Ralph Rosenborg (estadounidense, 1913-1992) Hierba de montaña con dos nubes, óleo sobre lienzo de yute, lienzo firmado a mano en el anverso y el reverso, etiqueta del artista y etiqueta de la galería Snyder Fine Art. El cuadro está fechado en 1965.
Dimensiones: Lienzo de 24 x 36, enmarcado mide 44,5 x 32,5.
Ralph Rosenborg (1913-1992) fue un artista estadounidense cuyas pinturas se describen como expresionistas y abstractas, y que fue colega de los expresionistas abstractos de Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. Sin embargo, a diferencia de ellos, prefería hacer obras pequeñas y tendía a inspirarse explícitamente en formas y figuras naturales para sus temas abstractos. Considerado un "artista muy personal", desarrolló un estilo único que se consideraba místico y mágico. Su carrera fue excepcionalmente larga, abarcando más de 50 años.
Rosenborg nació en Brooklyn, Nueva York, el 9 de junio de 1913. En 1929, siendo estudiante de bachillerato, empezó a trabajar con la diseñadora, artista e instructora Henriette Reiss. Cuando Rosenborg la conoció, Reiss trabajaba como instructora de la Liga de Arte Escolar en el Museo Americano de Historia Natural. Entonces se dedicó a instruir tanto a los alumnos como a sus profesores en el sistema escolar de la ciudad mediante un método que denominó Diseño Rítmico. Creía que la inspiración para los diseños abstractos podía encontrarse en los ritmos, ritmos que podían percibirse en las percepciones ordinarias del mismo modo que cuando se escucha música. En mayo de 1930, Reiss seleccionó un dibujo de Rosenborg para mostrarlo en una exposición de diseño creativo de estudiantes de secundaria de la ciudad. De 1930 a 1933, con edades comprendidas entre los 17 y los 20 años, Rosenborg estudió con Reiss en lo que Vivien Raynor, del New York Times, denominó una relación de "alumno-aprendiz". Durante este tiempo le instruyó en apreciación musical, literatura e historia del arte, además de darle formación técnica en arte.
En abril de 1934, Rosenborg fue uno de los 1.500 artistas que participaron en la exposición anual Salones de América, celebrada ese año en el edificio RCA del Rockefeller Center. Cada uno pagaba dos dólares por el privilegio de colgar hasta tres obras y a ninguna se le daba preferencia sobre las demás. El New York Times informó de que cuando se clausuró la exposición, un mes después, la habían visto unas 30.000 personas. Al año siguiente expuso en solitario (su primera exposición) en la Lounge Gallery del Eighth Street Playhouse. Al año siguiente participó en una exposición colectiva organizada por el Comité Municipal de Arte y en 1937 recibió una segunda exposición individual, esta vez en la Galería de Artistas. Ese año también se convirtió en miembro fundador y participó en una exposición colectiva de American Abstract Artists, una asamblea informal de artistas cuyo objetivo era promover el arte abstracto y a los artistas de Nueva York. Entre sus fundadores estaban Josef Albers, Ilya Bolotowsky, Werner Drewes, Ibram Lassaw, Mercedes Matter, Louis Schanker, Vaclav Vytlacil y Rudolph Weisenborn.
Más o menos al mismo tiempo, Rosenborg se asoció con un grupo de abstraccionistas que se autodenominaba "Los Diez" (incluía a Ben-Zion, Mark Rothko, Adolph Gottlieb y Joe Solman) y en mayo de 1938 se unió a sus otros miembros en lo que sería su primera aparición en una galería comercial: la Galería Georgette Passedoit. En 1938 participó en una exposición colectiva en la Lounge Gallery, en 1939 en exposiciones colectivas en la Artists Gallery y en la Bonestell Gallery con David Burliuk, Earl Kerkam, Karl Knaths y Jean Liberte, y en 1940 en otra exposición colectiva en el American Fine Arts Building.
