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Harry Nadler
Espiral del Tiempo II
1986

Name: Espiral del Tiempo II
Brand: Harry Nadler
Price: 1941.93 CHF
Availability: InStock
Rating: 5 (102 reviews)

2085,32 €

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Acerca del artículo

Espiral del Tiempo II Técnica mixta con acrílico sobre papel, 1986 Firmado abajo a la derecha (ver foto) Estado: Excelente Tamaño de la imagen: 35 x 15 1/2 pulgadas Procedencia: Peter Marciniak, New Hampshire Distinguida colección privada del Medio Oeste Selecciona una exposición: 1991 Galería Franz Bader, Washington, D.C. (solo) 1980 Guggenheim Museum, Nueva York, NY 1974 Galería Bertha Schaefer; Nueva York, NY (solo) 1972 Childe Hassam Purchase Show, Instituto Nacional de las Artes y las Letras 1971 "El baño turco de Ingres", Museo del Louvre, París, Francia 1971 Artista invitada, Instituto Tamarindo; Albuquerque, NM 1970 "Dibujos americanos de los años sesenta", New School Art Center; Nueva York, NY 1966 Galería Dorsky, Nueva York, NY (solo) 1962 Galería Dwan; Los Ángeles, CA (solo) 1959 Galería Dwan, Los Ángeles, CA (solo) Colección del Museo: Museo Smithsonian de Arte Americano Museo de Albuquerque, Albuquerque, NM Museo de Arte de Cincinnati, Cincinnati, OH Instituto de Arte de Detroit, Detroit, MI Museo de Bellas Artes, Santa Fe, NM Guggenheim Museum, Nueva York, NY Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México, Albuquerque, NM Centro de Arte de Oklahoma, Oklahoma City, OK Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia, PA Centro de Arte Storm King, Mountainville, NY Universidad Wesleyana, Middletown, CT Museo de Arte Harwood, Taos "Pintor abstracto que vivió en Nueva York; Amagansett, Long Island, y Albuquerque, Nuevo México, Harry Nadler es descrito como un "pintor abstracto formalista de los años 60-90 cuyas obras se caracterizaban por sus ricos colores, transparencias y construcciones laberínticas. -El intento de captar en una imagen puramente abstracta la quintaesencia de la calidad de la luz y el contorno que emanan de un paisaje concreto es una peligrosa ambición pictórica, pero el Sr. Nadler ha afrontado el reto de este problema con notable éxito.˜ (Hilton Kramer, The New York Times, 27 de abril de 1974) Noted Fine Print Publications: Lincoln Center/Fine Art Prints,1990, "En directo desde el Lincoln Center", serigrafía,edición72 Biografía de Harry Nadler DESCRIPCIÓN SIN LUGAR Una historia que Harry me contó y que le pareció una metáfora de su vida y su trabajo fue la de su "pájaro de oro". Un día, cuando tenía ocho años, volvía a casa caminando desde la escuela, una tarea peligrosa para un niño judío en el este de Los Ángeles en los años 30. Llevaba un cuadro que había hecho en la escuela. Tuvo que atravesar un túnel oscuro y tuvo miedo. Su pintura de un hermoso pájaro dorado, que irradiaba colores tropicales, brilló en la oscuridad y perdió todo su miedo. La imagen de la belleza, el vuelo, la oscuridad, y el poder de su propia creación de imágenes, permanecieron con él toda su vida. Descubrió una especie de libertad en la escuela; se graduó a los 16 años, fue a la escuela de arte, se mantuvo como ilustrador para un periódico; luego descubrió un nuevo y amplio mundo de literatura y bellas artes en la Universidad de California, Los Ángeles. Obtuvo una licenciatura y un máster, y su talento como artista se manifestó en ayudantías de enseñanza y en premios de pintura y primeras exposiciones. Su afinidad por la pintura europea era fuerte, y anhelaba ir a Nueva York y sumergirse en los museos y en la obra actual de los expresionistas abstractos. Concedida una beca Fulbright a España en 1960, Harry cumplió su sueño de viajar a Europa y estudiar Los Desastres de la Guerra de Goya en el Prado. Su compromiso por encontrar un lenguaje visual para expresar sus profundas preocupaciones éticas comenzó en esta época. Produjo una serie de obras dedicadas a las víctimas del Holocausto y denominadas Paisajes de Buchenwald, y expuso este conjunto de obras al final de su año en España. He agonizaba por ello, sintiendo que las imágenes eran demasiado literales. Buscaba algo: un instrumento formal que alcanzara un significado más allá del horror evidente del tema. A su regreso a Estados Unidos, se trasladó a Nueva York, convencido de que allí estaban sus raíces artísticas. Primero se ganó la vida impartiendo cursos de extensión, mientras estudiaba grandes cuadros en los museos de la ciudad, participaba en el mundo del arte actual y desarrollaba su propia obra. Entre 1961 y 1965, Harry pintó cuadros de extraños espacios llenos de objetos autobiográficos. La poesía de Wallace