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Elizabeth MurrayComposition abstraite, graphite, crayon et collage de papier coloré, signée et encadrée1990
1990
6 545,71 €
Expédition
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À propos de cet article
Elizabeth Murray
Composition abstraite sans titre, 1990
Graphite, crayon de couleur et collage sur papier (le cadre porte l'étiquette originale de la Paula Cooper Gallery)
Signé et daté Printemps 1990 au crayon graphite au dos de l'oeuvre ; il y a une fenêtre découpée au dos qui montre la signature et la date.
Unique en son genre
Cadre inclus : L'œuvre d'art est élégamment flotté et encadré dans un cadre de musée fait à la main et porte l'étiquette originale de la Paula Cooper Gallery au dos du cadre. Une fenêtre découpée au dos du cadre révèle la signature et la date d'Elizabeth Murray en graphite.
Composition abstraite originale
graphite, crayon de couleur et collage sur papier
Signé et daté au crayon graphite au dos, printemps 1990
Provenance : Vente aux enchères de bienfaisance ; MADRE, New York, offerte par l'artiste.
Don de l'artiste et de la Paula Cooper Gallery (avec étiquette au verso)
Acquis auprès de l'ancien propriétaire lors de l'événement susmentionné
Mesures :
Encadré
12,25 pouces verticaux par 10,5 pouces horizontaux par 1,5 pouce de profondeur
Œuvre d'art :
8 5/8 pouces à la verticale par 6,75 pouces à l'horizontale
Biographie d'Elizabeth Murray :
Elizabeth Murray (née en 1940 à Chicago, IL - décédée en 2007 à Granville, NY) a été une artiste à l'avant-garde de la peinture américaine pendant cinq décennies et est considérée comme l'une des plus importantes artistes abstraites postmodernes de son époque. Son dynamisme et sa détermination ont produit un ensemble d'œuvres singulièrement novatrices, caractérisées par un minimalisme aux accents cubistes et un surréalisme qui a pignon sur rue. Tout au long de sa carrière, elle s'est délectée de la physicalité de la peinture et a abordé son travail à travers le vocabulaire constructif de la sculpture, déformant, tordant, éclatant et nouant ses toiles. Dans son œuvre novatrice et profondément imaginative, Murray s'est non seulement réapproprié le médium de la peinture, mais elle a également partagé des évocations personnelles de la naissance et de la mort, du rire et de la confusion, de la plénitude et de la perte.
Dès son plus jeune âge, Murray voulait être un artiste, un dessinateur en fait. Avec le soutien de son professeur d'art au lycée, Elizabeth Stein, Murray s'inscrit à l'école de l'Art Institute de Chicago dans le but de devenir une artiste commerciale. Cependant, elle passera plus de temps à apprendre à partir des œuvres exposées dans le musée qu'en classe, gravitant autour des peintures du Greco, de Francisco de Zurbarán, de Georges Seurat, d'Henri Matisse et de Pablo Picasso. Ce sont surtout les œuvres de Paul Cézanne et de Willem de Kooning qui ont nourri sa volonté de devenir peintre. Après avoir obtenu son diplôme en 1962, elle a poursuivi ses études au Mills College à Oakland, en Californie. En 1967, elle s'installe à New York, où elle vivra et travaillera jusqu'à sa mort en 2007.
Les œuvres de Murray datant des années 1960 reflètent une approche irrévérencieuse de la matérialité de la peinture. Ici, l'artiste a expérimenté des éléments de sculpture tout en conservant des allusions à la figure, inspirées par son affinité de longue date pour la bande dessinée. L'amour de Walt Disney et des bandes dessinées, qui a marqué l'enfance de Murray, sous-tendra de nombreux aspects de son art tout au long de sa carrière. Au cours des années 1970, Murray a démantelé, puis reconstruit, un grand nombre de stratégies et de théories compositionnelles associées au minimalisme. En utilisant des lignes courbes et des formes complexes librement inspirées d'idées mathématiques, elle a introduit des géométries qui transforment l'échelle, la forme et le format dans ses compositions peintes en couches épaisses. Au cours de la décennie suivante, Murray introduit la tridimensionnalité dans ses toiles, rompant ainsi totalement avec les compositions traditionnelles, plates et rectilignes. Les peintures des années 1980, boueuses, lunatiques et gestuelles, ont ouvert la voie à la reconnaissance et à la notoriété internationales. Dans ces œuvres, des intérieurs, des tables, des tasses à café, des chaussures et d'autres thèmes caractéristiques émergent d'écheveaux de peinture en aérosol et de marques semblables à des graffitis. Au cours des années 1990, les œuvres de Murray sont devenues plus plates tout en conservant un haut degré d'élaboration compositionnelle et d'exubérance chromatique. Dans les dernières années de sa carrière, l'artiste a offert de nouvelles visions de ses motifs caractéristiques dans des peintures vibrantes à plusieurs panneaux.
