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Louise Bourgeois & Tracey EminNo me abandones (Firmado a mano con rotulador verde por Tracey Emin)2010
2010
Acerca del artículo
Louise Bourgeois & Tracey Emin
No me abandones (Firmado a mano con rotulador verde en la media página del título por Tracey Emin), 2010
Monografía en tela, tapa dura, sin sobrecubierta (Tracey Emin firma a mano con rotulador verde en la página del título).
Edición limitada de 1.500 ejemplares (ésta está excepcionalmente firmada a mano; la edición normal no está firmada)
Firmado a mano con rotulador verde en la media página del título por Tracey Emin
14 1/4 × 12 1/4 × 1/2 pulgadas
Esta elegante monografía, muy coleccionable, de edición limitada, con cubiertas de tela y sin sobrecubierta, se publicó en una edición limitada declarada de 1.500 ejemplares (la edición normal no estaba firmada) para acompañar la exposición "Louise Bourgeois and Tracey Emin Do Not Abandon Me" (Louise Bourgeois y Tracey Emin no me abandonan) de Carolina Nitsch, NY, del 10 de septiembre al 23 de octubre de 2010 y Hauser & Wirth, Londres, del 18 de febrero al 22 de marzo de 2011.
Firmado a mano con rotulador verde en la media página del título por Tracey Emin.
¡Es un regalo magnífico!
Información sobre el libro:
Editorial: Hauser & Wirth Publishers / Carolina Nitsch (septiembre de 2010)
Inglés; Tapa dura encuadernada; 42 páginas con ilustraciones en color
Nota de la editorial:
No me abandones", una colaboración entre Louise Bourgeois y Tracey Emin, consta de dieciséis obras íntimas realizadas entre 2008 y 2010.
Sobre Tracey Emin:
El autorretrato y el desnudo están presentes en toda su práctica, que Emin ha descrito como "ritos de paso, del tiempo y la edad, y la simple constatación de que siempre estamos solos". Sus primeras obras se refieren a su familia, su infancia y su caótica adolescencia, cuando crecía en la ciudad costera de Margate y se marchaba de casa a los quince años. Lo que ocurrió después se explora, de un modo que no es ni trágico ni sentimental, en el dibujo, la pintura, el cine, la fotografía, la aplicación cosida, la escultura, el neón y la escritura, a medida que las vicisitudes de las relaciones, los embarazos y los abortos se cruzan con su compromiso con las disciplinas formales del arte. Más recientemente, la artista ha experimentado su cuerpo como un campo de batalla, a través de la enfermedad y el envejecimiento, sobre los que informa con su característica intrepidez.
El juguetón título de la primera exposición individual de Emin, My Major Retrospective 1963-1993, sugiere que la artista sentía que, a pesar de estar al principio de su carrera, ya habían ocurrido cosas importantes.Su obsesivo conjunto de recuerdos personales incluía pequeñas fotografías de los cuadros de su escuela de arte que había destruido, un "cementerio fotográfico" que revelaba su admiración por los cuadros de Egon Schiele y Edvard Munch.Detalla esta "suisidia emocional" en el CV Cunt Vernacular (1997) de Tracey Emin, entre varias obras de vídeo tempranas que ofrecen más información sobre su formación como artista, destacando momentos de epifanía mediante el uso de la narración en primera persona. Me di cuenta de que ahí estaba la esencia de la creatividad, ese momento de la concepción", dice en How It Feels (1996), una película fundamental en la que cuenta la historia de su aborto. 'El ser de todo... tenía que ser de dónde venía realmente'. Hablando a cámara mientras pasea por las calles de Londres, llega a la conclusión de que el arte conceptual, como acto de reproducción, es inseparable de la vida interior del artista. Desarrollando esta conexión, la inquietante película Homenaje a Edvard Munch y Todos mis hijos muertos (1998) muestra a la artista en el muelle cercano a la casa de Munch, desnuda y postrada en posición fetal, con el alba elevándose sobre el agua mientras levanta la cabeza y grita: una respuesta gutural a la imagen icónica del gran pintor.
En 1998, Emin creó Mi cama, una presentación sin censura de su hábitat más personal. La cama de matrimonio se ha abstraído de su función al sentarse en el suelo de la galería, en conversación con la historia del arte y escenario de acontecimientos vitales: nacimiento, sueño, sexo, depresión, enfermedad, muerte. La acumulación de objetos reales (zapatillas, preservativos, cigarrillos, botellas vacías, ropa interior) sobre y alrededor de la cama deshecha construye un retrato del artista con una contundente naturalidad, desafiando las convenciones para exponer lo que la mayoría de la gente mantendría en privado. La obra atrajo la atención internacional como parte del Premio Turner, introduciendo a Emin en la conciencia pública. Otra obra que se convirtió en sinónimo de su arte de la divulgación fue la escultura Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, destruida en 2004), en la que los nombres de todas las personas con las que había compartido cama alguna vez -amigos, amantes y familiares- estaban cosidos en el interior de una tienda, un espacio para arrastrarse que invita al espectador a reflexionar sobre su propio inventario.