Rosenborg nunca tuvo una relación exclusiva a largo plazo con una galería comercial. A lo largo de su carrera, su obra apareció en exposiciones colectivas e individuales en una gran variedad de galerías y museos de Nueva York y otros lugares de Estados Unidos. Algunos ejemplos son la Phillips Memorial Gallery (grupo, 1941), Yale University Art Gallery (grupo, 1942), Brandt (grupo, 1944), la Pinacoteca (solo, 1945), Troeger-Phillips (solo, 1946), Chinese Gallery (solos, 1946 y 1947), Instituto de Arte de Chicago (grupo, 1948), Galería de Arte Corcoran (grupos, 1949 y 1959) Seligmann (solo, 1950), Davis (solos, 1953 y 1954), Delacorte (solo, 1955) y Landry (solo, 1959, 1960 y 1962).[nota 14] Contribuyó con cuadros a las exposiciones del Museo Whitney de Arte Americano de 1946, 1953, 1956, 1957, 1976 y 1990[3]. En 1982 se le dedicaron exposiciones retrospectivas en la Galería Schlesinger-Boisanté y en 1983 en la Galería de Bellas Artes de Princeton[51][4].
Estilo artístico y recepción crítica
Durante las décadas de 1930 y 1940, Rosenborg se movió libremente entre acuarelas expresionistas evocadoras de los ritmos y colores de la naturaleza (como la acuarela Sin título, de hacia 1938) y óleos más conscientemente estructurados, como La ciudad lejana, en la que paisajes oníricos de tonos profundos adoptan el color y la arquitectura de las expresivas vidrieras. An He prestó poca atención a las teorías modernistas sobre la superficie y la estructura que fascinaban a muchos de sus contemporáneos. Posteriormente, durante la década de 1950, los cuadros de Rosenborg reflejaban cada vez más las energías, así como las apariencias, del mundo natural. Las marinas tumultuosas, los paisajes serenos y las naturalezas muertas florales de vivos colores se ejecutaban prestando atención a las superficies ricamente texturizadas y muy pintadas[1].
Virginia M. Mecklenburg, La Colección Patricia y Phillip Frost: American Abstraction 1930-1945 (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1989)
A diferencia de los expresionistas abstractos más conocidos, Rosenborg pintaba cuadros pequeños y daba preferencia a las aguadas y acuarelas sobre los óleos[52][38] De su mentora, Henriette Reiss, había aprendido un estilo de abstracción que implicaba la interpretación simbólica de los ritmos naturales[10] Los críticos observaron una preferencia por una abstracción gestual más que geométrica.[A lo largo de su carrera, los críticos también observaron un marcado lirismo en la obra de Rosenborg[16] La acuarela de Rosenborg de 1937, "Abstractos en azules y verdes" (arriba a la izquierda), ilustra su estilo inicial de acuarela. "La ciudad lejana" de 1941 (arriba a la derecha) ilustra su estilo temprano al óleo. "Paisaje americano" (arriba a la izquierda) ilustra su estilo tardío al óleo. "Paisaje con rosa, verde y azul" (arriba a la derecha) ilustra su estilo tardío de acuarela.