Tout au long de sa brillante carrière, Murray a été un instructeur, un artiste invité et un conférencier très recherché. Il a notamment été instructeur au Rosary Hill College (1965-67), artiste invité à la Wayne State University et à la School of the Art Institute of Chicago (1973), instructeur au Bard College (1974-77), instructeur invité au California Institute of the Arts (1975-76), conférencier à l'université de Princeton (1977), à l'Université de Yale (1977-80), à la School of Visual Arts de New York (1978-80), à la Skowhegan School of Painting and Sculpture (1979, 1985 et 1992), au Maryland Institute College of Art (1981), à la New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture (1987), conservatrice invitée de Artist's Choice : Elizabeth Murray au Museum of Modern Art, New York (1995), professeur invité d'arts plastiques au Bard College (1999-2003), et instructeur au Brooklyn College (2003-07).
Murray a reçu de nombreuses distinctions en reconnaissance de son travail, notamment le Walter M. Campana Award de l'Art Institute of Chicago (1982), un prix de l'American Academy of Arts and Letters (1984), la Medal for Painting de la Skowhegan School of Painting and Sculpture (1986), un doctorat honorifique de la School of the Art Institute of Chicago (1992), l'intronisation en tant que membre élu de l'American Academy of Arts and Letters, New York (1992), Larry Aldrich Award (1993), diplôme honorifique de la Rhode Island School of Design (1993), MacArthur Fellowship (1999), doctorat honorifique de la New School (2001), National Artist Award du Anderson Ranch Art Center (2002), Distinguished Artist Award for Lifetime Achievement de la College Art Association (2007), et prix décerné par CITYarts (2007).
Parmi les commandes publiques importantes, on peut citer deux projets de fresques murales pour les transports en commun de la ville de New York : Blooming (1996) à Lexington Avenue/59th Street et Stream (2001) à 23rd Street/Ely Avenue.
Les présentations institutionnelles monographiques comprennent Elizabeth Murray : Drawings 1980-1986 à la Carnegie Mellon University Art Gallery (a), Elizabeth Murray : Paintings and Drawings au Dallas Museum of Art (1987, itinérance au List Visual Arts Center du MIT, au Museum of Fine Arts de Boston, au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, au Des Moines Art Center, au Walker Art Center et au Whitney Museum of American Art), Elizabeth Murray : New Work au San Francisco Museum of Modern Art (1988), Elizabeth Murray Prints : 1979-1990 à la Barbara Krakow Gallery (1990, itinérance au Bates College Museum of Art, à la David Winton Bell Gallery de la Brown University, au Davison Art Center de la Wesleyan University et au Florida Gulf Coast Art Center), Elizabeth Murray : Recent Work au Wexner Center for the Arts de l'Ohio State University (1991), Elizabeth Murray au Nerman Museum of Contemporary Art du Johnson County Community College (1993), et Elizabeth Murray : Works on Paper, Virginia Commonwealth University (1998).
En 2005, Murray est devenue la cinquième femme à bénéficier d'une rétrospective de sa carrière au Museum of Modern Art de New York, après Louise Bourgeois, Lee Krasner, Helen Frankenthaler et Jackie Winsor. Elizabeth Murray comprend plus de soixante-quinze peintures et œuvres sur papier couvrant l'ensemble de la carrière de Murray. L'année suivante, l'exposition a été présentée à l'Institut Valencià d'Art Modern.
