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Sadao WatanabeTres hombres defendiendo un fuerte1972
1972
Acerca del artículo
Esta obra de arte, "Tres hombres defendiendo un fuerte" 1972, es una plantilla original en color sobre papel momigami arrugado a mano. Está firmada a mano, fechada y numerada 5/20 en tinta negra por el artista. El tamaño de la obra de arte es de 26,5 x 22,5 pulgadas, el tamaño enmarcado es de 36 x 31,75 pulgadas. Está enmarcada a medida en un marco dorado de madera, con paspartú de tela y separador de color negro. Está en excelentes condiciones.
Sobre el artista:
Sadao Watanabe, nacido y criado en Tokio, fue un grabador japonés del siglo XX. Era famoso por sus grabados bíblicos realizados según la tradición mingei (arte popular) de Japón. Como alumno del maestro del tinte textil Serizawa Keisuke (1895-1984), Watanabe estuvo asociado al movimiento mingei (arte popular).
Su padre murió cuando Watanabe tenía diez años. Abandonó los estudios a una edad temprana y se hizo aprendiz en una tintorería. Una mujer cristiana de su barrio invitó al niño huérfano de padre a ir a la iglesia con ella. A los diecisiete años, Watanabe recibió el bautismo.
El joven Watababe trabajó en tintorerías, esbozando patrones y tiñendo ropa. En 1937, un año después de que Yanagi Soetsu (1889-1961), padre del movimiento mingei (arte popular) japonés, creara el Museo de Arte Popular, Watanabe, de 24 años, vio una exposición de la obra de Serizawa Keisuke (1895-1984). El acontecimiento sembró las semillas del empeño artístico de Watanabe. Unos años más tarde, Watanabe asistió a un grupo de estudio en el que Serizawa enseñaba su técnica katazome de estarcido y teñido, originaria de Okinawa. A partir de entonces, la relación de maestro y alumno entre Serizawa y Watanabe se hizo fuerte y duradera.
El tema de los grabados de Watanabe es exclusivamente el evangelio representado con el enfoque mingei (arte popular). Influido por las estampas de figuras budistas, Watanabe situó los temas bíblicos en un contexto japonés. En La Última Cena (1981), Watanabe representa a los discípulos en kimono. Sobre la mesa hay botellas de sake y sushi.
Watanabe utiliza papel kozo (de morera) y momigami (papel amasado). El papel momigami se arrugaba a mano, se estrujaba y se arrugaba para dar una calidad áspera a las impresiones. El método katazome utiliza pigmentos orgánicos y minerales tradicionales en un medio de leche de soja. La proteína de la leche fijaba los colores a la superficie del papel. El uso de materiales naturales es una de las características del mingei (arte popular).
En 1958, Watanabe recibió el primer premio en la Exposición de Grabado Japonés Moderno celebrada en Nueva York por La Serpiente de Bronce, que mostraba a Moisés y al pueblo de Israel. Kiku [Escuchar] (1960), de Watanabe, apareció en La estampa japonesa moderna (1962), del novelista James Michener, libro que dio a conocer a diez artistas sosaku hanga al público occidental.
El Museo Vaticano, el Museo Británico, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio y muchos otros museos importantes del mundo habían expuesto obras de Watanabe. Durante el gobierno del presidente Lyndon Johnson, los grabados de Watanabe se colgaron en la Casa Blanca.
Watanabe comentó una vez que prefería que sus grabados colgaran en los lugares ordinarios de la vida: "Lo que más me gustaría es verlos [sus grabados] colgados donde la gente se reúne habitualmente, porque Jesús trajo el evangelio para la gente". Tal es la filosofía mingei del arte para el pueblo y por el pueblo.
Referencias
- Pyle, Anne H. H. (abril de 2000), "Una fe cristiana en la tradición del arte popular japonés: El arte de Sadao Watanabe (1913-1996)", Revista Arts: 20-29.
- Watanabe, Sadao; Takenaka, Masao (1986), Grabados bíblicos, Tokio: Shinkyo Shuppansha.
- Watanabe, Sadao (2000), Imprimiendo la Palabra: el Arte de Sadao Watanabe, Nueva York: Sociedad Bíblica Americana.
- Escuchando la Voz del Cielo, Sadao Watanabe, Estampas Bíblicas, Museo de Arte Brauer, 2010, Valparaíso.
