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Siglo XVI, Escuela Toscana, Sagrada Familia con San Juan

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Acerca del artículo

Siglo XVI, escuela toscana Sagrada Familia con San Juan Óleo sobre tabla, 82x71 cm Con marco, 92x81 cm El término maniera, ya en uso en la zona de Toscana en el siglo XV, adquirió un significado especial en las Vidas de Giorgio Vasari (que fue también uno de los principales pintores manieristas): con la expresión maniera moderna, el artista e historiador del arte de Arezzo indicaba el estilo de los grandes pintores de aquel periodo, conocido por él como la Tercera Edad, es decir, lo que hoy consideramos el Renacimiento maduro. Era, pues, el estilo de artistas como Leonardo, Miguel Ángel, Rafael o Giorgione. El término manierismo surgió en el siglo XVIII para referirse despectivamente a todos aquellos artistas que, a partir de las primeras décadas del siglo XVI, en lugar de imitar la naturaleza, se dedicaron a imitar la "manera" de los grandes artistas del Renacimiento maduro. En la actualidad, el término se ha despojado de la connotación negativa que tuvo en un principio e indica todos aquellos procesos artísticos que comenzaron a distanciarse de los modos renacentistas para elaborar esquemas nuevos y diferentes a los producidos anteriormente, y que en cierto modo podrían constituir incluso una evolución del propio Renacimiento. Nuestro panel presenta todas las características clave de la pintura manierista. Uno de los aspectos más evidentes de la pintura manierista es la búsqueda incesante del artificio y la gracia. Los artistas manieristas ya no pretenden una mimesis perfecta de la realidad, sino una representación que realce el virtuosismo técnico y la originalidad intelectual. Las figuras son a menudo alargadas, sinuosas, con poses contorsionadas y antinaturales, casi danzantes. Este alargamiento de las formas, evidente en artistas como Parmigianino o Bronzino, confiere a las obras una sensación de elegancia casi etérea, pero al mismo tiempo altera la proporción clásica, introduciendo una sensación de artificialidad. Otra peculiaridad de la pintura manierista es el uso poco convencional del color y la luz. Los colores del Manierismo no siempre son naturalistas; a menudo son ácidos, iridiscentes, artificiales, y se yuxtaponen de forma sorprendente, creando efectos sorprendentes. La luz, a su vez, no ilumina las escenas de manera uniforme y racional como en el Renacimiento, sino que a menudo se concentra en puntos concretos, creando claroscuros dramáticos y resaltando detalles inesperados. Esta manipulación del color y la luz contribuye a crear una atmósfera a menudo irreal, onírica o incluso alucinatoria. La composición manierista tiende a ser compleja y asimétrica, rompiendo con la centralidad y simetría tradicionales del Renacimiento. Las figuras se agrupan a menudo de forma inusual, ocupando esquinas o porciones marginales del lienzo, dejando huecos inesperados en el centro. Las líneas diagonales y las composiciones serpenteantes (como la famosa figura de la serpiente) confieren dinamismo y tensión a las obras, guiando la mirada del espectador por recorridos no lineales. Este enfoque compositivo refleja una voluntad de experimentar y una ruptura con las normas establecidas. En el cuadro en cuestión, en el centro de la escena, la Virgen está representada con una tez pálida y delicada y el cabello recogido por un ligero velo que rodea su cabeza, creando un aura de pureza. Lleva un vestido con mangas rosas que surgen de un amplio manto amarillo dorado, con pliegues rígidos, casi escultóricos, típicos de la iconografía del arte toscano de la primera mitad del siglo XVI, que dan volumen y solemnidad a su figura. Su mirada se dirige hacia San Juan, a la izquierda. El Niño Jesús está sentado sobre las rodillas de la Virgen María, en una pose que, si bien conserva cierta gracia infantil, muestra ya la torsión y la fluidez típicas de las figuras manieristas. En su mano derecha sostiene una manzana, recuerdo simbólico de su sacrificio por la redención de la humanidad. Su expresión es serena y contemplativa, mientras con la mano izquierda interactúa con el pequeño San Juan. San Juan, a la izquierda, lleva un paño rojo que le cubre la parte inferior del cuerpo y un abrigo de piel alrededor del hombro, atributo típico del Bautista. Su pose es más dinámica que la del Niño Jesús, con el cuerpo ligeramente inclinado hacia delante, como si tendiera la mano. Agarra una cruz de espino, símbolo de su futuro martirio, y vuelve la mirada hacia Jesús. A la derecha, al fondo, aparece San José. Su rostro, enmarcado por una espesa barba blanca y pelo del mismo color, se caracteriza por expresiones profundas y pensativas. Parece observar atentamente a los niños, con una expresión de benévola protección. Lleva un traje en tonos tierra, que complementa el fondo oscuro. El fondo presenta un paisaje rocoso de tonos oscuros, creando un fuerte contraste que hace resaltar las figuras del primer plano. A la izquierda, se abre un paisaje montañoso, casi nórdico, con árboles estilizados y un edificio que emerge entre las rocas, dando sensación de profundidad y sugiriendo un contexto narrativo más amplio, aunque no detallado. El uso del color es característico del Manierismo: los tonos son brillantes y a veces ácidos, especialmente en el manto de la Virgen y el paño de San Juan, pero yuxtapuestos con colores más oscuros y terrosos para el fondo y San José. Las figuras son alargadas y sinuosas, y las poses, aunque reconocibles, tienden hacia una elegancia sofisticada y a veces artificiosa, alejándose de la naturalidad renacentista.

Dimensiones:

Altura: 71 cm (27,96 in)Anchura: 87 cm (34,26 in)Profundidad: 5 cm (1,97 in)

Estilo:

Otro (En el estilo de)

Materiales y técnicas:

Madera,Aceitado

Lugar de origen:

Italia

Época:

siglo XVIII y antes

Fecha de fabricación:

Siglo XVI

Estado:

Desgaste acorde con la edad y el uso.

Ubicación del vendedor:

Materiales

Cobre

Escuela romana, siglo XVII, Virgen con el Niño

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