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Dan FlavinCartel de invitación histórico para la exposición de 1970 de la Galería ACE Arte minimalista de la luz1970
1970
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Acerca del artículo
Dan Flavin
Raro cartel de invitación para la exposición de la Galería ACE de 1970, 1970
Tipografía y plantilla sobre papel de color
No firmado
Marco incluido
Colocada en el marco de madera vintage original de la galería ACE.
Medidas:
Enmarcado:
17,75" x 17,75" x 1,6 pulgadas
Cartel:
16 pulgadas x 16 pulgadas
Cartel tipográfico y estarcido extremadamente infrecuente diseñado por Dan Flavin con motivo de su exposición de 1970 "Two Cornered Installations in Colored Fluorescent Light from Dan Flavin" en la legendaria Ace Gallery de Los Ángeles. El cartel, como la mayoría de las invitaciones de exposiciones de la época (incluidas las de la galería Leo Castelli de Nueva York) no tenía fecha, ya que estas obras eran muy del momento. Esta obra fue adquirida directamente de la colección de la Galería ACE.
Aparte de la presente obra, nunca hemos visto otro ejemplo de este objeto de coleccionista en ningún otro lugar del mundo, ni en el mercado ni fuera de él (si alguien conoce otros, ¡nos encantaría verlos!).
Más información sobre la legendaria galería ACE y la venta de parte de su colección de arte procedente de la masa de la quiebra, de donde se adquirió la presente obra:
El fundador de la Galería ACE, Douglas Chrismas, abrió su propia tienda de marcos y galería en Vancouver a los 17 años. Su galería se dio a conocer como un lugar donde los artistas de Vancouver podían exponer junto a los grandes neoyorquinos, y tener la sensación de pertenecer a una escena mayor. En los años 60 y principios de los 70 llevó a Vancouver (Canadá) a artistas como Robert Rauschenberg, Carl Andre, Sol LeWitt, Bruce Nauman y Donald Judd.
La galería se trasladó a Los Ángeles en 1967, a la antigua Virginia Dwan Gallery de Westwood, y en 1994 se trasladó a Nueva York. Las galerías destacaban por hacer exposiciones de nivel museístico de artistas emergentes y de renombre internacional. Durante su estancia en Nueva York, la presencia de la galería se amplió realizando exposiciones en colaboración con instituciones culturales como el Guggenheim Museum y la Fundación Cartier (París). Bajo la dirección de Chrismas, la Galería ACE ha tenido oficinas o galerías en centros artísticos fuera de Estados Unidos, como Ciudad de México, París, Berlín y Pekín.
En 1972, Chrismas montó la instalación de Robert Irwin Room Angle Light Volume en la primera ACE/Venecia, que abrió sus puertas en el 72 de Market Street en 1971. En 1977, ACE organizó exposiciones de obras de Frank Stella y Robert Motherwell, junto con Displaced/Replaced Mass, de Michael Heizer. Instalada en ACE/Venecia, la pieza de Heizer requirió que se excavaran enormes trozos en el suelo de la galería para crear zonas rebajadas capaces de alojar cantos rodados.
En abril de 2016, ACE Gallery salió de un procedimiento de quiebra de tres años bajo la dirección de Sam S. Leslie. En mayo de 2016, el fundador Douglas Chrismas fue cesado de todas sus funciones en la galería.
En julio de 2021, Douglas Chrismas fue detenido por el FBI y acusado de malversación de fondos.
En mayo de 2022, Douglas Chrismas fue condenado a devolver 14,2 millones en beneficios de la venta de arte de ACE, que fueron desviados a cuentas personales.
Chrismas está a la espera de un juicio penal en enero de 2023. Se enfrenta a hasta 15 años de prisión si es declarado culpable.
Controversias
En una demanda interpuesta en 1983 ante un tribunal federal de Los Ángeles, Rauschenberg reclamó 500.000 dólares a la Galería Flow ACE de Chrismas; el artista ganó una sentencia de 140.000 dólares en el juicio de 1984. Finalmente, ambos reconciliaron sus diferencias y, en 1997, Robert Rauschenberg insistió en que la ACE Gallery de Nueva York (junto con el Guggenheim Museum) acogiera su Retrospectiva.