Sus primeras obras oscurecían las formas naturales que las inspiraban, lo que hizo que los críticos las consideraran tendentes a la abstracción pura. A principios de la década de 1950 pasó a una expresión más claramente figurativa[45][47] Se decía que estas últimas obras desprendían un aire de misterio[44] Stuart Preston, del New York Times, escribió sobre una exposición individual celebrada en la Landry Gallery en octubre de 1960: "La esencia del misterio y la magia es exactamente lo que distingue a las meditativas acuarelas semiabstractas de paisajes de Ralph Rosenborg...". Son pequeños actos arrebatadores de concentración visual y manual, a primera vista inescrutables, que luego se revelan precisos y alusivos."[49] Escribiendo sobre la misma exposición, Bennett Schiff, crítico del New York Post, dijo: "Una intensidad mística y una belleza que arde en colores rubí y zafiro están en estas finas pinturas."[55]
Vida personal y familia
El nombre de nacimiento de Rosenborg era Ralph Mozart Rosenborg[56] Nació el 9 de junio de 1913, hijo de Mozart Wolfgang Rosenborg (del 28 de octubre de 1884 al 4 de marzo de 1932) y de su esposa Helen Rosenborg (del 20 de septiembre de 1888 al 28 de septiembre de 1947)[nota 17] Ambos padres nacieron en Suecia. El padre de Rosenborg emigró a Nueva York en 1903 y vivió en la ciudad de Nueva York[60]. Durante la infancia de Rosenborg, fue maquinista[57]. Más tarde se ganó la vida como reponedor[58]. Su madre era a veces ama de casa y a veces se ganaba la vida como cocinera.[4] [61] De niño había deseado tocar el violín, pero las clases particulares estaban fuera del alcance de su familia[4]. Los programas de arte de las escuelas públicas de la ciudad y la Liga de Escuelas de Arte, de financiación privada, le dieron la oportunidad de recibir formación artística sin coste alguno y le pusieron en contacto con Henriette Reiss, que se convirtió en su mentora y apoyo[4].
Es probable que las ventas de cuadros nunca aportaran dinero suficiente para que Rosenborg pudiera vivir. Entre 1936 y 1938 impartió clases en el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn y posteriormente trabajó como vigilante durante uno o dos años en el Museo de Pintura No Objetiva[3]. A lo largo de su carrera se cree que se apoyó en las mujeres de su vida tanto económica como emocionalmente: primero en su madre, luego en Louise Nevelson, con quien mantuvo una apasionada relación entre 1942 y 1948, después, brevemente, en la hermana de ésta, Anita, y finalmente en su esposa, Margaret, después de que se conocieran en 1949 y se casaran en 1951[3][62].
Aquejado de alcoholismo y cargado de una personalidad errática y a menudo combativa, se decía que no tenía ni un solo amigo íntimo"[63]:150 Según el biógrafo de Nevelson, "las dotes de Rosenborg como pintor se vieron socavadas por su alcoholismo, su temperamento irascible y su búsqueda de independencia propia de un adolescente"[63]:151 ...."[63]:151 Otro escritor dijo que tenía un "carácter exasperante" y que era "una leyenda en el mundo del arte por su recelo ante cualquier cosa que oliera a enredo en las relaciones sociales o profesionales"[4].
Tras sufrir un derrame cerebral en 1991, Rosenborg y su esposa se trasladaron a Portland, Oregón, ciudad natal de ella, y allí murió en una residencia de ancianos el 22 de octubre de 1992[2][56].
Notas
Surgida del Comité de Arte de Nueva York de la Asociación de Educación Pública, la Liga de Arte Escolar era una organización filantrópica que colaboraba estrechamente con el sistema escolar público de la ciudad y sus museos para fomentar la alfabetización artística mediante conferencias, demostraciones, clases en estudios, premios y becas para estudiantes de enseñanza primaria y secundaria. La liga se fundó en 1909 y seguía existiendo en 2018[7][8][9].
Henriette Reiss (1889-1992) nació en Inglaterra de padres suizos. Se crió en Suiza y estudió pintura, escultura y diseño en Múnich, Basilea y Liverpool. En 1913 se trasladó a Estados Unidos con su marido, el pintor Winold Reiss, y, tras su divorcio en 1923, se hizo conocida primero como diseñadora y luego como inventora de un método de instrucción artística que denominó Método Henriette Reiss de Diseño Rítmico. Tras enseñar muchos años en la Liga de Arte Escolar y otros puestos relacionados, terminó su carrera como instructora en el Instituto Tecnológico de la Moda[6].
Los dibujos de los alumnos se expusieron primero en el Museo Americano de Historia Natural y después en el Gran Palacio Central. Entre las organizaciones que contribuyeron a ello se encontraban la School Art League, que impartía clases los sábados por la mañana; la New York Evening School of Industrial Art, dirigida por Jennie Greenberg; y la Girls' Commercial High School, impartida por Margaret Rigney[12].