Stevens le afectó poderosamente en especial. Para Harry, la actividad de pintar era una forma de conectar realidades separadas. El trabajo de la imaginación, la metáfora o el "parecer", como lo describió Stevens, tiene lugar en la brecha entre elementos dispares, estableciendo conexiones de significado a un nivel más profundo. En este vacío, se esforzó por formular con precisión su comprensión de sus herramientas: sus materiales, sus conocimientos de filosofía e historia del arte, su tradición religiosa, su experiencia vital. En este vacío, vivía con la ansiedad de saber, con la fe en un proceso más grande que él mismo. Y trabajó. La geometría se convirtió en una forma de hablar de la pureza final, la totalidad, la relación; el material sensual de la pintura y la forma particular en que combinaba esos materiales se convirtieron en una forma de expresar la calidad de su propia experiencia. Llamó a una serie de cuadros Descripción sin lugar, en honor a Stevens. En esta serie, las ventanas y las cajas contienen imágenes de la experiencia (objetos pintados, que a la vez separan y fusionan los espacios del cuadro. Combina imágenes de crucifixión y negrura, con la vitalidad de la vida tanto en el objeto como en el color. La ruptura de bordes y límites, fusionando lo espacial y lo temporal, continuó a lo largo de toda su vida. En 1965, le ofrecieron un puesto de profesor en la Universidad Wesleyan de Connecticut. Allí comenzó su serie Homenaje a Ingres, expuesta en Nueva York en 1969, a la que siguieron una serie de deportes y collages, basados en formas biomórficas. En este periodo, sus exploraciones consistían en tejer el espacio y crear la ambigüedad de la figura y el suelo. En 1971, Harry aceptó un trabajo en la Universidad de Nuevo México, con la intención de trabajar a tiempo parcial y mantener una casa y un estudio en Amagansett, Nueva York. Siguió recortando imágenes (derivadas de sus cuadros de Ingres) e hizo una litografía basada en este trabajo en el Instituto Tamarind de Alburquerque. Durante este periodo, también trabajó en nuevas pinturas cuadriculadas, pasando de las formas biomórficas a un énfasis en el campo de la luz y el espacio de forma más abstracta. Expuso sus pinturas de Nuevo México en Nueva York en 1974. A estas obras luminosas siguieron pinturas muy oscuras que utilizaban una imaginería similar. En 1975, giró sus lienzos en diagonal y comenzó una serie de pinturas en forma de diamante, aplicando pintura blanca y negra y luego gris. An He siempre estuvo implicado en el simbolismo cabalístico místico del "fuego blanco/fuego negro". Su imaginería se vio envuelta en la ambigüedad entre el espacio bidimensional y el tridimensional. En 1976, tras pasar el verano en Amagansett, inició una nueva serie de pinturas sobre diamantes titulada Ritmos oceánicos. Buscando la cualidad del océano sin representarlo literalmente, utilizó ondas de movimiento para crear ese campo/espacio que era su preocupación formal. En 1977, continuó con el mismo formato de diamante, pero se interesó por una imaginería más simbólica y caligráfica, aún atento a la creación de ese campo plano. A finales de 1977-78, volvió al formato cuadrado; la imaginería se hizo pictográfica, y resurgió una de sus antiguas preocupaciones: la cuestión de los bordes y el centro. Éste fue el comienzo de la Serie del Laberinto. Se implicó más en la riqueza de la superficie, y pasó al color para crear una luminosidad oscura. En ese momento, comentó, con su humor característico, que el laberinto era una metáfora de su vida; no sabía adónde iba. Expuso estas obras en 1979 en Nueva York y se sintió muy estimulado por la respuesta. En 1980, su formato cambió a la vertical y su medio al temple al huevo sobre papel de arroz estirado sobre lienzo. Esto le permitió aplicar capas de colores transparentes, encontrando una nueva forma de lograr la luminosidad por la que se esforzaba. Unió los paneles verticales para hacer trípticos, de nuevo en un deseo de sentimiento trascendente. Cuando llegó al final de esta serie, de repente necesitó volver a crear colores que surgieran de la oscuridad. Comenzó una serie de grandes obras cuadradas y oscuras, con un campo laberíntico de objetos brillantes y coloreados, indicando de nuevo una ambigua sensación bidimensional y tridimensional, todo ello pintado con gruesa encáustica.

Creador:

Harry Nadler (1930, Americana)

Año de creación:

1986

Dimensiones:

Altura: 88,9 cm (35 in)Anchura: 39,37 cm (15,5 in)

Medio:

Técnica mixta

Movimiento y estilo:

Abstracto

Época:

1980-1989

Estado:

Ubicación de la galería:

Fairlawn, OH

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