En 1986, Chrismas se declaró inocente después de que el promotor inmobiliario canadiense C. Frederick Stimpson alegara que había vendido indebidamente obras pertenecientes al coleccionista, entre ellas piezas de Andy Warhol y Rauschenberg. Según los términos del acuerdo, Chrismas aceptó pagar a Stimpson 650.000 dólares en un periodo de cinco años. Sigue trabajando con la familia Stimpson en la gestión de sus intereses artísticos.
En 1989, la Galería ACE quiso tomar prestada una obra de Judd junto con la Otoño de 1968 de Carl Andre, ambas propiedad del conde Giuseppe Panza, para una exposición dedicada al arte minimalista titulada Los innovadores entran en la escultura. En lugar de enviar las dos obras a gran escala desde Italia, Panza autorizó a la Galería ACE a refabricar las piezas en Los Ángeles. En los archivos de la colección de Panza hay una serie de certificados firmados por Judd que otorgaban a Panza amplia autoridad sobre las obras de Judd de su colección. Estos certificados "autorizaban a Panza y a sus seguidores a reconstruir el trabajo por diversos motivos", siempre que se siguieran las instrucciones y la documentación proporcionadas por Judd y se notificara a él o a su sucesión. Esto incluía incluso el derecho a hacer "copias de exhibición temporal, siempre que la copia temporal se destruyera después de la exhibición; y el derecho a recrear la obra para ahorrar gastos y dificultades de transporte, siempre que el original se destruyera después". Miwon Kwon, en su relato sobre la especificidad del lugar: "Un lugar tras otro", presenta el relato de la Galería ACE recreando obras de Donald Judd y Carl Andre sin el permiso del artista. Tanto Andre como Judd denunciaron públicamente estas recreaciones como "una burda falsificación" y una "falsificación", en cartas enviadas a Art in America; sin embargo, la fabricación de las piezas fue permitida por la Colección Panza de Italia, propietaria de las obras. A pesar de la confusión que rodeó a las refabricaciones de Panza, tanto Carl Andre como Donald Judd mantuvieron una relación profesional con Douglas Chrismas y la Galería ACE. Andre expuso obras en la Galería ACE en 1997, 2002, 2007, 2011 y en la actualidad. En 2007, la muestra de Carl Andre titulada "Zinc" se expuso en la Galería ACE de Beverly Hills. Donald Judd visitó la exposición "Los innovadores entran en la escultura" de la Galería ACE y accedió a que su escultura permaneciera en la exposición. Una vez terminada la exposición, Chrismas pensaba vender el metal utilizado para la refabricación de la obra de Judd como chatarra, pero Judd quería poseer la refabricación para sí mismo. La Galería ACE vendió entonces la refabricación de la obra de Donald Judd a Donald Judd.
Tras haber consignado obras de arte por valor de más de 4 millones de dólares a la Galería ACE para su venta en 1997 y 1998, el escultor Jannis Kounellis presentó una demanda ante el Tribunal Superior de Los Ángeles en 2006, acusando a Chrismas de quedarse con la mayor parte de los beneficios de las obras de arte y negarse a devolver las piezas que no se vendieron. Según la demanda, el acuerdo principal entre Kounellis y Chrismas era verbal. Chrismas devolvió todas las obras de arte de Kouenllis e hizo un recuento completo de los beneficios de la obra de Kounellis, menos los gastos de exponerla. El asunto se resolvió entre ambos y la Galería ACE sigue vendiendo y exponiendo la obra de Kounellis en la actualidad.
