Rosas Blancas - Óleo Impresionista, Bodegón Flores Blancas, Círculo de E Manet

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Rosas Blancas - Óleo Impresionista, Bodegón Flores Blancas, Círculo de E Manet
c.1870

Acerca del artículo

Un bellísimo óleo sobre lienzo de hacia 1870 del círculo del cotizado socio impresionista francés Edouard Manet. La pieza representa tres rosas blancas en un jarrón negro con una sola rosa rosa a su lado. El trabajo es exquisito. Dimensiones: Enmarcado: 26 "x21" Sin enmarcar: 18 "x13" Procedencia: Colección privada francesa Édouard Manet procedía de una antigua familia burguesa: su padre era magistrado y el padre de su madre, diplomático. Estaba inevitablemente marcado por sus orígenes y, por muy revolucionaria que pareciera su obra, conservaba el porte y los sentimientos de un "caballero de sociedad". De niño, ya sentía una atracción irresistible por la pintura como ocupación. Un tío que era coronel de artillería y que pasaba todos sus ratos libres llenando las páginas de un cuaderno de dibujo, le transmitió su afición por el dibujo y le llevó a museos. Tras proseguir sus estudios en el Collège Rollin, Manet optó (en lugar de estudiar Derecho) por alistarse como mozo de a bordo en un buque comercial, el Guadalupe. El largo viaje que realizó de El Havre a Río de Janeiro influyó en la forma en que se desarrolló su genio y más tarde le sirvió de inspiración para paisajes marinos que se cuentan entre los más bellos de su época. En aquel momento, sin embargo, sólo se sentía capaz de anotar impresiones fugaces con algunos trazos de lápiz: una actitud pintoresca por aquí, un aspecto esquivo por allá. A su regreso a Francia, a los 18 años, su padre accedió a sus deseos y aceptó que siguiera su vocación. He consiguió que entrara en el estudio de Thomas Couture, donde Manet permaneció seis años. Aparte de las reglas generales de su arte, Manet no tenía mucho que aprender de Couture, a quien el éxito le había llegado fácilmente y para quien el virtuosismo ocupaba el lugar del verdadero talento. Maestro y alumno no se tenían en gran estima. Nunca serás más que el Daumier de la pintura". le dijo un día Couture, un comentario revelador sobre ambos pintores. Sin embargo, Manet se desarrolló en el taller de Couture; le daban los modelos que necesitaba, después de lo cual iba al Louvre y se ponía a trabajar apasionadamente copiando a los maestros italianos y holandeses, siendo Tiziano uno de sus favoritos. Sus primeras obras independientes también estaban muy en deuda con Diego Velázquez. Los viajes que realizó en ese mismo periodo a Holanda, Alemania e Italia ampliaron aún más sus horizontes. A partir de 1856, alquiló un estudio en la rue Lavoisier y decidió trabajar solo. En 1859, se enfrentó al público. El Salón rechazó su obra Absinthe-Drinker, y una primera exposición suya en la Galerie Martinet, en el Boulevard des Italiens, provocó un escándalo. El astuto, elegante y atractivo caballero burgués, consciente de su valía, al que le gustaba agradar y se sentía destinado a una carrera gloriosa, fue despreciado al instante por el público. Los periódicos lo retrataron como un loco, un bohemio vulgar y un anarquista. Al igual que su amigo Charles Baudelaire, se veía a sí mismo como un gran clasicista al que confundían con un rebelde. Sin embargo, la Guitarrista (o Cantante española) de Manet fue aceptada en el Salón de 1861, e incluso ganó un premio. El año anterior, había allanado el camino a estas grandes composiciones que representaban el florecimiento de su mayor libertad de inspiración con la Música en los Jardines de las Tullerías, en la que los colores reverberan en torno a las sombras y tanto las figuras como los árboles tiemblan de vida. La personalidad artística de Manet se revela ya en estas primeras obras por la calidad de sus blancos y negros contrastados, por la intensidad de sus efectos trágicos y por la refinada delicadeza de su paleta, así como por la influencia de España, con la que su arte tiene extrañas afinidades y que siguió siendo una de sus principales fuentes de inspiración. (París festejaba entonces a una tropa de bailarines españoles, un cantante y un guitarrista). No hay que pasar por alto la influencia de las xilografías japonesas, que acababan de aparecer en París. El arte japonés se adaptaba a su temperamento por sus atrevidos contrastes y la calidad de su color, claramente situado y sostenido por bellos negros, así como por sus formas despreocupadas, rematadas por la precisión de un firme énfasis; y le atraían los temas en sí: cortesanos y gente del teatro, artesanos en su trabajo o mujeres en sus abluciones. Desde