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Julia Whitney BarnesBotánica pintoresca (Pintura bodegón de rosas rosas sobre azul oscuro, marco dorado)2023
2023
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Acerca del artículo
Bodegón realista de flores brillantes sobre azul oscuro
Cianotipia pintada a mano por Julia Whitney Barnes
"Botánica pintoresca (rosa, gloria de la mañana, eléboro, crocus, polinizadores, etc.)"
24 x 18 pulgadas
32 x 26 pulgadas enmarcado
El marco está ornamentado con un adorno de composición reproducido de un marco antiguo de la colección del artista y acabado en un dorado al agua tradicional. Madera maciza de arce. La hoja es de oro amarillo de 22 quilates, bruñido y patinado.
El cristal es antirreflectante con acristalamiento de cristal de museo.
Utilizando diversos medios pictóricos y la cianotipia -un proceso de impresión que produce una imagen azul cuando se expone a la luz solar una superficie recubierta de productos químicos-, la artista Julia Whitney Barnes cultiva viñetas edénicas. Arraigadas en el trabajo de mujeres artistas y científicas como Anna Atkins, las composiciones de Whitney Barnes exaltan toda la vida vegetal "con la misma importancia, independientemente de que sea una mala hierba, una especie rara, una flor silvestre o una flor cultivada", dijo Whitney Barnes en una entrevista con Create Magazine.
La cianotipia es un proceso de impresión fotográfica sin cámara inventado en 1842 que produce una impresión azul cian cuando se expone a la luz solar una superficie recubierta de una sustancia química no tóxica. Mediante el uso de este medio, Whitney Barnes manipula impresiones físicas de plantas cultivadas localmente en su jardín del Valle del Hudson y en otras zonas cercanas, junto con negativos fotográficos recortados intrincadamente. Dado que la luz solar inicia el proceso de exposición con la química de la cianotipia, Las flores seleccionadas se disponen cuidadosamente en composiciones nocturnas, seguidas de largas exposiciones bajo luz natural o UV para crear las impresiones finales. Una vez fundidas las singulares imágenes en cian, Whitney Barnes pinta meticulosamente el papel de acuarela expuesto con múltiples capas de acuarela, tinta y gouache. Cada cianotipia se crea mediante el poder de la luz, inspirando a los espectadores a mirar estas imágenes tan reconocibles de formas nuevas y diferentes.
Declaración del artista:
En esta serie, abordo cada cosa que crece con la misma importancia, independientemente de que sea una mala hierba, una especie rara, una flor silvestre o una flor cultivada. La mayoría de las obras tienen varias especies fusionadas en una composición, a menudo hasta el punto de que las plantas exactas representadas están abiertas a la interpretación. Cada composición comienza como una impresión en azul y blanco sobre papel de acuarela y después trabajo en acuarela, gouache y tinta. Incluso las obras que parecen todas azules y blancas suelen estar aumentadas con medios cepillados. Lo que más me interesa es crear objetos que resulten a la vez bellos y misteriosos. Quiero que resulten familiares pero ligeramente fuera del tiempo. En el verano de 2015, me mudé de Brooklyn a una casa centenaria en Hudson Valley, junto con mi marido, Sean Hemmerle. Cuatro semanas después, di a luz a nuestra hija, Magnolia. En lugar de un bautizo para el bebé, organizamos una ceremonia de plantación de árboles y colocamos un magnolio en nuestro jardín delantero, incluyendo la placenta como abono. Este pequeño acto fue el comienzo de mi íntima conexión con las plantas que crecían en nuestro jardín. Tras el nacimiento de nuestro hijo August en 2018, celebramos una ceremonia similar con un cornejo en nuestro patio trasero. A lo largo de los dieciocho años que viví en Nueva York, una de las cosas de las que más carecía era de una relación directa con la naturaleza. Tras mudarme a Poughkeepsie, la influencia de disponer de un espacio verde propio por primera vez en mi vida adulta empezó a introducirse en el proceso de mi estudio. La simple acción de salir con frecuencia al exterior, luego al interior y de nuevo al exterior me hizo pensar en el interior/exterior de manera formal y metafórica. Es profundamente satisfactorio tomar algo que es efímero y representarlo de un modo que pueda perdurar para siempre.
- Creador:Julia Whitney Barnes (Americana)
- Año de creación:2023
- Dimensiones:Altura: 81,28 cm (32 in)Anchura: 66,04 cm (26 in)Profundidad: 2,54 cm (1 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:Hudson, NY
- Número de referencia:1stDibs: LU22714246422
Julia Whitney Barnes
Nacida en Newbury, Julia Whitney Barnes pasó dos décadas en Brooklyn, antes de trasladarse al valle del Hudson, donde vive ahora con su marido fotógrafo y sus dos hijos. Barnes es un artista multidisciplinar cuya obra combina elementos del entorno humano o construido en yuxtaposiciones surrealistas con la naturaleza. Sus pinturas, de colores atrevidos, se basan en una variedad de imágenes originales que se combinan en interiores y paisajes insólitos. Whitney Barnes trabaja al estilo de muchos artistas de la Escuela del Río Hudson, que creaban cuadros compuestos a partir de bocetos de varios días y lugares destilados en una sola imagen. Julia Whitney Barnes se licenció en Bellas Artes en la Parsons School of Design y obtuvo un máster en Bellas Artes en el Hunter College, ambos en Nueva York. Whitney Barnes ha expuesto en todo Estados Unidos y en el extranjero, y su obra ha aparecido en The New York Times, Chronogram Magazine, Brooklyn Magazine, The Village Voice, Hyperallergic y The New York Sun. Ha recibido becas del Consejo Cultural del Bajo Manhattan, del Abbey Memorial Trust Fund for Mural Painting, de la Academia Nacional de Bellas Artes y de la Iniciativa de Arte Público de Gowanus, y ha llevado a cabo proyectos de arte público en Fjellerup (Dinamarca) gracias a la financiación de Kulturpuljen, Norddjurs Kommune (Dinamarca) en 2013 y del programa de Arte Urbano del Departamento de Transporte de Nueva York en 2011.
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