En 2006, Chrismas se había acogido a la protección por quiebra del Capítulo 11 al menos seis veces desde 1982, lo que impedía a la mayoría de sus acreedores cobrar el dinero que se les debía inmediatamente. Chrismas se acogió al Capítulo 11 de la Ley de Quiebras para proteger las extensas propiedades inmobiliarias de la galería frente al problemático arrendador. El arrendador del local de Wilshire Boulevard, Wilshire Dunsmuir Company, alegó que ACE adeudaba alquileres atrasados y sanciones, pero Douglas Chrismas rebatió la alegación. En los documentos judiciales, Chrismas Fine Art afirmaba que subsanaría "la deuda anterior a la petición" antes del 1 de febrero de 2000, y pedía al tribunal que protegiera su derecho a permanecer en la propiedad. Una declaración presentada por Douglas Chrismas caracterizaba este arrendamiento como el activo principal de la empresa.
-Cortesía Wikipedia
Sobre Dan Flavin
Dan Flavin (1933-1996) fue un pionero del Arte Mínimo. Saltó a la fama en la década de 1960 con su trabajo con tubos fluorescentes fabricados industrialmente, inventando una nueva forma de arte y asegurando su lugar en la historia del arte. La exposición del Kunstmuseum de Basilea se centra en sus obras dedicadas a otros artistas o que hacen referencia a determinados acontecimientos.
En 1963, Dan Flavin montó un único tubo fluorescente industrial en un ángulo de 45 grados en la pared de su estudio, declarándolo arte; el acto fue radical, y sigue siéndolo. De hecho, gracias a esta acción se introducirían en el arte productos comerciales estándar: El naciente Arte Mínimo de la época hacía hincapié en la serialidad, la reducción y la materialidad. Irónicamente, aunque el autodidacta Flavin nunca buscó afiliarse a este movimiento artístico, se convertiría, literalmente, en uno de sus exponentes más ilustres.
Flavin empezó a trabajar con tubos de luz fluorescente a partir de principios de la década de 1960; dispuestos en las denominadas "situaciones", los desarrollaría posteriormente en series e instalaciones a gran escala. Los colores y las dimensiones de los materiales que utilizaba estaban prescritos por la producción industrial. Inundados de luz, los propios espectadores se convierten en parte de las obras: El espacio, junto con los objetos que contiene, se ponen en relación entre sí y se convierten así en experiencias inmersivas de arte que desencadenan vivencias sensuales, casi espirituales.
Flavin liberó el color de la bidimensionalidad de la pintura. Hasta la fecha, la percepción predominante de sus obras luminosas se ha centrado en gran medida en su aspecto minimalista e industrial y, por tanto, en la simplicidad inherente a su belleza. La exposición del Kunstmuseum de Basilea, por el contrario, hace hincapié en contemplar la obra de Flavin en un entorno menos familiar: Sus piezas, aunque inicialmente sin firma claramente reconocible, a menudo hacen referencia en sus títulos a acontecimientos concretos, como las atrocidades de la guerra o la violencia policial, o están dedicadas a otros artistas, como en la obra Sin título (en memoria de Urs Graf), que todas las noches llena de luz colorida el patio interior de la Hauptbau.
Cortesía de la Galería David Zwirner
- Creador:Dan Flavin (1933-1996, Americana)
- Año de creación:1970
- Dimensiones:Altura: 45,09 cm (17,75 in)Anchura: 45,09 cm (17,75 in)Profundidad: 4,07 cm (1,6 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:Excelente estado original; esta obra era un póster y tiene los pliegues originales tal como se emitió (ver fotos de cerca).
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745214027502
Dan Flavin
Dan Flavin (1933-1996) fue un destacado artista estadounidense conocido sobre todo por sus instalaciones luminosas y escultóricas. Pionero del minimalismo, Flavin transformó objetos industriales comunes, como los fluorescentes, en instalaciones geométricas transformadoras. En el espíritu de los readymades de Marcel Duchamp, Flavin se abstuvo de alterar los objetos y llegó a emplear colores predeterminados de fábrica para su estricta paleta de rojo, azul, verde, rosa, amarillo, ultravioleta y cuatro tonos diferentes de blanco. Las composiciones geométricas de Flavin eran un estudio explícito del color, la luz y el espacio. Sin apenas producción técnica, Flavin pudo dar prioridad a la instalación y disposición de los materiales, centrándose en cómo cooperaban con el espacio y en la forma en que el espectador podría experimentar la exposición.
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