Explícitamente feminista, y reconociendo la influencia de su amiga y colaboradora Louise Bourgeois, la elección del medio por parte de Emin forma parte integrante de la historia que cuenta. En mantas y colchas bordadas a mano, tradicionalmente asociadas al trabajo femenino, perfora el campo visual con palabras, combinando retazos de distintos materiales con puntadas desiguales para deletrear afirmaciones cuya sintaxis y ortografía permanecen sin corregir. Con títulos como Tracey la loca de Margate. Everyone's been there, (1997) o Helter Fucking Skelter (2001), registran la aguda sensibilidad de la artista a las opiniones de quienes la rodean y dan una réplica, del mismo modo que el medio es una réplica a la clasificación de las bellas artes, durante siglos dominadas por artistas masculinos. Cuando ella misma se convirtió en noticia, tanto a nivel nacional como internacional, Emin utilizó la publicidad para pinchar otras formas de decoro en el mundo profesional del arte, como no dar nunca demasiadas explicaciones. En forma más extensa, sus memorias, Strangeland (2005) ofrecen un relato de su viaje hasta convertirse en "una mujer jodida, loca, anoréxica-alcohólica-sin hijos, hermosa". Nunca soñé que sería así". El texto está plagado de faltas de ortografía que desafían la forma y transmiten una sensación de proceso no filtrado, como ocurrió también con su larga columna periodística para The Independent (2005-09), en la que narraba sus andanzas semanales bajo el título "Mi vida en una columna".
La serie continua de neones de Emin incluye fragmentos de texto con su reconocible letra inclinada, que elevan a aforismos pensamientos y sentimientos fugaces: Tocas mi alma (2020), Te anhelaba (2019) o No creo en el amor, pero creo en ti (2012). Su formulación de afirmaciones en segunda persona tiene el efecto de situar al espectador directamente en la situación, y puede encapsular todo un romance en una frase concisa, como en I want my time with You (2018), un neón de veinte metros de ancho que recibe a los pasajeros en la estación londinense de St Pancras. Parte fundamental de su práctica desde los años 90, los neones evocan las luces del paseo marítimo de Margate, latentes con la sensación del crepúsculo y el glamour desvanecido. Su lugar de nacimiento es un tema permanente; resurge en esculturas a gran escala, donde la madera recuperada y los materiales encontrados se ensamblan en estructuras dentadas que aluden a la playa, el muelle, las cabañas y los indicadores de marea. El famoso parque temático de Margate "Dreamland" aparece en varias obras, entre ellas Autorretrato (2001), que recrea el helter-skelter del parque de atracciones, y No es la forma en que quiero morir (2005), que recuerda la ondulante montaña rusa de madera desvencijada y desgastada, frágil hasta el colapso. Margate es "parte de mí", dice Emin, y mientras mira hacia atrás, ahora mira hacia el futuro con la creación de TKE Studios, una nueva escuela de arte y estudios de artistas.
Las cuestiones de la mortalidad y la centralidad del cuerpo reproductor femenino impulsan La Madre (2021), una de las esculturas públicas más significativas de Emin. Situado permanentemente junto al nuevo Museo Munch de Oslo, marca la muerte de su propia madre y cierra el círculo de su admiración de toda la vida por Munch. Con quince toneladas de bronce y nueve metros de altura, esta mujer con "las piernas abiertas al Fiordo" es visible desde lejos sobre la tierra y el agua, un monumento a la figura femenina como protectora sin comprometer su vulnerabilidad ni su erotismo. Por el contrario, Baby Things (Cosas de bebés), la precisa representación en bronce de Emin de los diminutos zapatos y ropas perdidos de los niños, se instaló como por casualidad en el exterior del Pabellón Británico de la Bienal de Venecia (2007) y en los alrededores de la Trienal de Folkestone (2008), íntimas muestras que podrían provocar inadvertidamente una serie de reacciones, desde el temor por los que más queremos hasta la indiferencia con la que tratamos un objeto desechado.
Últimamente, la obra de Emin se ha visto cargada por la gravedad de su situación médica, ya que en 2020 le diagnosticaron cáncer de vejiga. Los autorretratos tomados con su teléfono con cámara en la cama muestran a la artista enfrentándose a su insomnio "paralizante" a altas horas de la madrugada, y recuperándose de una intervención quirúrgica importante. Sus pinturas de la figura desnuda tienen una energía tempestuosa. La línea gráfica de Emin, a su vez delicada o vigorosa, transmite una sensación de urgencia; con cada gesto abandonado y asertivo, se está desollando a sí misma. Goteos y obliteraciones apuntan a la fluidez del cuerpo, que fluctúa entre la alegría y el sufrimiento en su viaje entre el nacimiento y la muerte. Las explosiones de color aluden a un yo superado por el sentimiento y triunfante de pura sensualidad.