- Creador:Sadao Watanabe (1913 - 1998, Japonés)
- Año de creación:1972
- Dimensiones:Altura: 91,44 cm (36 in)Anchura: 80,65 cm (31,75 in)Profundidad: 3,43 cm (1,35 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:San Francisco, CA
- Número de referencia:Vendedor: wat/thr/men/011stDibs: LU66635765371
Sadao Watanabe
Sadao Watanabe, nacido en Tokio en 1913, utilizó el medio llamado kappazuri ("impresión por estarcido"), una técnica relacionada con el 'katazome' ("teñido por estarcido"). Se dice que el 'katazome' se originó en Okinawa (allí el método se llamaba 'bingata'). El papel más utilizado en Japón para la impresión por estarcido se llama "shibugami" y está hecho de varias capas de papel "kozo" laminado con tanino de caqui. Las láminas se secan y se curan al humo para fortalecerlas y hacerlas flexibles e impermeables. Una vez que el artista realiza el dibujo, éste se fija al "shibugami" con un fino adhesivo. A continuación, el patrón básico se talla en una plantilla de "impresión clave" (el equivalente al bloque clave en la impresión xilográfica) llamada "omogata". Si también se van a utilizar colores para el diseño final, a veces se cortan plantillas separadas para cada color. Si el patrón de la plantilla tiene líneas finas, pueden reforzarse con una gasa de seda, que sigue permitiendo una impresión uniforme de los colores. La primera etapa del proceso de impresión consiste en la aplicación y el secado de una pasta resistente a los tintes para cubrir todas las partes del diseño que quedarán sin imprimir. A continuación, los motivos y los colores pueden cepillarse sobre la plantilla afectando únicamente a las zonas sin pasta resistente. Normalmente, los primeros colores que se imprimen son los de las zonas más claras para poder sobreimprimir los colores más oscuros. Una vez impresos y secos todos los colores, se utiliza finalmente la plantilla de impresión de llaves para imprimir el diseño de la llave sobre todos los colores anteriores. A continuación se lava la pasta resistente al tinte (lo que se denomina "mizumoto", "lavar con agua") y se seca el papel sobre una tabla de madera. Watanabe solía imprimir sobre un fondo de color, por lo que primero aplicaba un color al papel. Watanabe, que se bautizó cristiano en 1930, basó sus diseños exclusivamente en temas bíblicos, aunque sus historias y figuras cristianas se interpretan a través de un filtro de técnicas tradicionales japonesas e incluso de algunos grabados antiguos de figuras budistas. El movimiento del arte popular en Japón comenzó en la década de 1930 como un intento de mantener vivas varias artes tradicionales, entre ellas la impresión de plantillas. Watanabe fue uno de los primeros miembros de un pequeño pero importante grupo de artistas que se dedicaron a aprender y preservar estas artes. Los emotivos grabados bíblicos de Watanabe son populares en todo el mundo y se han colgado en el Vaticano, la Casa Blanca, museos y colecciones privadas.
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Sobre el artista:
Originario de Oaxaca, en el sur de México, el padre de Rufino Tamayo era zapatero y su madre costurera. Algunos relatos afirman que descendía de los indios zapotecas, pero en realidad era "mestizo", es decir, de ascendencia mixta indígena y europea. (Museo de Arte de Santa Bárbara). Comenzó a pintar a los 11 años. Huérfano a los 12 años, Tamayo se trasladó a Ciudad de México, donde fue criado por su tía materna, propietaria de un negocio de venta de fruta al por mayor.
En 1917, ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Carlos, pero la abandonó poco después para seguir estudios independientes. Cuatro años más tarde, Tamayo fue nombrado diseñador jefe del departamento de dibujos etnográficos del Museo Nacional de Arqueología de la Ciudad de México. Allí se vio rodeado de objetos precolombinos, una inspiración estética que desempeñaría un papel fundamental en su vida. En su propia obra, Tamayo integró las formas y tonos de la cerámica precolombina en sus primeros bodegones y retratos de hombres y mujeres mexicanos.
A principios de la década de 1920 también impartió clases de arte en las escuelas públicas de Ciudad de México. A pesar de su implicación en la historia de México, no suscribía la idea del arte como propaganda nacionalista. El arte moderno mexicano de aquella época estaba dominado por "Los Tres Grandes" : Diego Rivera, Jose Clemente Orozco y David Alfaro Siqueros, pero Tamayo empezó a destacar como alguien 'nuevo' y diferente' por su mezcla de la estética del México postrevolucionario con los artistas de vanguardia de Europa y Estados Unidos.
Tras la Revolución Mexicana, se centró en crear su propia identidad en su obra, expresando lo que él pensaba que era el México tradicional, y negándose a seguir las tendencias políticas de sus artistas contemporáneos. Esto hizo que algunos le vieran como un "traidor" a la causa política, y sintió dificultades para expresarse libremente en su arte. En consecuencia, decidió abandonar México en 1926 y trasladarse a Nueva York, junto con su amigo, el compositor Carlos Chávez. La primera exposición de la obra de Tamayo en Estados Unidos se celebró en la Galería Weyhe de Nueva York ese mismo año. La exposición tuvo éxito, y Tamayo fue elogiado por su condición "auténtica" de mexicano de "herencia indígena", y por su estética modernista internacionalmente atractiva. (Museo de Arte de Santa Bárbara).
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