el principio, Manet reaccionó contra los contornos insípidos y los valores atenuados. Empleó una técnica alla prima (es decir, pintar sin pintura de fondo), esencial para el desarrollo del Impresionismo. En sus lienzos, colocaba grandes masas unificadas, "caras de juegos de cartas", como se dijo de su famoso Picnic en la hierba ( Déjeuner sur l'herbe), que provocó un escándalo en el primer Salón de los Rechazados que ordenó Napoléon III junto al Salón oficial de 1863. Se han hecho todo tipo de críticas contradictorias sobre este lienzo, que era un cuadro al aire libre, pero que también contenía el aire libre del taller, inspirado como estaba en el Concierto campestre de Giorgione en el Louvre. Manet trabajó en él durante todo un año, pero tiene toda la frescura tonal de un boceto y fue descrito por un crítico como un desaliño y una caricatura del color. Por no hablar de su audacia al mostrar a una mujer desnuda en un bosque en compañía de hombres con chaqueta. La joven era Victorine Meurent, una pelirroja de tez mate, figura esbelta y porte impasible que protagonizaría durante doce años numerosos lienzos del pintor. Volvería a angustiar a los visitantes habituales del Salón de 1865 en su siguiente encarnación, Olimpia, pintada en 1863. El abismo se ensanchaba aún más entre Manet y su público. Esta muchacha desnuda parecía perversa, estúpida, cadavérica, de actitud felina e indecente; el ramo y su sirviente negro se consideraban ridículos. Por último, el rostro y los tonos pálidos de la carne, a través de sus contornos tenuemente indicados, ofendían a los espectadores acostumbrados a inteligentes graduaciones y hábiles transiciones de la luz a la sombra. Sin embargo, un pequeño grupo de artistas y escritores emprendió una apasionada defensa de la obra. Se reunían en el Café Guerbois de la avenida de Clichy. En esta camarilla, el genial Manet ocupaba el lugar de honor. Contrariamente a su apariencia relajada, su producción fue prodigiosa: realizó acuarelas y aguafuertes, estudios, grandes temas de actualidad tomados de acontecimientos contemporáneos, retratos y marinas. Baudelaire le escribió: "No pueden reconocer tu talento. . . . ¿Te imaginas que eres la primera persona que se encuentra en esta situación? ¿Eres más genio que Châteaubriand y Wagner? Eso no impidió que la gente se burlara de ellos. Ni murieron por ello". La gente de los Salones señalaba con el dedo a tan distinguido caballero burgués que "pintaba obscenidades". Émile Zola fue despedido de la revista en la que había publicado sus entusiastas elogios en 1867, el año de la Exposición Universal. Cualquier persona con alguna influencia en la sociedad visitaba París con motivo de este acontecimiento. Para dar a conocer sus obras al público, Manet las presentó él mismo en un pequeño pabellón fuera del recinto oficial. Para entonces, había alcanzado el grado más perfecto de maestría. Con medios sorprendentemente restringidos, sobre un lienzo en el que había extendido una simple capa de pintura, indicaba la transición de la luz a la sombra con unas pocas pinceladas cortas y daba resonancia a los luminosos tonos de la carne de sus modelos, indicando primero en un tono unificado algunas sombras que luego acentuaba violentamente con pinceladas de luz. 'M. Manet", escribió en el catálogo, "no ha pretendido derribar un viejo estilo pictórico ni crear uno nuevo. Simplemente ha buscado ser él mismo y nadie más". Sólo algunos amigos personales de Manet le compraban lienzos. Sin embargo, entre los cuadros expuestos figuraban la Ejecución del emperador Maximiliano, el admirable Encierro, la Mujer con loro, el Tocador de guitarra y el Niño de la tropa tocando el pífano, por los que los grandes museos iban a entrar en disputas. Cuando estalló la guerra en 1870, Manet luchó en defensa de París con el uniforme de la guardia nacional. Pero a partir de febrero de 1871, retomó los pinceles. En el Salón de 1873 se produjo una evolución espectacular: El Buen Vaso de Cerveza, colorista y sólido, no sólo fue aceptado sino admirado tanto por la crítica como por el público. Una inversión tan violenta preocupó al pintor más de lo que le alegró. De hecho, resultó no tener apenas impacto. El desarrollo de su arte estaba entonces en pleno apogeo. Algunos de los jóvenes artistas sobre los que su genio causó una poderosa impresión le influyeron a su vez, llevándole a aligerar su paleta y a desarrollar un sentimiento por el aire libre real. Bajo la influencia principalmente de Edgar Degas -quien no le gustaba demasiado- aparecieron nuevas y fértiles fuentes de inspiración: ferrocarriles, casas en los bulevares, sofás con fundas