Parmi les expositions posthumes importantes, citons Elizabeth Murray au Arts Club de Chicago (2009), Elizabeth Murray : Heart and Mind à la Brooklyn Academy of Music (2016), Elizabeth Murray : When the House is Quiet à la Galerie Maria Bernheim (2016), Elizabeth Murray au MAMCO Genève (2016), Spotlight on Elizabeth Murray à la Collection Anderson de l'Université de Stanford (2018), Elizabeth Murray : Flying Bye au Camden Art Centre (2019), et Elizabeth Murray : Back in Townes aux UB Art Galleries (2021).
Les œuvres de Murray figurent dans plus de 90 collections publiques en Amérique du Nord, en Asie et en Europe.
-Avec l'aimable autorisation de la succession d'Elizabeth Murray
- Créateur:Elizabeth Murray (1940-2007, Américain)
- Année de création:1990
- Dimensions:Hauteur : 31,12 cm (12,25 po)Largeur : 26,67 cm (10,5 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Excellent état d'origine. Livré encadré.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745215024002
À propos du vendeur
5,0
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Unique Encre et lavis de couleur sur papier
Signé et daté à la main par l'artiste au recto.
Encadré avec l'étiquette originale de la Label (a) Gallery (sous la direction respectée de Larry Rubin)
Cet excellent dessin sculptural sans titre a été réalisé par le célèbre sculpteur et peintre expressionniste abstrait, Herbert Ferber. Signé et daté à la main par l'artiste au recto. Encadré et prêt à être accroché, en bon état vintage. L'œuvre porte l'étiquette originale de la galerie Knoedler, sous la direction prestigieuse de Lawrence Rubin.
Mesures :
Cadre :
16 1/4 x 16 1/4 x 1/2 pouces
Feuille :
11 x 14 pouces
Provenance :
Porte au dos l'étiquette de Knoedler and Company. De la galerie originale Knoedler sous la direction de Larry Rubin.
Herbert Ferber Biographie
(1906-1991)
L'un des rares artistes de l'expressionnisme abstrait à travailler en trois dimensions, Herbert Ferber a exploré les préoccupations de son époque dans des sculptures dynamiques et visuellement intéressantes au cours d'une carrière qui exprime de manière unique le vocabulaire artistique collectif au milieu du siècle. Dans un ensemble d'œuvres qui s'étend sur plusieurs décennies, la pratique sculpturale de Ferber se développe lentement et de manière réfléchie pour incorporer des éléments du surréalisme, du réalisme social et de l'expressionnisme.
Après quelques travaux en taille directe sur bois, Ferber est allé "au-delà du monolithe" au début des années 1940 sous la forme de bronze modelé. (1) Cela a permis à l'artiste d'explorer des formes plus atténuées et expressionnistes et d'ouvrir sa pratique à certaines influences surréalistes auxquelles ses contemporains s'intéressaient également. C'est également à cette époque que Ferber passe à l'abstraction totale, ses formes amincies ressemblant de plus en plus à des dessins dans l'espace. Le dessin est en effet une composante importante du processus de Ferber, et plusieurs travaux préparatoires sur papier précèdent chaque œuvre sculpturale. Le dessin "a permis à Ferber d'assouplir et d'ouvrir ses formes et de se libérer d'une image spécifique et littérale pour aller vers la simplification et la fluidité" dans la sculpture. (2)
Dans les années 1950 et 1960, Ferber a exploré la relation entre les lignes organiques et géométriques, notamment dans sa série de sculptures "en cage". Ces œuvres à grande échelle présentaient des formes organiques étendues contenues dans des dispositifs d'encadrement strictement rectilignes. L'artiste joue également avec les limites de l'équilibre et du contrepoids dans des sculptures à la fois grandes et petites. Cette œuvre sans titre de 1966 incarne ces deux directions dans le travail de Ferber. La forme organique du cercle tourbillonnant est interrompue par la géométrie agressive des lignes de Ferber dans l'espace. L'ensemble de la forme penche aussi dynamiquement d'un côté, contrebalancé par le petit socle sur lequel elle repose.