Tracey Emin nació en 1963 en Londres. Actualmente vive y trabaja entre Londres, el sur de Francia y Margate (Reino Unido). Emin ha realizado numerosas exposiciones, entre las que destacan las de la Royal Academy of Arts de Londres (2020), el Museo de Orsay de París (2019), el Castillo de La Coste de Aix-en-Provence (Francia) (2017), el Museo Leopold de Viena (2015), el Museo de Arte Contemporáneo de Miami (2013) y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012); Turner Contemporary, Margate, Reino Unido (2012); Hayward Gallery, Londres (2011); Kunstmuseum Bern (2009); Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo (2008); Centro de Arte Contemporáneo, Málaga, España (2008); Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003); y Stedelijk Museum, Ámsterdam (2002).
En 2007, Emin representó a Gran Bretaña en la 52ª Bienal de Venecia, y su instalación My Bed (Mi cama) se ha incluido en las exposiciones "In Focus" de la Tate Britain con Francis Bacon (2015), la Tate Liverpool con William Blake y también en Turner Contemporary, Margate, junto a JMW Turner (2017). En 2011, Emin fue nombrada Profesora de Dibujo en la Royal Academy of Arts de Londres, y en 2012 fue nombrada Comendadora de la Excelentísima Orden del Imperio Británico por su contribución a las artes visuales.
Cortesía de White Cube
Sobre Louise Bourgeois:
Nacida en Francia en 1911 y trabajando en América desde 1938 hasta su muerte en 2010, Louise Bourgeois está reconocida como una de las artistas más importantes e influyentes del siglo XX. Durante más de siete décadas, el proceso creativo de Bourgeois estuvo alimentado por una realidad introspectiva, a menudo arraigada en catárticas revisitaciones de traumas de la primera infancia y francos exámenes de la sexualidad femenina. Articulada por motivos recurrentes (como partes del cuerpo, casas y arañas), simbolismo personal y liberación psicológica, la complejidad conceptual y estilística de la obra de Bourgeois -que emplea una variedad de géneros, medios y materiales- juega con los poderes de la asociación, la memoria, la fantasía y el miedo.
La obra de Bourgeois está inextricablemente entrelazada con su vida y sus experiencias: sondear las profundidades de la emoción y la psicología a través de planos de expresión bidimensionales y tridimensionales. El arte", comentó una vez en una entrevista, "es la experiencia, la reexperiencia de un trauma". La multiplicidad de formas y materiales de Bourgeois, que surgen de procesos de conceptualización distintos y muy individualizados, representan un juego perpetuo: a la vez incrustan y evocan emociones, para luego disipar y dispersar su alcance psicológico. Empleando motivos, colores dramáticos, densas madejas de hilo y una gran variedad de medios, el distintivo código simbólico de Bourgeois enreda las complejidades de la experiencia humana y la introspección individual.
En lugar de perseguir las preocupaciones formalistas por sí mismas, Bourgeois se esforzó por encontrar los medios más apropiados para expresar sus ideas y emociones, combinando una amplia gama de materiales -variablemente, tela, yeso, látex, mármol y bronce- con un repertorio interminable de objetos encontrados. Aunque su obra abarca la pintura, el dibujo, el grabado y la performance, Bourgeois sigue siendo más conocida por su trabajo en escultura.
Entre las primeras obras de Bourgeois figuran sus inconfundibles "Personajes" de finales de la década de 1940 y principios de la de 1950; una serie de esculturas exentas que hacen referencia a la figura humana y a diversas estructuras urbanas, incluidos rascacielos. Los "Personajes" servían como sustitutos físicos de los amigos y familiares que Bourgeois había dejado en Francia, al tiempo que ponían de manifiesto un interés por la arquitectura que se remontaba a su infancia. Su instalación de estas esculturas como "entornos" agrupados en 1949 y 1950 prefiguró los encuentros inmersivos del arte de la instalación veinte años antes de que el género alcanzara prominencia.
La obra de Bourgeois se incluyó en la exposición seminal "Abstracción excéntrica", comisariada por Lucy Lippard para la Galería Fischbach de Nueva York en 1966. En 1982, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una retrospectiva a su obra, Bourgeois participó en la Documenta IX de 1992 y representó a Estados Unidos en la 45ª Bienal de Venecia de 1993.
En 2001, Bourgeois fue el primer artista encargado de llenar la cavernosa Sala de Turbinas de la Tate Modern. La retrospectiva de 2007 de sus obras en la Tate Modern, que posteriormente viajó al Centro Pompidou de París, al Guggenheim Museum de Nueva York, al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y al Hirshhorn Museum & Sculpture Garden de Washington D.C., consolidó su legado como una de las grandes damas del Modernismo tardío.
- Cortesía de Hauser & Wirth
- Creador:Louise Bourgeois & Tracey Emin
- Año de creación:2010
- Dimensiones:Altura: 36,2 cm (14,25 in)Anchura: 31,12 cm (12,25 in)Profundidad: 1,27 cm (0,5 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:New York, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU1745213546192
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