y utensilios de baño o cocina. A partir de estos humildes objetos, transfigurados por su arte, Manet y sus amigos forjaron obras maestras. Era como si "esta innovación fuera más imprevista y tuviera más consecuencias para los artistas venideros que el exotismo de un Gauguin". Así, una gran inspiración nueva vino a animar los lienzos de este periodo, como el magnífico Lino de 1876, que está lleno de auténtico aire de campo: el aire fresco que circula por todas partes no es el de un estudio. Este impresionante cuadro fue rechazado por el Salón; la masa de sus contemporáneos seguía sin entenderlo. Cuando Manet invitó a la prensa a ver su lienzo en su estudio, hubo un coro de maldiciones. ¡Qué formas! ¡Qué colores! Qué tintes de carne!", gritaron los críticos indignados. Los árboles tienen el color de la carne, la cara se parece al vestido, el lino tiene la solidez del cuerpo y el cuerpo tiene la delgadez y desigualdad del lino". Otro crítico exclamó al año siguiente ante otro cuadro al aire libre, Argenteuil: "M. Manet nunca ha caído tan bajo. En los últimos años, ha exhibido cosas extremadamente payasas y ridículas...". Sin embargo, su amigo Stéphane Mallarmé se sintió orgulloso de que pintara su retrato, que fue una de sus obras maestras. De nuevo al aire libre, el Almuerzo en casa del padre Lathuile irradia luz y vitalidad, mientras que el Bar del Folies-Bergère, para el que se hicieron estudios in situ en multitud de bocetos, reconstruye por completo la atmósfera artificial y todos los aspectos de la vida bulliciosa y diversa de la que la bella muchacha de expresión mundana emerge lánguidamente bajo las luces eléctricas frente a su mesa negra y sus botellas. Ese mismo año, 1882, un exquisito retrato de una joven, Jeanne, desarmó a sus más acérrimos adversarios en el Salón. Sin embargo, aunque aún era joven, Manet estaba agotado por todo este trabajo; las batallas habían agotado sus nervios, y desde hacía dos años experimentaba los primeros síntomas de una terrible enfermedad que acabaría con él: ataxia locomotriz progresiva, además de sífilis terciaria. Sufría ataques cada vez más frecuentes y dolorosos. Seguía realizando grandes composiciones, luminosas y deslumbrantes, como Monsieur Perthuiset, pero lo más frecuente eran los retratos, los cuadros de flores y las naturalezas muertas, que no le obligaban a permanecer mucho tiempo de pie ante el caballete. An He trabajaba con pasteles, que le resultaban menos cansados que los pinceles. Durante el verano de 1882, en Reuil, apenas podía andar, y empleaba sus últimas fuerzas en pintar su jardín o en hacer rápidos esbozos de bellas visitantes. El invierno siguiente, la enfermedad empeoró drásticamente y desarrolló gangrena en el pie izquierdo, que tuvo que ser amputado. Manet murió el 30 de abril de 1883. Tenía 51 años y dejó 420 óleos, 114 acuarelas, 85 pasteles e innumerables grabados. Grabador y litógrafo, desempeñó un papel decisivo en la recuperación de grabados originales. A partir de 1862, se realizaron 76 aguafuertes a partir de sus pinturas. También creó algunas litografías y carteles, de los cuales el más buscado es Gatos. Realizó algunas ilustraciones: en 1874, para El río, de Charles Cros; en 1876, para La tarde del fauno, de Mallarmé, y El cuervo, de Edgar Allan Poe; y en 1869, contribuyó a la ilustración de Sonetos y aguafuertes, de las Ediciones Lemerre, así como a la Revista de la semana. En general, la técnica de Manet contrasta con la de sus amigos. Practicó el oficio de los pintores españoles, flamencos y holandeses. El dibujo preliminar tenía para él la misma importancia que para los grandes maestros del pasado, mientras que los impresionistas construían con colores, utilizando sus pinceles para insinuar objetos que se definen por el juego de la luz. Nada más lejos de la técnica de Manet, que encerraba sus temas con líneas sombrías y claras: Manet, siempre escrupuloso, fue un dibujante que, hasta el final de su vida, rascaba, corregía, borraba y medía para mantenerse lo más cerca posible de la vida y de su verdad. Aunque en su día se le clasificó como uno de los impresionistas, sería más exacto llamarle realista influido por el impresionismo.

Año de creación:
c.1870
Dimensiones:
Altura: 66,04 cm (26 in)Anchura: 53,34 cm (21 in)
Medio:
Lienzo,Óleo
Movimiento y estilo:
Impresionista
Círculo de:
Édouard Manet (1832 - 1883, Francés)
Época:
1870-1879
Estado:
Muy buen estado original.
Ubicación de la galería:
Marlow, GB
Número de referencia:
Vendedor: LFA04621stDibs: LU41536962662

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Materiales

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