaló un estudio en Hellsau. Una primera exposición en la Kunsthalle de Basilea en 1894 fue mal recibida en general. En la década de 1890, Amiet siguió colaborando con Giacometti y sólo tuvo un modesto éxito comercial, hasta que en 1898 le encargaron un retrato de Ferdinand Hodler, cuya obra ejercería posteriormente una gran influencia sobre Amiet. Su fortuna mejoró mucho en la década de 1900, cuando empezó a participar en numerosas exposiciones y concursos europeos, ganando una medalla de plata en la Exposition Universelle* de París por su obra Richesse du soir (1899).
Tras casarse en 1898 con Anna Luder von Hellsau (fallecida en 1951), Amiet se trasladó a Oschwand, donde su casa se convirtió en lugar de reunión de artistas y escritores como Wilhelm Worringer, Arthur Weese, Samuel Singer, Adolf Frey y Hermann Hesse, y donde enseñó a alumnos como Hans Morgenthaler, Hanny Bay, Marc Gonthier, Albert Müller, Josef Müller, Walter Sautter, Werner Miller, Werner Neuhaus y Peter Thalmann.
A finales de los años veinte y en los treinta, Amiet ejecutó numerosas pinturas murales. Un incendio en 1931 en el Münchner Glaspalast destruyó 50 de sus obras más significativas.
Amiet fue miembro de la Comisión Federal Suiza de Arte (1911-15 y 1931-32), miembro del consejo de la Fundación Gottfried Keller (1934-48) y del Kunstmuseum de Berna (1935-48). En 1919 fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Berna. Murió en 1961 en Oschwand.
Amiet creó más de 4.000 cuadros, de los que más de 1.000 son autorretratos. El gran alcance de su obra de 70 años, y la predilección de Amiet por la experimentación, hacen que su obra parezca dispar a primera vista - una constante, sin embargo, es la primacía del color. Sus numerosos cuadros de paisajes representan muchas escenas invernales, jardines y cosechas de fruta. Ferdinand Hodler siguió siendo un punto de referencia constante, aunque las intenciones artísticas de Amiet divergían cada vez más de las de Hodler, a quien Amiet no podía ni quería igualar en su dominio de la escala y la forma monumentales.
Aunque Amiet retomó temas del expresionismo*, sus obras conservan un sentido de la armonía del color basado en la tradición francesa. A principios del siglo XX siguió persiguiendo intenciones principalmente decorativas, pero su obra tardía de los años 40 y 50 se centra en conceptos más abstractos del espacio y la luz, caracterizados por puntos de color y un brillo pastel.
Museos seleccionados:
Museo de Orsay, París: Cuno Amiet, El Gran Invierno, 1904
Museo Van Gogh, Amsterdam: Cuno Amiet, Dos niños, 1907
Museo Brücke, Berlín: Cuno Amiet, Bodegón con flores, 1908 y Descanso del mediodía, 1910
Kunsthaus Zurich: varias obras
Museo de Arte e Historia de Ginebra: Cuno Amiet, Dos desnudos femeninos, 1908
Museo de Bellas Artes de Berna, varias obras
Kunstsammlung der Stadt Basel, Cuno Amiet, Jardín de rosas, 1927
Kunstmuseum Solothurn: varias obras
Kunstmuseum St. Gallen: Cuno Amiet, Madre e hijo, 1908
Aargauer Kunsthaus: varias obras
Colección Ciudad de Lugano: Cuno Amiet, Autorretrato con esposa, 1899
Colección Pictet, Ginebra: varias obras
- Creador:
- Año de creación:1950
- Dimensiones:Altura: 53,34 cm (21 in)Anchura: 36,2 cm (14,25 in)Profundidad: 0,26 mm (0,01 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:San Francisco, CA
- Número de referencia:Vendedor: ami/por/011stDibs: LU66638677842
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Sobre el artista:
Originario de Oaxaca, en el sur de México, el padre de Rufino Tamayo era zapatero y su madre costurera. Algunos relatos afirman que descendía de los indios zapotecas, pero en realidad era "mestizo", es decir, de ascendencia mixta indígena y europea. (Museo de Arte de Santa Bárbara). Comenzó a pintar a los 11 años. Huérfano a los 12 años, Tamayo se trasladó a Ciudad de México, donde fue criado por su tía materna, propietaria de un negocio de venta de fruta al por mayor.
En 1917, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, pero la abandonó poco después para seguir estudios independientes. Cuatro años más tarde, Tamayo fue nombrado diseñador jefe del departamento de dibujos etnográficos del Museo Nacional de Arqueología de la Ciudad de México. Allí se vio rodeado de objetos precolombinos, una inspiración estética que desempeñaría un papel fundamental en su vida. En su propia obra, Tamayo integró las formas y tonos de la cerámica precolombina en sus primeros bodegones y retratos de hombres y mujeres mexicanos.
A principios de la década de 1920 también impartió clases de arte en las escuelas públicas de Ciudad de México. A pesar de su implicación en la historia de México, no suscribía la idea del arte como propaganda nacionalista. El arte moderno mexicano de aquella época estaba dominado por "Los Tres Grandes" : Diego Rivera, Jose Clemente Orozco y David Alfaro Siqueros, pero Tamayo empezó a destacar como alguien 'nuevo' y diferente' por su mezcla de la estética del México postrevolucionario con los artistas de vanguardia de Europa y Estados Unidos.
Tras la Revolución Mexicana, se centró en crear su propia identidad en su obra, expresando lo que él pensaba que era el México tradicional, y negándose a seguir las tendencias políticas de sus artistas contemporáneos. Esto hizo que algunos le vieran como un "traidor" a la causa política, y sintió dificultades para expresarse libremente en su arte. En consecuencia, decidió abandonar México en 1926 y trasladarse a Nueva York, junto con su amigo, el compositor Carlos Chávez. La primera exposición de la obra de Tamayo en Estados Unidos se celebró en la Galería Weyhe de Nueva York ese mismo año. La exposición tuvo éxito, y Tamayo fue elogiado por su condición "auténtica" de mexicano de "herencia indígena", y por su estética modernista internacionalmente atractiva. (Museo de Arte de Santa Bárbara).
A finales de los años treinta y principios de los cuarenta, la Galería Valentine de Nueva York le dedicó exposiciones. Durante nueve años, a partir de 1938, enseñó en la Escuela Dalton de Nueva York.
En 1929, algunos problemas de salud le llevaron a regresar a México para recibir tratamiento. Mientras estuvo allí, aceptó una serie de trabajos como profesor. Durante este periodo mantuvo una relación sentimental con la artista María Izquierdo...
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