Fundados en 1922 por Hamilton Easter Field, los Salones de América pretendían ofrecer a los artistas una alternativa a la Sociedad de Artistas Independientes, cuyos métodos financieros y publicitarios consideraba censurables. Un periodista dijo que su objetivo era "dar las mismas oportunidades a todos los miembros, ya fueran conservadores o postdadaístas"[16].
La galería, que a veces se llamaba Lounge Gallery y otras Playhouse Gallery, estaba situada en el Eighth Street Playhouse de Greenwich Village[17] Originalmente llamado Film Guild Cinema, fue el primer teatro construido exclusivamente para proyectar películas. En 1933 empezó a organizar exposiciones en copatrocinio con el Comité de Ayuda a los Artistas de Vernon C. Porter. El comité seleccionó a artistas que tenían dificultades para encontrar lugares en los que exponer sus obras y no les cobró honorarios de ningún tipo. Aunque de vez en cuando organizaba exposiciones colectivas, se especializó en ofrecer exposiciones individuales a jóvenes artistas que no podían acceder a galerías de otro modo[17]. En 1938, 120 artistas habían expuesto allí por primera vez en solitario[18].
El alcalde Fiorello La Guardia creó el Comité Municipal de Arte en otoño de 1934 para dar empleo a los músicos, intérpretes, artistas y otros trabajadores del arte de Nueva York que no tenían trabajo. Grupos de artistas presentaban solicitudes al comité y las exposiciones de sus galerías cambiaban cada dos meses[20][21].
Fundada por Hugh S. Stix en 1936 y dirigida por Frederica Beer, la Galería de Artistas se sostenía con donativos y no cobraba honorarios por las ventas de los artistas[22][23].
Edward Alden Jewell, del New York Times, calificó la exposición de "demostración masiva, a menudo rotunda, de diseño decorativo" y dijo que la mayoría de las obras procedían de fuentes europeas y mostraban poca individualidad[25].
Sólo otro miembro de Los Diez, Louis Schanker, estuvo también en American Abstract Artists. Formados en 1935, Los Diez se consideraban tanto abstractos como expresionistas, aunque el término "expresionista abstracto" no era entonces de uso corriente[27] A pesar del nombre, no solían tener diez miembros. Sólo había nueve en el grupo original y cuando el Rosenborg se unió a ellos sólo había ocho. Los miembros fundadores fueron Ben-Zion, Ilya Bolotowsky, Adolph Gottlieb, Louis Harris, Jack Kufeld, Marcus Rothkowitz (más tarde conocido como Mark Rothko), Louis Schanker, Joseph Solman y Nahum Tschacbasov[28].
Observando un tono sombrío general en esta muestra, el crítico del New York Sun dijo que "los nombres de los artistas sugieren una aclimatación reciente y no siempre los recién llegados pasan de inmediato a las glorias y alegrías de vivir en América"[29].
Salón 1938,[18] Galería de Artistas 1938,[30] Bonestell 1939,[31] American Fine Arts 1940[32]
Willard se casó con Dan Rhodes Johnson a principios de la década de 1940, convirtiéndose así en Marian Willard Johnson.
East River,[34] Neumann-Willard,[35] 1942 Willard,[36] 1943 Willard[37]
Phillips,[40] Yale,[3] Brandt,[3] Pinacoteca,[41] Troeger-Phillips,[3] Chino,[42][43] Instituto de Arte de Chicago,[3] Corcoran,[3] Seligmann,[44] Davis,[45][46] Delacorte,[47] Landry[48][49][50]
Véase, por ejemplo, New York Post, 14 de mayo de 1938,[26] New York Times, 9 de noviembre de 1941,[39] y New York Times, 11 de noviembre de 1946[54].
Véase, por ejemplo, New York Times 5 de julio de 1936,[19] New York Sun 14 de mayo de 1938,[29] New York Times 11 de noviembre de 1945,[41] y New York Times 15 de octubre de 1982[51].
Nacimiento de Mozart,[57] muerte de Mozart,[58] nacimiento y muerte de Helena[59]
Referencias
