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San Jerónimo, Amberes, siglo XVI, hacia 1550, círculo de Lambert Van Noorthacia 1550
hacia 1550
Acerca del artículo
San Jerónimo en el desierto
Círculo de Lambert Van Noort (1520-1571, Amberes)
Escuela de Amberes, mediados del siglo XVI
Óleo sobre tabla de roble.
Dimensiones: panel h. 69 cm, l. 52,5 cm
Con marco: h. 113 cm, l. 98 cm (44,49x38,58 pulg.)
Marco de tabernáculo muy importante de madera dorada, Italia, siglo XVI
La vida y los escritos de San Jerónimo fueron una fuente inagotable de inspiración para los artistas de la Baja Edad Media y el Renacimiento.
En Italia y en el norte de Europa se forman dos iconografías paralelas, que representan a un San Jerónimo anciano y barbudo. La primera le mostraba cerca de su cueva, arrodillado ante el crucifijo, con la ropa tirada por el suelo. La segunda le representaba en su estudio, vestido con un abrigo rojo en medio de libros y escritos.
Nuestra obra, de mediados del siglo XVI, se distingue por una representación humanista del santo, la figura sagrada es sustituida por un simple ser humano de rasgos realistas. El anciano calvo y esquelético que se ilustra habitualmente se sustituye aquí por un hombre más joven y musculoso, con una hermosa cabellera y barba. Esta ruptura iconográfica continuará a lo largo del siglo XVI, influida por el movimiento humanista que se desarrolló en aquella época. Durante el Renacimiento, San Jerónimo se convirtió en el símbolo de la unión de la fe cristiana con la filosofía de la antigüedad grecorromana.
Nuestro artista representa a San Jerónimo refugiado en una cueva durante su retiro en el desierto. En acto de adoración y penitencia, arrodillado ante el crucifijo, está a punto de golpearse con una piedra, mientras mira al cielo.
He está vestido con una blusa blanca (símbolo de pureza) y envuelto en un gran manto cardenalicio rosa. Su ropa deja al descubierto el pecho, el brazo izquierdo y la rodilla.
El león, compañero del santo, yace cerca de él, mira al espectador con sus grandes ojos color avellana y sorprende por su rostro de rasgos humanos.
El crucifijo se coloca detrás de una losa de piedra o una inscripción en letras góticas confirma la identidad del santo. El sombrero del cardenal es arrojado al suelo. Se coloca sobre la piedra un evangelio con cubierta roja.
El rostro del santo muestra rasgos finos y regulares, el pelo blanco peinado hacia atrás dejando ver la frente, su bigote y su larga barba. La mirada meditativa y serena de sus ojos elevados al cielo contrasta con la tensión de su cuerpo, su boca congelada entreabierta, su mano apretando con fuerza la piedra, los músculos, tendones y venas hinchados que reflejan la resistencia corporal del santo en su acto de flagelación. Un enfoque que ilustra que detrás de un Santo se esconde un hombre corriente.
Este cuerpo de hombre maduro, con músculos salientes sorprende por la blancura aristocrática y la transparencia de su piel que revela las venas azuladas.
El trabajo de drapeado es especialmente logrado, de fuerte influencia gótica, con pliegues quebrados y angulosos. La iluminación intensa muestra las transiciones entre la luz y la sombra. Los colores degradados que van del morado al blanco, pasando por todos los tonos de rosa, distinguen los huecos y las crestas. Los bordes de su túnica están decorados con un dibujo de esgrafiado.
La cueva se abre a los paisajes de cada lado, están reproducidos deliberadamente a diferentes alturas, a la izquierda un paisaje de colinas con dos castillos y una ermita al pie de una montaña, con un camino serpenteante delante. A la derecha, sin embargo, una zona más baja con un edificio vallado. Estos paisajes de la campiña flamenca permiten situar al santo en el espacio-tiempo contemporáneo para la ejecución de la obra.
Aunque el paisaje no sea el tema principal de nuestra pintura, sorprende por su precisión y realismo y adquiere cierta autonomía en la composición gracias al proceso de veduta, abriéndose sobre el entorno exterior.
La figura del santo destaca sobre el fondo marrón de la cueva; el árido terreno está salpicado de pequeños grupos de vegetación muy finamente pintada, con hojas y flores cuidadosamente dibujadas. Estas hebras vegetales recuerdan los márgenes de las hojas de los Libros de Horas. Un aspecto que atestigua innegablemente la influencia gótica.
La paleta fría está dominada por los tonos azul verdoso del paisaje con el rosa helado de la túnica. La alternancia de motivos de color contribuye a construir la profundidad: marrón para el primer plano, verde para el segundo plano, azul para el horizonte.
La atención al detalle, el modelado de la figura y los grandes drapeados escultóricos crean una obra de gran sensibilidad y gran calidad estética.
Como ocurre con muchas obras realizadas durante esta época, la identidad de nuestro artista sigue siendo desconocida. Sin embargo, es evidente que su fuente de inspiración son las obras y varios pintores de su círculo artístico.
El tratamiento de los drapeados está muy próximo a las obras de Bernard van Orley, así como el crucifijo, que es idéntico al de San Jerónimo del museo de Cádiz (España), sin embargo Van Orley sigue el modelo arcaico de un anciano demacrado.
Por último, la obra más cercana tanto por su figura central y su composición con apertura a dos paisajes como por su fría paleta es un cuadro fruto de la colaboración entre Lambert Van Noort y Henri de Bles (por el paisaje), San Jerónimo penitente expuesto en el museo de Namur, Bélgica. Este San Jerónimo muestra como el de nuestro cuadro un cuerpo sano, armonioso y musculoso.
Resulta evidente que nuestra obra, que combina dos influencias y estilos, marca una nueva etapa en la pintura de Amberes, un abandono progresivo de los preceptos del arte gótico y de los arquetipos del arte religioso en favor del arte renacentista guiado por la visión humanista y el lugar central reservado al hombre.
Marco de tabernáculo muy importante de madera dorada, Italia, siglo XVI
En madera dorada ricamente tallada, con forma de pórtico de templo antiguo con pilastras estriadas con capiteles jónicos pertenecientes al repertorio de la arquitectura clásica. Consta de una gran cornisa moldurada y decorada con varios frisos de flores repujadas, seguida de un entablamento con compartimentos decorados con un friso de follaje dorado sobre fondo negro realizado con técnica de esgrafiado. La base está decorada con volutas de hojas doradas sobre fondo negro. El pedestal está decorado por delante y por los lados con ornamentos dorados sobre fondo negro esgrafiado *.
* Sgrafitto: técnica muy utilizada durante el Renacimiento consistente en aplicar dos capas de pintura y raspar la capa superior para revelar los motivos del fondo.
- Año de creación:hacia 1550
- Dimensiones:Altura: 113,01 cm (44,49 in)Anchura: 98 cm (38,58 in)Profundidad: 17,78 cm (7 in)
- Medio:
- Movimiento y estilo:
- Círculo de:Lambert Van Noort (1520 - 1571, Belga)
- Época:
- Estado:
- Ubicación de la galería:PARIS, FR
- Número de referencia:1stDibs: LU2433214025862
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