Né à New York en 1906, Ferber a fréquenté le City College de New York de 1923 à 1926, se spécialisant dans les sciences tout en développant un intérêt pour les beaux-arts et les sciences humaines. Il a ensuite étudié la dentisterie et la chirurgie buccale à l'université de Columbia, où il a obtenu son doctorat. Pendant ses études de médecine, Ferber a dû faire des dessins anatomiques ; c'est là qu'il a découvert pour la première fois ses talents d'artiste. Tout en fréquentant l'école dentaire, il s'est également inscrit à l'Institut de design des Beaux-Arts de 1927 à 1930. Ferber a en effet exercé la profession de dentiste pendant plusieurs années et a également enseigné la dentisterie à temps partiel à Columbia jusqu'au milieu des années 1970, époque à laquelle il s'est entièrement consacré à la sculpture.
Dans les années 1930-1931, Ferber réalise ses premières sculptures sur bois et, à la fin de l'année 1932, il s'est pleinement approprié ce médium. Ses premiers travaux étaient représentatifs - souvent de la forme humaine - ce qui est probablement une réponse directe à ses dessins d'anatomie en tant qu'étudiant en médecine. Au fil des années, son travail devient de plus en plus abstrait. Après sa période de représentation stricte, Ferber se préoccupe de plus en plus des causes sociales. Son œuvre a pris une tournure particulièrement socio-réaliste en s'intéressant à l'évolution du climat social, politique et économique des années 1930. C'est à cette même époque, vers 1936, qu'il adhère à un club John Reed et à l'Artist's Union. Tout en participant à ces organisations, il assiste aux conférences des influents muralistes socialistes mexicains José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, qui se rendent à New York pour faire connaître l'art social-réaliste. Cependant, à la fin des années 1930, Ferber est désillusionné par la politique stalinienne et commence à se détacher de John Reed et de l'Artist's Union. Les thèmes du réalisme social sont restés quelque peu présents dans son travail par la suite, mais de manière moins littérale. Sa première exposition personnelle, composée d'œuvres en bois, a eu lieu en 1937 à la Midtown Gallery de New York. Avant la fin des années 1940, il avait abandonné le bois comme support, insistant sur le fait qu'il avait fait tout ce qu'il pouvait avec ce matériau.
Comme pour de nombreux artistes américains qui ont passé leurs années de formation de ce côté-ci de l'Atlantique, le premier voyage de Ferber en Europe a été particulièrement influent. En 1938, il a visité un grand nombre d'églises et de cathédrales en France et en Italie et a été particulièrement influencé par la sculpture romane, notamment celle de Moissac, Souillac et Carcassone. Entre 1938 et 1945, son œuvre est fortement marquée par ce qu'il appelle la "fausse perspective" des chapiteaux romans.
Au fur et à mesure de sa carrière, Ferber a expérimenté de plus en plus de types de métaux et de manières différentes d'obtenir une forme structurelle saine. Pour Ferber, cependant, les matériaux étaient une question de pragmatisme. Il s'est souvent élevé avec force contre la fétichisation des matériaux - sa plus grande critique du Bauhaus. Il pensait que les idées étaient au cœur de l'art
la fabrication, et non les techniques ou les matériaux (3). Une partie importante du processus de Ferber, qui découle directement de l'influence d'Henry Moore, est la phase de dessin. Boursier William C. AGE
va jusqu'à qualifier Ferber de "dessinateur compulsif", dont les études sont de véritables dessins au lavis qui s'apparentent à des peintures. AGE cite le processus de dessin de Ferber comme une contrainte importante dans son identité d'artiste. Son intérêt pour le dessin combiné à son affection pour Miró et Picasso indique que Ferber, Alexander Calder, David Smith et d'autres artistes de cette génération ne souhaitaient plus tracer une délimitation distincte entre la peinture et la sculpture (4). Ferber, Smith, Calder et Theodore Roszak ont tous commencé comme peintres avant de passer aux trois dimensions, et étaient donc plus enclins à ignorer les barrières entre les médiums. Cette approche de la sculpture se retrouve dans des œuvres de Ferber telles que Metamorphosis I...
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